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viernes, 13 de noviembre de 2026

BRUCE DICKINSON RECUERDA EL PULSO DE MARTIN BIRCH: LA LECCIÓN QUE CAMBIÓ SU FORMA DE CANTAR «THE NUMBER OF THE BEAST»

La grabación de The Number of the Beast transcurrió, según recuerda Bruce Dickinson, en un ambiente especialmente positivo. La banda disfrutaba de aquel proceso y nadie parecía trabajar bajo una presión extraordinaria. Sin embargo, hubo un momento en el estudio que rompió aquella tranquilidad: la interpretación de las primeras líneas de la canción que acabaría dando título a uno de los discos fundamentales de Iron Maiden.

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BRUCE DICKINSON · IRON MAIDEN · TONS OF ROCK 2026
Fotografía: Birgit Fostervold.
Licencia: Creative Commons CC BY-SA 4.0 . Fotografía original sin modificaciones.
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En un vídeo que recupera las declaraciones del vocalista, Dickinson vuelve sobre aquella experiencia y explica cómo Martin Birch consiguió que entendiera algo que iba mucho más allá de repetir una toma hasta conseguir el resultado deseado. El productor quería que dejara de limitarse a cantar las palabras y empezara a transmitir todo lo que representaban.

MARTIN BIRCH NO BUSCABA SIMPLEMENTE UNA BUENA TOMA

El episodio tuvo lugar durante las sesiones del tercer álbum de Iron Maiden, publicado el 22 de marzo de 1982. The Number of the Beast fue el primer trabajo de Bruce Dickinson con la banda y contó con Martin Birch en la producción, en las instalaciones de Battery Studios.

Dickinson recuerda que el ambiente general era magnífico. Todos estaban entusiasmados con el material y disfrutaban de una etapa que estaba impulsando a Iron Maiden hacia una dimensión internacional. No obstante, la canción principal exigió una dedicación muy diferente.

El problema apareció cuando llegó el momento de registrar sus primeras líneas vocales. Bruce pensaba que aquella parte sería relativamente sencilla y que podría resolverla rápidamente. Birch tenía otra idea.

El productor le pidió repetir la interpretación una y otra vez, buscando una intensidad emocional que el cantante todavía no conseguía transmitir. La frustración fue creciendo hasta el punto de que Dickinson terminó arrojando muebles por el estudio mientras preguntaba qué era exactamente lo que Martin quería conseguir.

No se trataba de alcanzar una nota más alta, demostrar potencia vocal o añadir espectacularidad. Birch perseguía una interpretación que estableciera desde el primer instante la atmósfera de la canción.

LA EXPERIENCIA DE RONNIE JAMES DIO LE SIRVIÓ DE REFERENCIA

Para hacerle entender lo que estaba buscando, Martin Birch recurrió a una experiencia anterior con Ronnie James Dio durante la grabación de «Heaven and Hell», el clásico de Black Sabbath publicado en 1980.

Según relató Dickinson, Birch le explicó que Dio también había llegado al estudio pensando que aquellas primeras líneas podrían resolverse sin demasiadas complicaciones. Sin embargo, el productor le planteó un desafío mucho más profundo: debía interpretar esas palabras como si estuviera condensando toda su vida en ellas.

Aquella comparación cambió la perspectiva de Bruce.

Birch no estaba pidiendo una ejecución técnicamente correcta. Quería que el cantante comprendiera el significado emocional de cada frase y que su interpretación tuviera una identidad propia desde el primer segundo.

La misma exigencia que había planteado a Dio se convirtió en una herramienta para trabajar con Dickinson. Dos vocalistas de generaciones y personalidades diferentes, unidos por la capacidad de un productor para sacar algo más de ellos de lo que inicialmente creían posible.

EL MOMENTO EN QUE BRUCE DICKINSON COMPRENDIÓ LO QUE LE PEDÍAN

Después de horas de intentos y de un descanso para despejar la cabeza, Dickinson comenzó a comprender el planteamiento de Birch.

El propio cantante describe aquella revelación como un momento de claridad: de repente entendió qué estaba intentando explicarle el productor y por qué no bastaba con interpretar correctamente las palabras.

La diferencia estaba en vivir la canción desde dentro.

Aquella experiencia terminó convirtiéndose en una enseñanza que Bruce trasladaría a sus posteriores trabajos. Comprendió que una interpretación memorable no depende únicamente de la voz, sino también de la capacidad de transmitir una historia, construir una atmósfera y hacer que cada palabra tenga un peso determinado.

El episodio también ayuda a entender la importancia que tuvo Martin Birch en la evolución del cantante durante sus primeros años en Iron Maiden.

MARTIN BIRCH, EL PRODUCTOR QUE SABÍA SACAR LO MEJOR DE LOS MÚSICOS

La relación entre Birch e Iron Maiden fue mucho más allá de aquel episodio. El productor trabajó con la banda durante una etapa decisiva y participó en la construcción sonora de álbumes como The Number of the Beast, Piece of Mind, Powerslave, Somewhere in Time y Seventh Son of a Seventh Son.

Su capacidad para comprender la personalidad de cada músico y conseguir interpretaciones convincentes fue una de las características más valoradas de su trabajo.

Cuando Martin Birch falleció en agosto de 2020, Dickinson lo recordó como un mentor que había transformado completamente su manera de cantar. Sus palabras reflejaban una relación profesional marcada por el respeto y por todo lo que aprendió durante aquellas sesiones.

La historia de las primeras líneas de «The Number of the Beast» resume perfectamente esa influencia: un productor que no se conformaba con obtener una toma correcta cuando sabía que detrás podía existir una interpretación mucho más poderosa.

UNA LECCIÓN QUE SIGUE VIVA MÁS DE CUATRO DÉCADAS DESPUÉS

The Number of the Beast terminó convirtiéndose en uno de los trabajos esenciales de Iron Maiden y en una referencia histórica para el heavy metal. Su canción principal sigue siendo una de las composiciones más reconocibles de la banda, pero detrás de su resultado definitivo también hubo frustración, paciencia y una exigencia artística que no siempre resultó cómoda para sus protagonistas.

La anécdota que Dickinson vuelve a recordar no constituye una revelación desconocida: el cantante ya la había desarrollado en su autobiografía What Does This Button Do?, publicada en 2017. Sin embargo, escuchar nuevamente su relato permite apreciar hasta qué punto aquella experiencia influyó en su manera de entender el oficio de cantante.

Martin Birch consiguió que Bruce Dickinson comprendiera una diferencia fundamental: no basta con cantar una canción; hay que conseguir que quien la escucha sienta lo que está ocurriendo.

Y aquella lección quedó grabada junto a las canciones de uno de los álbumes más importantes de la historia de Iron Maiden.

EL VÍDEO: BRUCE DICKINSON HABLA DE LA GRABACIÓN DE «THE NUMBER OF THE BEAST»

En este fragmento, el vocalista recuerda el ambiente de aquellas sesiones, la exigencia de Martin Birch y la comparación que el productor utilizó con Ronnie James Dio para conseguir la interpretación que buscaba.

VER A BRUCE DICKINSON RECORDANDO LA GRABACIÓN DE «THE NUMBER OF THE BEAST»

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TONY IOMMI PERDIÓ DOS PUNTAS DE SUS DEDOS A LOS 17 AÑOS: EL ACCIDENTE QUE CAMBIÓ SU GUITARRA Y MARCÓ PARA SIEMPRE EL SONIDO DEL HEAVY METAL

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TONY IOMMI · HEAVEN & HELL · CHICAGO 2009
Fotografía: Adam Bielawski (Photobra).
Licencia: Creative Commons CC BY-SA 3.0 . Fotografía original sin modificaciones.
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Una máquina industrial estuvo a punto de acabar con el futuro de Tony Iommi antes incluso de que Black Sabbath existiera. Tenía 17 años, trabajaba en una fábrica de chapa metálica de Birmingham y estaba a punto de abandonar aquel empleo para dedicarse a la música. En su último día de trabajo, un accidente le amputó las puntas de los dedos corazón y anular de la mano derecha. Para un guitarrista zurdo, aquello significaba perder parte de la mano que necesitaba para pisar las cuerdas.

