.jpg)
Ver fotografía original y créditos en Wikimedia Commons.
La imagen se presenta sin modificaciones adicionales. La publicación no implica respaldo del fotógrafo a STHDMETAL.
El líder de The Smashing Pumpkins reivindica el legado de la banda, analiza el regreso del rock alternativo entre los más jóvenes y habla abiertamente de su infancia, la ansiedad, la fe y los errores que marcaron su trayectoria.
Billy Corgan no es precisamente un músico que haya construido su carrera intentando caerle bien a todo el mundo. Durante décadas, el líder de The Smashing Pumpkins ha alternado la ambición artística con enfrentamientos públicos, declaraciones provocadoras y una relación especialmente complicada con determinados sectores de la crítica musical. Sin embargo, detrás de esa personalidad combativa existe una historia bastante más compleja de lo que suele reflejar su imagen pública.
En una extensa conversación de aproximadamente 100 minutos con Jon Caramanica y Joe Coscarelli en Popcast, el programa musical de The New York Times, Corgan repasó algunos de los episodios más importantes de su carrera y explicó cómo contempla hoy su legado. La entrevista, titulada 100 Minutes of Billy Corgan Unloading on His Haters, abordó desde el renovado interés de la Generación Z por The Smashing Pumpkins hasta las heridas familiares que todavía forman parte de su historia personal.
No fue únicamente una defensa de su trayectoria. También hubo espacio para reconocer contradicciones, hablar de sus momentos más oscuros y explicar por qué considera que la música sigue siendo el terreno en el que mejor puede expresar lo que piensa.
THE SMASHING PUMPKINS CONECTAN CON UNA NUEVA GENERACIÓN
Uno de los asuntos centrales de la conversación fue el renovado interés por The Smashing Pumpkins entre los oyentes más jóvenes. Canciones y discos asociados a la explosión del rock alternativo de los años noventa están encontrando nuevos seguidores gracias a plataformas digitales como TikTok y a la facilidad con la que las nuevas generaciones descubren música de otras épocas.
Para Corgan, este fenómeno tiene una explicación que va más allá de la nostalgia. El cantante considera que las emociones presentes en aquellas canciones siguen conectando con los problemas y las inquietudes de los adolescentes actuales. La angustia, la frustración, la sensación de no encajar y la necesidad de encontrar una voz propia no han desaparecido, aunque el entorno social haya cambiado radicalmente.
El músico también relacionó esta recuperación del interés por las guitarras con el desgaste de determinadas fórmulas comerciales. A su juicio, durante años la industria favoreció producciones cada vez más pulidas y previsibles, mientras que la aspereza, la disonancia y la imperfección que caracterizaban a buena parte del rock alternativo perdían protagonismo.
Ahora observa una oportunidad para que esos sonidos vuelvan a ocupar un lugar relevante.
La vigencia de The Smashing Pumpkins no depende únicamente de que una canción reaparezca en un vídeo viral. La cuestión de fondo es que su música puede encontrar un significado nuevo en oyentes que no vivieron su primera etapa de éxito. Para ellos, la banda no representa necesariamente una reliquia de los noventa, sino un descubrimiento propio.
El grupo continúa además con la gira Rats in a Cage, planteada alrededor de Mellon Collie and the Infinite Sadness y otras canciones destacadas de su repertorio. La web oficial de la banda mantiene la información de esta gira y sus fechas.
LA BATALLA CON LA CRÍTICA: CORGAN NO OLVIDA LOS AÑOS DE DESPRECIO
Si existe un asunto que todavía despierta una reacción inmediata en Billy Corgan, es la manera en que determinados críticos interpretaron su trabajo durante los años noventa y principios de los 2000.
Durante la entrevista, el músico cargó contra lo que denominó la clase de escritores y prescriptores culturales vinculados al entorno alternativo, utilizando Pitchfork como referencia de una transformación más amplia de los criterios con los que se juzgaba la música. Según su interpretación, parte de aquella cultura terminó privilegiando determinadas propuestas pop mientras presentaba como defectos algunos de los elementos que habían dado personalidad al rock alternativo.
Corgan sostiene que The Smashing Pumpkins fueron perjudicados por una narrativa que los consideraba demasiado comerciales, ambiciosos o preocupados por la imagen. Le molesta especialmente que esas valoraciones eclipsaran la complejidad musical y la dimensión emocional de sus canciones.
Su defensa no se limita a reclamar mejores críticas para discos como Siamese Dream o Mellon Collie and the Infinite Sadness. Lo que cuestiona es el poder que llegaron a ejercer determinados intermediarios culturales para decidir qué artistas merecían reconocimiento y cuáles debían quedar relegados.
En su opinión, las nuevas generaciones tienen una ventaja: pueden descubrir música sin cargar necesariamente con las rivalidades, etiquetas y jerarquías que dominaron anteriores etapas de la crítica. Un joven que llega hoy a The Smashing Pumpkins puede escuchar sus discos sin conocer las viejas discusiones sobre quién era más auténtico, quién pertenecía a la escena correcta o qué banda debía considerarse superior.
Corgan también recordó que algunas críticas dirigidas a su grupo se detenían en aspectos superficiales, incluida su apariencia. Para él, ese tipo de comentarios demuestra hasta qué punto la valoración de un artista puede desviarse de la música que ha creado.
No obstante, su resentimiento convive con una reflexión interesante: el propio Corgan reconoció que también había cometido errores al juzgar a otros artistas. Esa admisión aparecería con especial claridad al recordar su encuentro con Britney Spears.
BRITNEY SPEARS Y LA LECCIÓN QUE CAMBIÓ SU PERSPECTIVA
Durante años, Corgan mantuvo una postura crítica hacia buena parte del pop comercial. Sin embargo, conocer personalmente a Britney Spears alrededor de 2001 le permitió reconsiderar una cuestión que hasta entonces había simplificado.
El músico explicó que, antes de aquel encuentro, tendía a interpretar a Spears como una figura representativa de un determinado arquetipo de estrella pop. Después de hablar brevemente con ella, comprendió que estaba pasando por alto algo esencial: el público no había elegido simplemente una imagen reconocible, sino a una persona concreta cuya presencia y personalidad resultaban singulares.
La reflexión tiene una conexión directa con su propia experiencia. Corgan lleva años lamentando que parte de la crítica redujera a The Smashing Pumpkins a una caricatura, sin valorar adecuadamente lo que la banda aportó a la música de su época.
Al hablar de Spears, reconoció que él mismo había cometido un error parecido al encasillarla. Esa experiencia le llevó a preguntarse qué hace que determinados artistas conecten con el público, incluso cuando sus propuestas no encajan en los criterios personales de quien los juzga.
La conclusión es relevante porque introduce un matiz en su habitual enfrentamiento con los críticos: comprender el valor de un artista exige algo más que decidir si nos gusta o si encaja en nuestras preferencias. También implica entender qué representa para quienes lo escuchan.
OLIVIA RODRIGO Y YUNGBLUD: LA AUTENTICIDAD NO TIENE EDAD
Esa misma mirada aparece cuando Corgan habla de artistas más jóvenes como Olivia Rodrigo y Yungblud, nombres con los que ha mostrado afinidad en esta etapa de su carrera.
Sobre Rodrigo, destacó su capacidad para incorporar influencias distintas y alejarse de la obligación de presentar cada canción como una producción impecable. Le parece significativo que una estrella del pop contemporáneo pueda permitirse conservar cierta imperfección y no tenga miedo de mostrar una interpretación vocal que se salga ligeramente de lo esperado.
Para Corgan, esa libertad es una de las claves de la autenticidad artística. No considera que el pop y el rock deban vivir enfrentados por definición; su crítica se dirige, más bien, a las fórmulas que sacrifican la personalidad para cumplir con las exigencias comerciales.