Los médicos le dijeron que probablemente no volvería a tocar. Sin embargo, Iommi no aceptó aquella sentencia. Fabricó sus propias prótesis, modificó su manera de tocar y terminó desarrollando una identidad sonora que acabaría convirtiéndose en una de las piedras angulares del heavy metal.

Más de seis décadas después, el guitarrista sigue componiendo. Su nuevo álbum, From The Dark, publicado el 23 de octubre de 2026, demuestra que aquella historia no terminó en una fábrica: continúa en su estudio, con nuevas canciones y una formación propia. En una entrevista publicada por Los Angeles Times el 11 de noviembre, Iommi vuelve a hablar de su trayectoria, de la despedida de Ozzy Osbourne y de una vida musical que todavía no ha cerrado sus puertas.

UNA PRENSA INDUSTRIAL Y UN FUTURO QUE PARECÍA TERMINADO

El accidente ocurrió en 1966. Iommi trabajaba en una fábrica de chapa metálica y se encontraba en su último día antes de dejar aquel empleo. Una máquina le seccionó las puntas de dos dedos de la mano derecha, precisamente la que utilizaba para presionar las cuerdas porque siempre había tocado como zurdo.

La lesión no fue un simple obstáculo técnico. Tocar le provocaba dolor y las soluciones convencionales no le permitían recuperar la precisión que necesitaba. Durante un tiempo llegó a pensar que su carrera musical había terminado antes de empezar.

Pero hubo una persona que le ayudó a cambiar de perspectiva: su encargado de fábrica le llevó una grabación de Django Reinhardt, el guitarrista de jazz que había desarrollado una técnica extraordinaria pese a las graves lesiones que sufrió en una mano.

Descubrir que Reinhardt había conseguido seguir tocando con limitaciones físicas importantes le dio a Iommi una referencia para intentarlo de nuevo.

No podía recuperar sus dedos, pero sí podía buscar otra forma de tocar.

DOS PRÓTESIS CASERAS Y UNA FORMA DIFERENTE DE ATACAR LAS CUERDAS

La solución inicial fue tan rudimentaria como decisiva. Iommi fabricó unos protectores para las puntas amputadas utilizando plástico de una botella de detergente lavavajillas. Los moldeó para que pudieran prolongar los dedos y los cubrió con material de cuero para proteger las zonas lesionadas.

Aquellas piezas caseras no solucionaban todos los problemas. Le impedían sentir correctamente las cuerdas y dificultaban determinados movimientos, especialmente los ligados a la flexión de las notas. También tuvo que buscar cuerdas más finas, llegando a utilizar inicialmente cuerdas de banjo porque las guitarras no ofrecían todavía las opciones que necesitaba.

La adaptación afectó directamente a su lenguaje musical. Iommi comenzó a buscar posiciones, digitaciones y acordes que pudiera ejecutar con mayor comodidad. Su manera de construir riffs evolucionó a partir de esas limitaciones.

También recurrió a afinaciones más graves para conseguir una tensión de cuerdas más manejable y un sonido más pesado. Aquella decisión terminó convirtiéndose en una de las características fundamentales de Black Sabbath.

Conviene no reducir toda la creación del heavy metal a un accidente: el género tiene muchas raíces y protagonistas. Pero la influencia de las adaptaciones de Iommi en el sonido de Sabbath es indiscutible. Lo que empezó como una necesidad física terminó formando parte de una identidad musical reconocible desde las primeras notas.

DE «BLACK SABBATH» A «IRON MAN»: EL SONIDO QUE CAMBIÓ LAS REGLAS

Cuando Black Sabbath publicó su primer álbum en 1970, la guitarra de Iommi ya tenía una personalidad muy definida. Las afinaciones graves, las figuras oscuras, los intervalos inquietantes y la contundencia de sus riffs contribuyeron a construir un sonido que se alejaba de buena parte del rock que dominaba la época.

«Black Sabbath», «N.I.B.», «Paranoid» e «Iron Man» terminaron convirtiéndose en piezas fundamentales de su repertorio. En ellas se reconoce una manera de tocar que no dependía de la velocidad ni de exhibiciones técnicas interminables: el peso estaba en el riff, en la atmósfera y en la capacidad de convertir unas pocas notas en algo amenazador.

La lesión no fue una fórmula mágica ni el único origen de aquella música. También fueron esenciales la creatividad de Iommi, las letras de Geezer Butler, la batería de Bill Ward y la personalidad vocal de Ozzy Osbourne. La combinación de los cuatro músicos fue la que dio forma a Black Sabbath.

Pero la adaptación física de su guitarrista principal dejó una huella que trascendió a la banda. Generaciones de músicos acabarían reconociendo en su sonido una referencia fundamental para el metal posterior.

LAS PRÓTESIS SIGUEN FORMANDO PARTE DE SU VIDA

La historia de aquellos protectores caseros tampoco terminó en los años sesenta. Con el paso del tiempo, Iommi ha utilizado prótesis más elaboradas para proteger las zonas afectadas y poder seguir tocando.

En otra entrevista publicada por Louder el 28 de octubre de 2026, el guitarrista contó con humor que actualmente recibe prótesis de su hospital, aunque a veces le envían brazos completos de goma cuando él solamente necesita los dedos. Su solución, según relató, consiste en cortar las piezas que necesita y desechar el resto.

Detrás de la anécdota hay una realidad: la lesión continúa condicionando determinados aspectos de su trabajo, pero no ha impedido que mantenga una actividad musical extraordinariamente prolongada.

A sus 78 años, Iommi sigue buscando sonidos, acumulando ideas y trabajando con su guitarra. En la entrevista con Los Angeles Times reconoce que su forma de componer no ha cambiado demasiado: continúa disfrutando de los riffs y de esas atmósferas oscuras que han acompañado toda su trayectoria.

OZ​​ZY OSBOURNE: UNA DESPEDIDA QUE TODAVÍA LE CUESTA RECORDAR

La conversación con Los Angeles Times también deja uno de los testimonios personales más delicados de esta nueva etapa. Iommi recuerda la actuación Back To The Beginning, celebrada en Birmingham en julio de 2025, que reunió por última vez sobre un escenario a la formación clásica de Black Sabbath.

Durante los ensayos, el guitarrista pudo ver que Ozzy estaba sufriendo físicamente. Aunque intentaba mantener el humor, su estado preocupaba a quienes llevaban décadas compartiendo escenario con él.

En el concierto, Bill Ward pidió a Iommi que permaneciera cerca de él por si necesitaba ayuda durante la actuación. La reunión también supuso volver a tocar junto al batería después de más de veinte años sin compartir escenario con él.

Ozzy murió el 22 de julio de 2025, apenas 17 días después de aquella despedida. Iommi contó al periódico que había hablado con él la noche anterior y que el cantante le había dicho que estaba agotado y no podía mantenerse despierto. Al día siguiente llegó la noticia de su muerte.

El guitarrista admite que volver a ver las imágenes de aquella última actuación le resulta complicado. No es solamente el recuerdo de un concierto histórico: es la imagen de un amigo al que conoció durante décadas y cuya última aparición sobre un escenario quedó grabada para siempre.

«FROM THE DARK»: IOMMI SIGUE CONSTRUYENDO SU PROPIO CAMINO

La actualidad musical del guitarrista pasa ahora por From The Dark, su nuevo álbum en solitario y el primero de esta naturaleza desde Fused, publicado en 2005.

El proyecto nació de una manera poco convencional. Iommi había grabado piezas instrumentales vinculadas a sus colaboraciones con la firma italiana Xerjoff, responsable de las fragancias desarrolladas junto al músico. Aquellas composiciones despertaron nuevas ideas y terminaron llevándolo hacia un álbum con cantante y una formación completa.

El disco cuenta con Jørn Lande a la voz, Becky Baldwin al bajo y Karl Brazil a la batería. Mike Exeter participa en la producción y Brian May, guitarrista de Queen y viejo amigo de Iommi, aporta un solo en «Death Wake».

La presencia de Lande tiene una historia anterior: Iommi ya había trabajado con él en el pasado y conservaba el deseo de desarrollar un proyecto juntos. Ahora esa colaboración se ha materializado en ocho canciones en las que el noruego se encarga de las letras y las voces.

La elección de Becky Baldwin también representa una novedad para el guitarrista. En la entrevista con Los Angeles Times explicó que es la primera mujer con la que ha formado parte de una banda y destacó su entusiasmo y su conexión con la música de Geezer Butler.

El resultado no pretende sustituir a Black Sabbath ni reconstruir su formación clásica. Es un trabajo firmado por Tony Iommi, con músicos diferentes y una identidad propia, aunque su guitarra conserve ese carácter oscuro que ha acompañado toda su carrera.

NO PIENSA EN UNA GIRA MUNDIAL, PERO TAMPOCO EN RETIRARSE

Iommi no ha anunciado una nueva gira extensa para presentar From The Dark. En sus declaraciones al Los Angeles Times contempla, como mucho, la posibilidad de realizar alguna actuación puntual. Si llegara a hacerlo, podría incluir canciones de diferentes etapas de su trayectoria, incluso material de Ronnie James Dio o Tony Martin, además de clásicos de Black Sabbath.

Pero insiste en que sería una propuesta propia, no una nueva versión de la banda.

Esa distinción importa. Después de la despedida de 2025 y de la muerte de Ozzy, Iommi no necesita convertir su futuro en una prolongación artificial del pasado. Su actividad actual demuestra que todavía tiene música que escribir y que no ha perdido el interés por experimentar con su instrumento.

La historia comenzó con una máquina que le arrebató parte de dos dedos cuando apenas tenía 17 años. Continuó con dos prótesis fabricadas en casa, una guitarra modificada y una voluntad que se negó a aceptar el final.

Aquella lesión no creó por sí sola el heavy metal, pero obligó a uno de sus arquitectos fundamentales a encontrar una voz musical diferente. Y esa voz sigue sonando.

TONY IOMMI NO DEJÓ DE TOCAR. CAMBIÓ LA FORMA DE HACERLO.

EL VÍDEO OFICIAL

Tony Iommi presentó «World Alone» como primer adelanto de From The Dark. Es una buena puerta de entrada a esta nueva etapa en la que el guitarrista vuelve a poner sus riffs en primer plano.

VER «WORLD ALONE» — TONY IOMMI (OFFICIAL VIDEO)

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jueves, 12 de noviembre de 2026

FEEDER: «BUCK ROGERS», LA CANCIÓN QUE CASI REGALARON A OTRA BANDA Y TERMINÓ SONANDO EN «TRAS LA LÍNEA ENEMIGA»

Hay canciones que encuentran su sitio en la historia de una banda por méritos propios y otras que, además, terminan asociadas para siempre a una escena cinematográfica. «Buck Rogers», de Feeder, reúne ambas cosas. Publicada en enero de 2001, esta descarga de rock alternativo británico se convirtió en uno de los grandes éxitos del grupo y llegó también a la pantalla grande a través de Tras la línea enemiga, la película protagonizada por Owen Wilson que aquel mismo año llevó su música a una secuencia de acción protagonizada por un caza F/A-18 Hornet.

Pero detrás de uno de los temas más reconocibles de Feeder existe una historia bastante más curiosa: su autor, Grant Nicholas, ni siquiera estaba convencido de que aquella canción mereciera formar parte del repertorio definitivo de la banda. De hecho, había surgido en el contexto de una posible colaboración con otro grupo estadounidense.

UNA CANCIÓN QUE ESTUVO A PUNTO DE ACABAR EN OTRAS MANOS

Feeder nació en Gales en 1994 y fue construyendo su trayectoria dentro del rock alternativo británico con una combinación de guitarras contundentes, melodías directas y estribillos pegadizos. La formación que grabó «Buck Rogers» estaba integrada por Grant Nicholas, voz y guitarra; Taka Hirose, bajo; y Jon Lee, batería.

La canción tomó forma durante una etapa personal complicada para Nicholas. En una conversación recuperada por The Guardian en octubre de 2025, el músico explicó que la escribió después de una ruptura sentimental, mientras atravesaba un periodo de incertidumbre sobre su relación. Algunas de sus imágenes y frases nacieron como letras provisionales, sin la intención de conservarlas en la versión definitiva.

El tema llegó a cobrar forma cuando Grant tuvo la oportunidad de colaborar con una banda estadounidense que trabajaba con el productor Gil Norton. Aquella formación era SR-71, y la idea inicial contemplaba que Nicholas aportase material para otro proyecto.

Sin embargo, cuando Norton escuchó la primera maqueta de «Buck Rogers», su reacción fue inmediata: veía en ella un éxito potencial. Tanto el productor como el entorno discográfico insistieron en que Feeder debía conservarla.

Nicholas reconoció posteriormente que no esperaba semejante recorrido. Incluso llegó a pensar que la canción podía terminar como una cara B o quedarse fuera del álbum. La decisión de mantenerla cambió considerablemente el rumbo comercial del grupo.

GIL NORTON VIO EL POTENCIAL QUE SU AUTOR NO TERMINABA DE RECONOCER

La participación de Gil Norton resultó decisiva. El productor, conocido por su trabajo con bandas como Pixies, ayudó a dar forma definitiva a una composición que Grant Nicholas todavía consideraba inacabada.

Durante la grabación se conservaron elementos de la maqueta original, incluidos algunos efectos vocales repetidos que terminaron funcionando como ganchos reconocibles del tema. Norton también defendió determinadas imágenes de la letra que Nicholas había pensado modificar.

El batería Jon Lee fue otro de los grandes defensores de la canción. Según recordó Nicholas, Lee estaba mucho más convencido que él de sus posibilidades y aportó una interpretación que terminó reforzando la energía de la grabación.

El resultado fue una pieza breve, inmediata y construida alrededor de guitarras eléctricas, ritmo acelerado y un estribillo diseñado para quedarse en la memoria. Una combinación que conectó con un público mucho más amplio que el que Feeder había alcanzado hasta entonces.

«BUCK ROGERS» CONQUISTÓ LAS LISTAS BRITÁNICAS

El sencillo apareció el 8 de enero de 2001 a través del sello Echo y se convirtió en el primer gran golpe comercial de la banda.

La clasificación oficial británica confirma que «Buck Rogers» alcanzó el número cinco de la lista de sencillos del Reino Unido, donde permaneció siete semanas. También llegó al número uno de la lista independiente británica.

La canción abrió el camino para Echo Park, tercer álbum de estudio de Feeder, publicado en 2001. El disco consolidó el salto de la banda hacia una audiencia mucho más amplia y situó al grupo en una posición destacada dentro del rock alternativo de aquella época.

Lo que había comenzado como una composición que Grant Nicholas no estaba seguro de conservar terminó convirtiéndose en una de las canciones más identificables de toda su carrera.

DE LOS ESCENARIOS A «TRAS LA LÍNEA ENEMIGA»

La historia de «Buck Rogers» también quedó ligada al cine. La canción aparece en la banda sonora de Tras la línea enemiga (Behind Enemy Lines), película estrenada en 2001 y protagonizada por Owen Wilson.

Su utilización acompaña la secuencia del despegue de un F/A-18 Hornet desde el portaaviones estadounidense. La energía de la canción encaja con el movimiento de la operación y aporta una descarga de rock a una de las escenas de acción de la película.

La presencia de Feeder figura en los créditos musicales de la producción, donde «Buck Rogers» aparece identificada como una composición del grupo interpretada por la banda.