Su argumento conecta con el regreso generacional de The Smashing Pumpkins: los jóvenes no tienen por qué reproducir las fronteras musicales de quienes los precedieron. Pueden escuchar rock alternativo, pop, shoegaze y otras corrientes sin aceptar las jerarquías que durante años intentaron separar unas escenas de otras.
La cuestión, en definitiva, no es qué etiqueta acompaña a un artista, sino si tiene algo propio que decir.
UN NIÑO CON TALENTO AL QUE LE CERRARON UNA PUERTA
El momento más personal de la entrevista llegó cuando Corgan recordó un episodio de su infancia que, según explicó, contribuyó a marcar su relación con la música y con su padre.
Cuando tenía siete años, participó en una prueba escolar de percepción musical. El resultado fue tan extraordinario que, según su relato, los responsables de la escuela repitieron la evaluación antes de convencerse de que no se trataba de una casualidad. Posteriormente, le ofrecieron la posibilidad de escoger un instrumento para comenzar a estudiar música.
Corgan eligió el saxofón. Sin embargo, cuando llevó a casa el documento que necesitaba la autorización familiar para iniciar las clases, su padre reaccionó negativamente al coste de la formación y rompió el papel.
El músico aseguró que aquella decisión le impidió recibir educación musical formal, una carencia que todavía relaciona con su incapacidad para leer partituras.
Años después, cuando recordó el episodio ante su padre, este le respondió que no lo recordaba. Corgan también contó que había escuchado de él una explicación que le resultaba especialmente dolorosa: que haber tenido una vida difícil lo había convertido en una mejor estrella de rock.
El cantante cuestionó esa idea. Para él, haber atravesado situaciones duras no convierte automáticamente el sufrimiento en algo deseable ni justifica el trato recibido durante la infancia.
En ese contexto, evocó uno de los momentos que considera más significativos de su trayectoria: ver sus composiciones interpretadas por la Orquesta Lírica de Chicago, con una gran formación orquestal y coral, ante un público que respondió emocionado.
Aquella experiencia representó una especie de cierre de círculo. Corgan recordó que, cuando era niño, se había preguntado qué habría podido desarrollar si hubiese contado con apoyo y formación musical desde el principio. La interpretación de sus canciones en ese entorno le permitió contemplar hasta dónde había llegado su trabajo.
Su relato no pretende demostrar que las dificultades fueran necesarias para alcanzar el éxito. Más bien plantea la pregunta contraria: qué otras posibilidades podrían haberse abierto si aquel talento hubiera recibido el respaldo adecuado.
ANSIEDAD, FE Y LOS MOMENTOS EN LOS QUE TODO SE OSCURECIÓ
Corgan también habló abiertamente de su salud mental y reveló que atravesó tres periodos en los que llegó a contemplar el suicidio. Relacionó esas etapas con una combinación de experiencias traumáticas durante su infancia, presión pública, dificultades personales y el desgaste de vivir bajo la mirada constante de los demás.
Mencionó especialmente una etapa difícil alrededor de 2012, cuando se encontraba en un momento complicado de su vida. La conversación no presentó el éxito profesional como una protección automática frente al sufrimiento: incluso después de alcanzar reconocimiento internacional, Corgan tuvo que enfrentarse a problemas que la fama no resolvía.
En su relato, la fe cristiana adquirió una importancia decisiva. El músico explicó que la oración y su vida espiritual le ayudaron a atravesar aquellos periodos. También destacó el papel de su esposa y de su familia, que le proporcionaron una estabilidad distinta de la que había conocido durante buena parte de su vida.
La paternidad tuvo un efecto particular en su manera de entenderse a sí mismo. Corgan contó que el nacimiento de su hijo le llevó a preguntarse qué clase de persona quería ser en el presente, en lugar de limitarse a vivir de sus logros pasados o de repetir una imagen pública construida alrededor de la confrontación.