Conviene precisar un detalle: la canción no fue creada para la película. El sencillo ya había salido al mercado en enero de 2001 y su inclusión cinematográfica llegó después, aprovechando el impacto que el tema estaba alcanzando durante aquel mismo año.

Para quienes descubrieron a Feeder a través de la película, aquella secuencia se convirtió en una puerta de entrada a una banda que ya estaba construyendo su propio espacio dentro del rock británico.

UNA CANCIÓN QUE TERMINÓ SUPERANDO LAS EXPECTATIVAS DE SU PROPIO AUTOR

Con el paso del tiempo, Grant Nicholas ha mantenido una relación particular con «Buck Rogers». Durante una etapa llegó incluso a resistirse a interpretarla en directo, precisamente porque sentía que aquella canción eclipsaba parte de su catálogo y de su trabajo como compositor.

Sin embargo, su percepción fue cambiando. En la entrevista publicada por The Guardian, el músico reconoció que había terminado aceptando el lugar que ocupa dentro de la historia de Feeder. También recordó que la relación sentimental que inspiró parte de la letra sobrevivió a aquella etapa y que ambos continuaron juntos durante más de treinta años.

La canción sigue siendo uno de los momentos más reconocibles de sus conciertos y una pieza fundamental para entender el salto comercial que experimentó el grupo a comienzos del nuevo siglo.

Más de dos décadas después, «Buck Rogers» conserva esa capacidad de conectar dos mundos: el del rock alternativo que dominaba buena parte de la escena británica de 2001 y el de las grandes secuencias cinematográficas que encontraron en su sonido el acompañamiento perfecto.

Una canción que casi terminó en manos de otra banda, que su propio creador estuvo a punto de descartar y que acabó conquistando las listas británicas y formando parte de la memoria musical de Tras la línea enemiga.

EL VÍDEO OFICIAL

Feeder publicó el videoclip oficial de «Buck Rogers», una pieza imprescindible para recuperar el sonido y la estética de aquella etapa de la banda.

VER «BUCK ROGERS» — FEEDER (OFFICIAL VIDEO)

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NERVOCHAOS CUMPLE 30 AÑOS Y CAMBIA LAS REGLAS: EDU LANE DEJA LA BATERÍA EN DIRECTO Y ASUME EL MICRÓFONO EN «CHAOSMONGERS»

NervoChaos — Chaosmongers
30 AÑOS DE CAOS EL CAOS NO SE DETIENE.
SE REINVENTA.
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Treinta años después de poner en marcha NervoChaos, Edu Lane afronta uno de los mayores desafíos de su carrera: abandonar su posición habitual detrás de la batería para convertirse en el vocalista de la banda sobre el escenario. El cambio marca una nueva etapa para la formación brasileña, que prepara el lanzamiento de su decimocuarto álbum, «Chaosmongers», un trabajo de doce canciones que mira hacia delante sin olvidar las raíces de su sonido.

Hay músicos que pasan toda una vida perfeccionando un instrumento. Edu Lane lleva más de tres décadas haciendo precisamente eso con la batería. Sin embargo, cuando NervoChaos necesitaba resolver una situación inesperada con su vocalista, decidió no buscar una solución fuera de la banda: se colocó delante del micrófono y asumió una responsabilidad completamente nueva.

La decisión no fue un movimiento publicitario ni un simple cambio de reparto.

En una entrevista reciente, el músico brasileño explica que el anterior cantante no se encontraba cómodo con su función y que, después de valorar la posibilidad de incorporar a otra persona, optó por dar un paso al frente. Lane conocía las letras, llevaba años trabajando las líneas vocales y había participado activamente en la dirección de los cantantes que habían pasado por el grupo.

También había una razón personal y musical. Según explica, es el único miembro original que continúa en NervoChaos y considera que sustituir a un vocalista puede alterar profundamente la percepción que el público tiene de una banda. En lugar de sumar otro cambio a una historia marcada por distintas formaciones, decidió convertirse él mismo en la voz de esta nueva etapa.

LA BATERÍA SE QUEDA ATRÁS: EDU LANE QUIERE CONQUISTAR EL ESCENARIO DESDE OTRA POSICIÓN

La transformación tiene una consecuencia evidente en los conciertos. Edu Lane grabó batería y voces para «Chaosmongers», pero ha reconocido que interpretar ambas funciones simultáneamente en directo le impediría ofrecer el rendimiento que desea. Por eso, la solución ha sido incorporar un batería que se encargue de ese puesto mientras él concentra toda su energía en cantar.

No es una transición sencilla. Lane llevaba alrededor de 35 años tocando la batería y reconoce que estar delante del escenario le ofrece una perspectiva completamente diferente: puede mirar directamente al público, comunicarse con él y construir una relación que antes vivía desde detrás del instrumento.

Cuando concedió la entrevista, había realizado sus primeros cinco conciertos como vocalista. La respuesta que recibió le resultó alentadora. Según sus propias palabras, el público estaba disfrutando de su interpretación y él mismo estaba viviendo la experiencia como un nuevo comienzo.

Incluso ha comenzado a recibir clases de canto semanales para mejorar su técnica. No pretende presentar el cambio como una transformación ya completada: sabe que todavía tiene trabajo por delante y quiere seguir desarrollándose como cantante.

En el estudio, sin embargo, no descarta volver a grabar las baterías en futuros trabajos. Su implicación en la composición, los arreglos y la producción sigue siendo una parte fundamental de la maquinaria de NervoChaos.

«CHAOSMONGERS»: DOCE CANCIONES CON UNA HISTORIA DETRÁS

El 13 de noviembre de 2026 llega «Chaosmongers», el decimocuarto álbum de estudio de NervoChaos, publicado internacionalmente por Black Lion Records en CD, vinilo y formato digital. El lanzamiento coincide con la celebración de los treinta años de actividad de la banda, fundada en São Paulo en 1996.

El nuevo trabajo contiene doce temas y presenta una particularidad en su proceso creativo: Edu Lane comenzó a desarrollar el concepto a partir de las letras, antes de construir la música alrededor de ellas. Hasta entonces, el grupo solía trabajar primero las composiciones musicales y después incorporaba las voces.

Esta vez, Lane escribió una historia completa, la dividió en capítulos y utilizó cada uno como punto de partida para una canción. Después compartió con sus compañeros las letras y las sensaciones que debía transmitir cada fragmento: oscuridad, tristeza, tensión, agresividad o fuerza.

La intención era que la música funcionara como la banda sonora de una película imaginaria. Una forma diferente de trabajar que terminó dando al álbum una estructura conceptual vinculada al caos, la transformación, el ocultismo y la resistencia humana.

El resultado reúne la agresividad del Death Metal de vieja escuela con influencias de Thrash Metal y otros matices que forman parte de la trayectoria del grupo. No se trata de reconstruir un sonido antiguo por nostalgia, sino de aprovechar las distintas influencias acumuladas durante tres décadas para construir algo nuevo.

Lane también quiso evitar que la grabación se convirtiera en una interminable búsqueda de la toma perfecta. La banda ensayó intensamente desde comienzos de año y entró en el estudio en marzo, con las composiciones ya preparadas. El proceso de grabación duró aproximadamente diez días.

SIN TRUCOS DIGITALES: UNA GRABACIÓN QUE BUSCA LA FUERZA DE LA INTERPRETACIÓN REAL

Uno de los aspectos que más destaca Edu Lane es la decisión de trabajar de una manera deliberadamente orgánica. Durante la grabación evitaron utilizar metrónomo, plugins y sustitución de sonidos. Si una interpretación no convencía, se repetía la toma hasta conseguir el resultado deseado.

La batería se grabó durante los dos primeros días. Después llegaron las guitarras, el bajo y finalmente las voces principales y los coros. El trabajo se realizó con Adriano Daga en Estúdio Purosom, en São Paulo, entre el 20 de febrero y el 3 de marzo de 2026.

La mezcla y masterización quedaron en manos de Fredrik Nordström, en Studio Fredman, Suecia, durante la segunda mitad de marzo.

La producción fue responsabilidad del propio Edu Lane, que buscaba conservar la personalidad de cada interpretación en lugar de corregir artificialmente cada detalle. La intención era conseguir un disco directo, con la energía de una banda tocando de verdad y sin perder el carácter áspero que siempre ha acompañado a NervoChaos.

UNA PORTADA QUE NO QUIERE PARECERSE A LAS DEMÁS

La identidad visual de «Chaosmongers» también supone un cambio. El trabajo artístico lleva la firma de Niklas Sundin, conocido por su trayectoria vinculada a Dark Tranquillity y por sus diseños para diferentes bandas de metal.

Lane le concedió libertad creativa, enviándole las canciones, las letras y las ideas que rodeaban el concepto del álbum. No quería repetir las paletas de colores utilizadas en anteriores trabajos de NervoChaos. Buscaba una imagen diferente, llena de detalles y capaz de despertar curiosidad.

En la entrevista, Edu menciona como referencia la experiencia de detenerse a observar portadas clásicas como la de «Powerslave», de Iron Maiden, descubriendo nuevos elementos cada vez que se vuelve a ellas.

La propuesta de Sundin se mueve entre imágenes cósmicas, explosiones, rostros y diferentes elementos que invitan a interpretar la ilustración sin ofrecer una única lectura. Una portada pensada para acompañar la escucha completa del disco, no para pasar fugazmente por delante de los ojos.

EL TERROR BRASILEÑO SE CUELA EN «THE DEVIL’S MAN»

El apartado audiovisual de «Chaosmongers» merece también atención. NervoChaos ha vuelto a trabajar con el cineasta brasileño Rodrigo Aragão, responsable de la dirección y producción de varios de los vídeos relacionados con el álbum.

El videoclip de «The Devil’s Man» combina música extrema, terror, humor y sarcasmo. Su comienzo introduce elementos de la cultura musical brasileña y una historia inspirada en una creencia popular: la aparición de una figura extraña en determinadas fiestas y bailes, a la que algunas personas identifican con el mismísimo diablo.

La banda quiso alejarse del típico vídeo en el que los músicos aparecen tocando frente a una cámara. La idea era construir una pequeña película de terror, con maquillaje, máscaras, personajes y efectos físicos, recuperando el espíritu de las producciones de serie B de los años ochenta.

Lane explica que Aragão también incorporó referencias que conectan este videoclip con «Lorde dos Mortos». Quienes observen con atención encontrarán elementos que enlazan ambas historias y dan continuidad al universo visual del álbum.

El músico reconoce su afición por el cine de terror y considera que este género encaja de manera natural con el metal extremo. Pero hay algo más: NervoChaos no quiere que todo tenga que interpretarse desde una solemnidad permanente. Para Edu, la música puede tratar temas oscuros y, al mismo tiempo, dejar espacio para la ironía y el sentido del humor.

«LORDE DOS MORTOS»: NERVOCHAOS CANTA POR PRIMERA VEZ EN PORTUGUÉS

Otro de los momentos importantes del disco es «Lorde dos Mortos». La canción representa un acontecimiento inédito en la historia de la banda: es la primera composición de NervoChaos escrita y grabada íntegramente en su lengua materna.

Rodrigo Aragão también estuvo detrás de su propuesta audiovisual. El tema desarrolla una historia de terror alrededor de una entidad procedente del reino de los muertos, capaz de devolver la vida a quienes ya han desaparecido.

Para Lane, introducir el portugués no significa abandonar la identidad internacional del grupo. Es una manera de incorporar una parte más profunda de su procedencia cultural y demostrar que la brutalidad del Death Metal no necesita limitarse a un idioma.

La decisión también abre una puerta que el músico llevaba tiempo queriendo cruzar. NervoChaos ha mantenido durante años una identidad reconocible dentro de la escena extrema brasileña, pero ahora incorpora un elemento que nunca había utilizado de esta manera.

RATOS DE PORÃO: UN HOMENAJE A UNA DE LAS GRANDES REFERENCIAS BRASILEÑAS

El álbum se cierra con «Porcos Sanguinários», una versión de Ratos de Porão, una de las bandas brasileñas más influyentes del Hardcore y el Crossover.

Edu Lane eligió la canción por su relación con «Brasil», uno de sus discos favoritos del grupo. El tema aborda la violencia policial y los abusos contra la población, una cuestión que el músico considera desgraciadamente vigente.

NervoChaos decidió darle un tratamiento más rápido y agresivo que el original, pero sin desfigurar su esencia. Antes de incluirla en el álbum, Lane envió la versión a los integrantes de Ratos de Porão para recibir su aprobación.

El homenaje tiene además una dimensión personal: Edu no oculta su admiración por la banda y reconoce que compartir música con músicos a los que lleva tantos años escuchando sigue siendo algo especial.

Durante la conversación también adelantó que NervoChaos participará en un álbum tributo a Ratos de Porão previsto para 2027. En torno a la celebración de los 45 años de estos últimos, Lane espera incluso tener la oportunidad de subir al escenario con ellos e interpretar «Porcos Sanguinários».

2027: UNA GIRA PARA CELEBRAR TREINTA AÑOS Y PRESENTAR EL ÁLBUM COMPLETO

La celebración no se quedará en el lanzamiento discográfico. NervoChaos prepara una gira especial para 2027, con la intención de tocar «Chaosmongers» íntegramente, desde la primera canción hasta la última.

Edu explicó que la idea es comenzar a finales de febrero con una ruta de aproximadamente cuatro semanas por Australia, Nueva Zelanda y el sudeste asiático. En Australia volverán a compartir escenario con Bloodbath, con quienes ya realizaron varias fechas en Latinoamérica durante 2026.

La gira australiana anunciada incluye siete actuaciones entre el 27 de febrero y el 7 de marzo de 2027, con paradas en Perth, Adelaida, Hobart, Brisbane, Sídney, Canberra y Melbourne. También se han anunciado dos conciertos en Nueva Zelanda: Wellington, el 10 de marzo, y Auckland, el 11 de marzo.

El plan es presentar el álbum completo en directo y añadir canciones antiguas si el tiempo disponible lo permite. Entre los temas clásicos que Lane menciona como favoritos del público aparecen «Pazuzu», «Total Satan» y otros cortes del repertorio histórico.

La intención inicial era celebrar el aniversario con un concierto especial en Brasil durante septiembre de 2026, pero el retraso de la publicación del álbum obligó a replantear los planes. Finalmente, la banda decidió preparar una celebración más amplia, que permita compartir esta etapa con seguidores de distintos países.

TREINTA AÑOS NO SON UNA EXCUSA PARA MIRAR ATRÁS

Hay una frase de Edu Lane que resume buena parte del espíritu de esta nueva etapa: NervoChaos no quiere quedarse atrapado en el pasado.

El músico reconoce que muchas bandas, al alcanzar una determinada edad, terminan viviendo de sus discos antiguos y repitiendo constantemente sus mejores momentos. Él entiende la importancia de la historia del grupo, pero considera que el verdadero éxito consiste en seguir activo, publicar nuevos álbumes, girar y continuar creando.

Por eso, «Chaosmongers» no se presenta como una celebración nostálgica ni como un ejercicio de supervivencia. Es un disco que llega acompañado de un cambio importante en la formación, una nueva manera de trabajar y una gira que pretende llevarlo entero al escenario.

Edu Lane ha pasado más de treinta años detrás de la batería. Ahora tiene delante un reto diferente: defender las canciones desde el micrófono y demostrar que todavía puede reinventarse sin perder el control de la banda que ayudó a levantar en 1996.

Y quizá ahí esté la verdadera noticia: después de tres décadas, NervoChaos no está preparando una despedida ni una mirada retrospectiva. Está abriendo otro capítulo.