Esa reflexión también influyó en su decisión de dejar atrás el personaje provocador que había utilizado durante años. La actitud desafiante podía servirle para combatir a sus detractores, pero terminó resultándole repetitiva y dejó de representar todo lo que quería expresar.
En el tramo final de la entrevista, el músico volvió a describirse como un niño asustado y nervioso que había encontrado una salida a través del rock alternativo, pese a sentir que tampoco era plenamente aceptado por aquella comunidad.
La declaración ofrece una clave para comprender su comportamiento: la provocación pública y la inseguridad personal no son necesariamente incompatibles. En el caso de Corgan, ambas han convivido durante mucho tiempo.
MARILYN MANSON: AMISTAD, ACUSACIONES Y PRESUNCIÓN DE INOCENCIA
Otro de los asuntos delicados fue su relación con Marilyn Manson, a quien Corgan describió como un amigo de larga trayectoria.
Preguntado por las acusaciones de abusos y conducta sexual inapropiada que han rodeado al músico, Corgan defendió su derecho a mantener una relación personal con él y explicó que no consideraba probadas las acusaciones que se comentaban durante la entrevista. También sostuvo que cada caso debe analizarse atendiendo a sus circunstancias y rechazó lo que percibe como dinámicas de condena pública anticipada.
Sus declaraciones deben entenderse como la posición personal de Corgan, no como una resolución independiente sobre las acusaciones. La presunción de inocencia y el examen de las pruebas son cuestiones distintas de la confianza que alguien deposite en un amigo.
El cantante afirmó que no cree que una persona deba quedar exenta de responsabilidad si se demuestra que ha cometido un delito. Al mismo tiempo, expresó su rechazo a los juicios colectivos que, a su entender, sustituyen el análisis de cada caso por una condena basada en la presión social.
El episodio revela otra de las constantes de su personalidad: Corgan prefiere defender su criterio individual incluso cuando sabe que puede provocar una reacción negativa. Esa actitud le ha permitido mantener vínculos que considera importantes, pero también lo sitúa en el centro de controversias que van más allá de la música.
KANYE WEST, ALEX JONES Y EL PRECIO DE LA PROVOCACIÓN
La conversación también recuperó la etapa en la que Corgan se acercó a espacios de comentario político alternativo, incluidas sus apariciones en el programa de Alex Jones, InfoWars.
El músico explicó que su interés estaba relacionado con sus preocupaciones sobre la tecnocracia, la vigilancia y la libertad de expresión. Sin embargo, reconoció que aquella incursión no era necesariamente el terreno en el que podía aportar más.
En retrospectiva, consideró que su mejor manera de expresar sus ideas políticas y sociales era a través de la música, el ámbito en el que posee experiencia y una capacidad de comunicación consolidada.
Corgan también comparó su trayectoria pública con la de Kanye West. Según explicó, ambos habían recurrido en distintos momentos a declaraciones y enfrentamientos capaces de obligar al público a tomar partido: ¿se trataba de un artista brillante o de alguien que había perdido el rumbo?
El cantante describió esa estrategia como una forma de provocar una disonancia en el público. En lugar de permitir que la conversación se mantenga en un terreno cómodo, el artista crea una situación en la que sus interlocutores deben decidir cómo interpretar su comportamiento y su obra.
No obstante, Corgan reconoció que ese juego tiene consecuencias. La provocación puede mantener la atención sobre una figura pública, pero también puede dificultar que su trabajo sea valorado sin que las controversias personales ocupen el primer plano.
Su reflexión resulta especialmente significativa al recordar que, durante años, él mismo ha acusado a los medios de reducir su carrera a su personalidad. La estrategia que utiliza para desafiar esa narrativa puede terminar alimentándola.
DEL PERSONAJE PROVOCADOR A LA GRATITUD
En la parte final de la conversación, Corgan habló de su ansiedad cotidiana, incluida la que experimenta sobre el escenario. Explicó que, incluso durante los conciertos, necesita detenerse mentalmente y recordar que está agradecido por poder seguir haciendo música.