ESCUCHA Y DESCUBRE «CHAOSMONGERS»

Fecha de lanzamiento: 13 de noviembre de 2026
Sello: Black Lion Records
Formato: CD, vinilo y digital
Producción: Edu Lane
Grabación: Adriano Daga — Estúdio Purosom
Mezcla y masterización: Fredrik Nordström — Studio Fredman
Artwork: Niklas Sundin

TRACKLIST

  1. I Am Darkness

  2. Chaosmongers

  3. Embrace Chaos

  4. Echoes of the Damned

  5. The Devil’s Man

  6. In Shadows They Dwell

  7. Dark Fables

  8. Lorde dos Mortos

  9. Beyond the Cosmic Ocean

  10. In the Vast Void

  11. Liber 420

  12. Porcos Sanguinários (Ratos de Porão cover)

ENLACES Y FUENTES

THE ANGEL OF NOISE ©: STHDMETAL

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AGALLOCH, NEVERMORE, IMMOLATION Y SOLITUDE AETURNUS ENCABEZAN EL METAL & BEER FEST 2027: FILADELFIA CELEBRA DIEZ AÑOS DE METAL EXTREMO

STHDMETAL METAL & BEER FEST 2027 10TH ANNIVERSARY
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El festival de Decibel Magazine anuncia siete bandas para una edición histórica el 10 de abril de 2027. Nevermore prepara su primer concierto en Estados Unidos en 17 años, mientras Solitude Aeturnus interpretará completo uno de sus discos fundamentales.

Filadelfia se prepara para una descarga de metal extremo con un cartel que reúne regresos muy esperados, aniversarios discográficos y nombres fundamentales de distintas generaciones. El Decibel Magazine Metal & Beer Fest: Philly celebrará su décimo aniversario el sábado 10 de abril de 2027 en The Fillmore Philadelphia, con siete bandas confirmadas y una propuesta que volverá a unir actuaciones en directo y cervezas artesanales.

La organización, a través de Decibel Magazine, ha confirmado una alineación encabezada por Agalloch, Nevermore, Immolation y Solitude Aeturnus, acompañados por Undeath, Evoken y Anagnorisis. No se trata únicamente de una celebración simbólica: varios de los conciertos anunciados tienen un significado especial por el tiempo transcurrido desde las últimas actuaciones de algunos grupos en la ciudad o por el repertorio elegido para la ocasión.

AGALLOCH REGRESA A FILADELFIA DESPUÉS DE TRECE AÑOS

La formación estadounidense Agalloch encabezará la jornada del sábado. El grupo de Portland, conocido por su particular combinación de atmospheric metal, black metal y pasajes de carácter folk, protagonizará su primera actuación en Filadelfia en trece años.

Su presencia aporta una dimensión especial a esta edición, especialmente para quienes han seguido la trayectoria de una banda cuya música ha construido una identidad propia dentro del metal atmosférico. Su regreso a la ciudad será uno de los grandes reclamos de la celebración.

Nevermore actuando en París como teloneros de Judas Priest el 17 de septiembre de 2026. Fotografía de Antoine TILLY.
NEVERMORE PARIS · 17 SEPTEMBER 2026
Fotografía: Antoine TILLY / Wikimedia Commons.
Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 (CC BY-SA 4.0) .
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NEVERMORE: PRIMER CONCIERTO EN ESTADOS UNIDOS EN 17 AÑOS

Otro de los grandes acontecimientos llegará de la mano de Nevermore. La banda de Seattle, reactivada recientemente, ofrecerá en este festival su primer concierto en territorio estadounidense en diecisiete años, según la información publicada por Decibel.

Su regreso supone una noticia de enorme interés para los seguidores del metal progresivo y de la trayectoria del grupo. Nevermore dejó una huella reconocible gracias a una combinación de potencia, complejidad instrumental y personalidad compositiva que convirtió sus discos en referencias para varias generaciones.

La actuación de Filadelfia será, por tanto, una cita especialmente significativa dentro de esta nueva etapa de la formación.

IMMOLATION VUELVE A UNA CITA QUE FORMA PARTE DE SU HISTORIA

Los veteranos neoyorquinos Immolation también estarán presentes. La banda de death metal regresará a Filadelfia como uno de los nombres vinculados a los orígenes del propio Metal & Beer Fest, ya que participó en la primera edición del encuentro.

Su incorporación refuerza el peso del death metal dentro del cartel y conecta esta décima celebración con la historia del festival. Una oportunidad para reencontrarse con una formación que lleva décadas defendiendo una propuesta extrema, oscura y reconocible.

SOLITUDE AETURNUS CELEBRARÁ 35 AÑOS DE «BEYOND THE CRIMSON HORIZON»

Uno de los momentos más especiales estará reservado para Solitude Aeturnus. La formación estadounidense de epic doom metal celebrará el 35.º aniversario de Beyond the Crimson Horizon con una interpretación íntegra del álbum.

Publicado originalmente en 1992, este trabajo ocupa un lugar destacado dentro de la trayectoria del grupo y del doom metal épico. La actuación tendrá además un valor añadido: Decibel señala que será la primera aparición de Solitude Aeturnus en Filadelfia en 32 años.

El concierto se anuncia bajo el concepto especial Beyond the Crimson Horizon Set, una oportunidad para escuchar el disco completo en directo y recuperar una parte esencial de la historia de la banda.

UN CARTEL QUE TAMBIÉN APUESTA POR EL DEATH, EL DOOM Y EL BLACK METAL

La alineación se completa con otras tres propuestas que amplían el espectro sonoro de la jornada:

  • Undeath: death metal procedente de Rochester, Nueva York.

  • Evoken: formación de Nueva Jersey vinculada al doom/death metal.

  • Anagnorisis: banda de Louisville que combina elementos de black y death metal.

Con estos nombres, la organización reúne distintas vertientes del metal extremo en una sola jornada, desde el metal atmosférico y progresivo hasta el death metal más contundente y las sonoridades densas del doom.

NUEVE CERVECERÍAS Y UNA PRODUCTORA DE HIDROMIEL ACOMPAÑARÁN EL FESTIVAL

El apartado musical volverá a compartir protagonismo con la propuesta cervecera. 3 Floyds Brewing, de Indiana, será nuevamente la marca encargada de presentar la selección de bebidas del festival.

La organización ha anunciado la participación de:

  • XUL Beer Company (Tennessee).

  • Magnanimous Brewing (Florida).

  • New Trail Brewing Co. (Pensilvania).

  • Nepenthe Brewing Co. (Maryland).

  • Mythk Brewing (Florida).

  • Requiem Bier (Pensilvania).

  • Black Horizon Brewing Co. (Illinois).

  • Bear Cult Brewing Co. (Delaware).

  • Brimming Horn Meadery (Delaware), como productora de hidromiel.

Decibel adelanta que todavía se incorporarán más participantes a la selección.

Además, la zona de degustación regresará al entresuelo de la sala principal de The Fillmore. Allí, los asistentes podrán probar las diferentes propuestas y conversar con las cervecerías participantes mientras se desarrolla la programación musical.

La organización ha limitado a 500 por día las entradas de la modalidad Metal & Beer. Este pase incluye acceso a los conciertos y degustaciones de las bebidas participantes. En determinadas cervezas de graduación especialmente elevada podrían aplicarse condiciones adicionales y un sistema de tickets específicos.

También habrá una modalidad Just Metal, que permite asistir a las actuaciones sin incluir las degustaciones.

FECHAS Y VENTA DE ENTRADAS

El festival tendrá lugar el sábado 10 de abril de 2027 en:

The Fillmore Philadelphia
29 E Allen Street
Philadelphia, Pensilvania, Estados Unidos.

La ficha de Ticketmaster anuncia el comienzo de la jornada a las 16:30 horas, con apertura de puertas prevista para las 16:00. El evento figura como exclusivo para mayores de 21 años y requiere identificación válida.

La venta general de entradas está anunciada para el viernes 13 de noviembre de 2026, a las 10:00 horas ET.

Antes de esa fecha se han previsto dos preventas específicas:

  • 3 Floyds Brewing: jueves 12 de noviembre, a las 10:00 horas locales. Código: GUMBALLHEAD.

  • Reigning Phoenix Music: jueves 12 de noviembre, a las 10:00 horas locales. Código: NEVERMORE.

La disponibilidad y las condiciones de venta pueden variar según la modalidad de entrada.

DIEZ AÑOS DE METAL, CERVEZA Y CULTURA EXTREMA

La décima edición del Metal & Beer Fest llega con una combinación difícil de ignorar: el regreso estadounidense de Nevermore, la vuelta de Agalloch a Filadelfia, la presencia de Immolation y una celebración discográfica de Solitude Aeturnus que permitirá escuchar Beyond the Crimson Horizon de principio a fin.

La propuesta de Decibel vuelve a reunir música extrema y cultura cervecera en un mismo espacio, pero esta vez con un aniversario que da un significado especial a la convocatoria. Siete bandas, una selección de productores artesanales y una jornada que apunta directamente a los seguidores del metal más exigente.

Filadelfia ya tiene fecha para celebrar diez años de ruido.


FUENTES OFICIALES Y VERIFICACIÓN

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VICTOR BRANDT ABRE EL FUTURO DE CEMETERY SKYLINE: SEGUNDO ÁLBUM EN MARCHA, RECUERDOS DE ENTOMBED Y EL LEGADO DE L.G. PETROV

Dimmu Borgir durante su actuación en Rockharz 2024. Fotografía de Stefan Bollmann.
DIMMU BORGIR ROCKHARZ 2024
Fotografía: Stefan Bollmann / Wikimedia Commons.
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El músico sueco repasa su trayectoria en una entrevista con Chaoszine, recuerda cómo terminó incorporándose a Entombed casi por casualidad, explica por qué Firespawn ha regresado para mantener viva la memoria de L.G. Petrov y adelanta que Cemetery Skyline ya dispone de material de sobra para su próximo trabajo de estudio.

Victor Brandt lleva años moviéndose entre diferentes territorios del metal extremo y melódico. Desde el death metal sueco hasta el black metal sinfónico de Dimmu Borgir, pasando por la vertiente gótica de Cemetery Skyline, su carrera representa la de un músico que nunca ha querido limitarse a una sola dirección.

En una entrevista grabada durante el festival House Of Metal, celebrado en Umeå (Suecia), y difundida por Chaoszine, el bajista de Dimmu Borgir y Cemetery Skyline, además de guitarrista de Firespawn, ha repasado algunos de los episodios más importantes de su historia musical. Una conversación que deja noticias interesantes sobre sus proyectos actuales y, especialmente, sobre lo que está preparando Cemetery Skyline.

CEMETERY SKYLINE YA PREPARA SU SEGUNDO DISCO

Una de las revelaciones más interesantes de la conversación tiene como protagonista a Cemetery Skyline. El proyecto, formado por músicos procedentes de diferentes escenarios del metal nórdico, ha terminado convirtiéndose en algo mucho más ambicioso de lo que inicialmente habían imaginado sus integrantes.

Su primer trabajo, Nordic Gothic, publicado en 2024, nació con una idea bastante diferente: grabar un álbum durante la pandemia y dejarlo como un proyecto de estudio, sin plantearse necesariamente llevar aquellas composiciones a los escenarios.

Sin embargo, la buena recepción del disco y la oportunidad de actuar en el festival finlandés John Smith Rock Festival terminaron cambiando los planes.

Brandt reconoce que inicialmente existían dudas sobre trasladar aquella propuesta al directo. Incluso recuerda que Mikael Stanne no estaba convencido de interpretar un repertorio completo con voces limpias sobre el escenario.

Finalmente, la preparación previa y el trabajo de producción permitieron que el grupo afrontara aquella primera actuación con garantías.

Ahora, el proyecto tiene una nueva prioridad: su segundo álbum.

Brandt confirma que ya cuentan con numerosas canciones y más que suficientes maquetas para empezar a dar forma al siguiente capítulo discográfico. Además, se muestra especialmente satisfecho con el resultado que están consiguiendo.

El músico considera que el nuevo material no se aleja demasiado de la identidad de Nordic Gothic, aunque cree que las composiciones están evolucionando favorablemente y que el próximo trabajo podría superar a su debut.

Por el momento, no existe un título confirmado ni una fecha de publicación, pero sus declaraciones dejan claro que Cemetery Skyline no pretende quedarse en una experiencia aislada.

La banda también contempla nuevas actuaciones en festivales durante 2027, aunque el desarrollo del próximo álbum será el principal objetivo.

DIMMU BORGIR: UNA GIRA EXIGENTE Y UN NUEVO DISCO BIEN RECIBIDO

Otro de los grandes protagonistas de la conversación es Dimmu Borgir, formación noruega en la que Brandt desempeña actualmente el puesto de bajista.

El músico acaba de vivir una intensa etapa de actividad con la banda, especialmente durante la gira europea compartida con Behemoth y Dark Funeral.

La experiencia dejó un recuerdo especialmente positivo de la actuación en Helsinki, que Brandt situó entre los mejores conciertos de toda la gira.

También destacó la organización, las condiciones técnicas y el trabajo de los equipos de producción finlandeses, aspectos que considera fundamentales para los músicos que pasan buena parte del año viajando.

La gira, sin embargo, tuvo sus complicaciones. Dimmu Borgir y Behemoth compartían el protagonismo principal y alternaban el puesto de cierre, lo que obligaba a gestionar dos producciones de gran tamaño.

Los cambios de escenario, el movimiento de equipos y la distribución del material técnico exigieron un importante esfuerzo logístico por parte de los técnicos y trabajadores de ambas formaciones.

Brandt destacó especialmente el trabajo de los equipos, que consiguieron mantener el funcionamiento de la gira pese a las dificultades.

La conversación también aborda Grand Serpent Rising, el álbum que Dimmu Borgir publicó el 22 de mayo de 2026 a través de Nuclear Blast Records.

El trabajo contiene trece canciones y supone el regreso discográfico de la formación después de varios años sin publicar un nuevo álbum de estudio.

Brandt se muestra satisfecho con la acogida del disco, aunque reconoce que no acostumbra a leer demasiadas reseñas. Prefiere valorar su propio trabajo y centrarse en la música, aunque asegura que ha recibido comentarios positivos sobre las críticas y las ventas.

Además, explica que también ha participado en el proceso creativo aportando algunas ideas musicales y riffs que terminaron incorporándose a las composiciones.

Entre sus contribuciones menciona partes de guitarra adaptadas a las estructuras de algunas canciones del álbum, una aportación que considera especialmente gratificante al comprobar que sus ideas terminaron formando parte del resultado definitivo.

ENTOMBED: UN ENCUENTRO CASUAL QUE CAMBIÓ SU CARRERA

Uno de los momentos más personales de la entrevista llega cuando Brandt recuerda su incorporación a Entombed.

Antes de entrar en la formación, ya era un admirador de la banda y había seguido de cerca su trayectoria. Sin embargo, nunca imaginó que terminaría compartiendo escenario con algunos de sus integrantes.

Todo comenzó en un aeropuerto sueco.

Brandt coincidió allí con Lars-Göran Petrov, conocido como L.G. Petrov, quien reparó en una camiseta de Grave que llevaba puesta el músico.

Ambos intercambiaron unas palabras y, después del encuentro, Brandt decidió contactar con él a través de MySpace, una plataforma que todavía tenía un papel importante en la comunicación entre músicos durante aquella época.

En su mensaje le comentó que había sido un placer conocerlo y que estaría encantado de colaborar con Entombed si alguna vez necesitaban un músico de sesión.

La respuesta fue inesperada: necesitaban precisamente a alguien.

El bajista de entonces, Nico Elgstrand, tenía previsto ausentarse por motivos familiares y la banda buscaba a alguien que pudiera cubrir sus compromisos.