Esa actitud contrasta con la imagen combativa que ha cultivado durante buena parte de su carrera. El propio cantante reconoció que durante años eligió el enfrentamiento, en parte porque sentía que no se reconocía adecuadamente el valor de su trabajo.
Ahora asegura que intenta encontrar un equilibrio distinto: respetar a sus compañeros, reconocer las oportunidades que ha tenido y dejar espacio para una vida familiar y espiritual que antes no ocupaba el mismo lugar.
No significa que haya renunciado a sus opiniones ni que haya dejado de discutir con quienes considera equivocados. La diferencia está en que ya no presenta la confrontación como el centro de su identidad.
También habló de su propio pódcast, The Magnificent Others, donde busca conversaciones que permitan comprender las motivaciones reales de los artistas y no únicamente la versión pública que ofrecen durante las entrevistas promocionales. Su interés, según explicó, consiste en explorar las fuerzas personales y creativas que hay detrás de una trayectoria.
La entrevista terminó con un tono más distendido, entre preguntas ligeras, una prueba de aperitivos y bromas sobre el parecido físico de Corgan con el cómico Bill Burr. Un cierre que contrastó con las confesiones personales y los enfrentamientos que habían dominado buena parte del encuentro.
UNA CARRERA QUE TODAVÍA QUIERE SER COMPRENDIDA
La conversación de Popcast deja una imagen de Billy Corgan marcada por las contradicciones. Es un músico convencido de la importancia de su obra, crítico con los intermediarios culturales y dispuesto a enfrentarse públicamente a quienes considera injustos. Pero también es alguien que reconoce sus errores de percepción, habla de sus inseguridades y admite que la familia y la fe han cambiado su manera de afrontar la vida.
Su reivindicación del legado de The Smashing Pumpkins sigue siendo firme. Considera que parte de la crítica no comprendió la relevancia de la banda en su momento y que el renovado interés de los jóvenes permite escuchar sus canciones sin las etiquetas que condicionaron su recepción original.
Quizá ahí se encuentre el punto más interesante de la entrevista: Corgan quiere que su música sea juzgada por lo que realmente contiene, no por el personaje que la rodea. Sin embargo, también parece comprender que su propia conducta ha contribuido a mantener ese personaje en primer plano.
Entre la rabia acumulada, la necesidad de reconocimiento y una gratitud que dice estar aprendiendo a practicar, el líder de The Smashing Pumpkins continúa intentando reconciliar las distintas versiones de sí mismo. Y mientras una nueva generación descubre sus canciones, su historia demuestra que el legado de una banda no queda cerrado cuando termina su época de mayor éxito: sigue transformándose cada vez que alguien encuentra en esa música algo que necesita escuchar.
FUENTES DE VERIFICACIÓN
Entrevista principal: Popcast, de The New York Times, con Billy Corgan, Jon Caramanica y Joe Coscarelli. Vídeo completo de aproximadamente 100 minutos: Ver la entrevista completa en YouTube
Información oficial de The Smashing Pumpkins: web de la banda, con información sobre la gira Rats in a Cage y sus publicaciones: The Smashing Pumpkins — web oficial
Información sobre el programa: ficha de Popcast en Apple Podcasts, que identifica el espacio como el programa de conversación musical de The New York Times presentado por Jon Caramanica y Joe Coscarelli: Popcast en Apple Podcasts
Las declaraciones personales y los recuerdos recogidos en esta crónica se atribuyen a Corgan y proceden de la entrevista. Las opiniones expresadas por el músico sobre terceros se presentan como sus propias valoraciones, no como hechos probados de manera independiente.
THE ANGEL OF NOISE ©: STHDMETAL
© 2026 STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE. Todos los derechos reservados.
No hay comentarios:
Publicar un comentario