La oportunidad llegó prácticamente de inmediato.

Brandt recibió una lista de canciones y los billetes de avión para incorporarse a dos festivales: Bloodstock y Summer Breeze.

No hubo tiempo para una preparación convencional. De hecho, recuerda que la primera vez que vio personalmente a los integrantes de Entombed fue en el aeropuerto, cuando se dirigían hacia el concierto.

Aquellos primeros compromisos salieron bien y lo que inicialmente parecía una sustitución temporal terminó convirtiéndose en una etapa de aproximadamente nueve años vinculada a Entombed y posteriormente a Entombed A.D.

LOS PROBLEMAS INTERNOS DE ENTOMBED A.D.

Brandt también recuerda la etapa posterior a la división de Entombed, un periodo que describe como especialmente complicado.

Según explica, desde sus primeros momentos en la banda percibió que existía un problema importante alrededor de la composición y la posibilidad de grabar nuevo material.

Intentó aportar sus propias canciones e ideas, pero con el paso del tiempo comprendió que las dificultades iban mucho más allá de una simple falta de inspiración.

El músico habla de desacuerdos que llevaban años sin resolverse y de una situación que terminó dando lugar a dos versiones diferentes de la banda.

Su valoración es clara: habría preferido que existiese una comunicación mucho mayor entre las partes y que todos los músicos que deseaban continuar pudieran hacerlo sin que aquella situación terminase dividiendo una formación tan importante.

También reconoce que no estaba en su mano solucionar un conflicto que venía de mucho antes de su incorporación.

La llegada de una propuesta de Dimmu Borgir coincidió con un momento en el que Entombed A.D. acababa de cerrar un ciclo discográfico y la formación noruega comenzaba su actividad alrededor de Eonian.

Para Brandt, el cambio terminó siendo una oportunidad para continuar desarrollando su carrera dentro de una formación de gran dimensión internacional.

FIRESPAWN REGRESA PARA MANTENER VIVA LA MEMORIA DE L.G. PETROV

La entrevista también dedica un espacio importante a Firespawn, una banda especialmente significativa para Brandt por su relación con L.G. Petrov.

El proyecto nació de la voluntad de varios músicos de desarrollar una propuesta de death metal más extrema, con Brandt participando especialmente en la composición musical y en la guitarra.

La formación publicó tres álbumes: Shadow Realms (2015), The Reprobate (2017) y Abominate (2019).

La muerte de L.G. Petrov, el 7 de marzo de 2021, dejó un vacío enorme dentro de la banda. Brandt explica que, durante un tiempo, continuar con Firespawn parecía algo difícil de imaginar, porque todos sus integrantes consideraban que cada miembro representaba una parte fundamental del proyecto.

Sin embargo, después de varios años, las conversaciones entre los músicos volvieron a abrir la posibilidad de regresar.

La formación ha retomado su actividad con Jörgen Sandström como vocalista, una elección que Brandt considera especialmente natural por su trayectoria y su estrecha relación con la escena sueca.

Sandström cuenta con experiencia en bandas como Grave, Entombed y Torture Division, entre otras.

Para Brandt, el objetivo principal de este regreso está muy claro: mantener viva la memoria de L.G. Petrov y continuar defendiendo su legado musical.

Durante las actuaciones también se proyectan imágenes del desaparecido vocalista, reforzando el carácter conmemorativo de estos conciertos.

Uno de los detalles más personales que comparte el músico es que utiliza una camiseta que perteneció a Petrov. Se trata de una prenda con un significado especial, porque recuerda haber visto al cantante llevarla durante una de las primeras actuaciones de Entombed que presenció cuando todavía era un joven admirador de la banda.

Décadas después, terminó compartiendo escenario con él y utilizando aquella misma camiseta.

Respecto a la posibilidad de grabar nuevo material con Firespawn, Brandt prefiere no adelantar acontecimientos. La banda quiere avanzar paso a paso, disfrutar de los conciertos y hacer justicia a la memoria de su compañero.

No descarta que puedan surgir nuevas posibilidades, pero actualmente no existe un plan discográfico concreto anunciado.

UN MÚSICO SIN PLAN B

Más allá de las bandas, la conversación permite conocer mejor la mentalidad de Brandt.

El músico recuerda que creció en una pequeña localidad sueca de aproximadamente 800 habitantes. Antes de que internet facilitara el acceso a la música, escuchar a una banda ensayar con amplificadores y equipos de gran tamaño era suficiente para despertar su fascinación.

Él y algunos amigos se acercaban en bicicleta a los lugares donde ensayaban otros músicos para escuchar lo que sucedía dentro.

Su primer instrumento fue la guitarra, pero posteriormente comenzó a estudiar bajo en la escuela de música.

Inicialmente había pensado en aprender a tocar la nyckelharpa, un instrumento tradicional sueco, aunque la falta de profesores disponibles terminó llevándolo hacia el bajo eléctrico.

La conexión fue inmediata.

Brandt explica que, cuando comenzó a tocar el bajo, sintió que había encontrado su instrumento natural.

Entre sus influencias menciona a Motörhead, Dan Lilker de S.O.D., Les Claypool de Primus, Jaco Pastorius y Justin Chancellor de Tool.

También defiende que no existe una única manera correcta de tocar el bajo. Para él, utilizar púa o tocar con los dedos depende de lo que necesite cada composición y del sonido que se quiera conseguir.

Su objetivo profesional siempre fue convertirse en músico a tiempo completo, grabar discos y recorrer el mundo con sus bandas.

Y hay una declaración que resume perfectamente aquella determinación: nunca tuvo un plan B.

2027: MENOS GIRAS, PERO NUEVOS CONCIERTOS Y PROYECTOS

Al hablar del futuro, Brandt reconoce que 2026 ha sido un año especialmente intenso, con numerosos compromisos y actuaciones.

Para 2027 espera una actividad algo más relajada en cuanto a giras, aunque confirma que Dimmu Borgir continuará activo y que habrá nuevos conciertos y actuaciones.

Cemetery Skyline tendrá algunas citas en festivales, pero su prioridad será terminar el segundo álbum.

Firespawn, por su parte, seguirá avanzando con el propósito de mantener vivo el legado de Petrov, sin que exista todavía un calendario discográfico definido.

Brandt también reconoce que su agenda para los primeros meses de 2027 parece ofrecerle cierto margen y aprovecha para dejar abierta la puerta a nuevas colaboraciones como músico de sesión.

Una disponibilidad que demuestra que, pese a tener varios proyectos en marcha, sigue dispuesto a aceptar nuevos desafíos musicales.

UNA CARRERA QUE SIGUE EN MOVIMIENTO

La entrevista deja una imagen bastante clara de la situación actual de Victor Brandt.

Su trayectoria ha pasado por algunas de las formaciones más representativas del metal sueco y noruego, pero no parece interesado en vivir exclusivamente de sus recuerdos.

Dimmu Borgir continúa ofreciendo nuevas oportunidades musicales, Firespawn mantiene viva una historia marcada por la pérdida de L.G. Petrov y Cemetery Skyline prepara el que será uno de los siguientes grandes capítulos de su carrera.

Precisamente este último proyecto concentra ahora buena parte de las expectativas. Después de un debut que sorprendió incluso a sus propios integrantes, la formación dispone de nuevas composiciones y de una dirección musical que parece estar consolidándose.

Todavía queda por conocer cuándo llegará ese segundo disco, qué canciones terminarán formando parte de él y hasta dónde podrá evolucionar su particular combinación de metal melódico y atmósferas góticas.

Pero Brandt ya ha dejado una cosa clara: hay material de sobra y muchas ganas de continuar.


ENTREVISTA COMPLETA

Conversación de Chaoszine con Victor Brandt, grabada durante el festival House Of Metal de Umeå (Suecia).

VER LA ENTREVISTA ORIGINAL EN YOUTUBE

FUENTES Y DOCUMENTACIÓN

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