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viernes, 6 de noviembre de 2026

SHOWING TEETH DESATA SU FURIA CON «HELLRAISER»: ADDISON CONVIERTE EL DOLOR, LA REBELDÍA Y EL HORROR DRAG EN UNA DECLARACIÓN DE METAL EXTREMO

Showing Teeth — Hellraiser, imagen del videoclip oficial
☠
SHOWING TEETH
HELLRAISER
LA RABIA ROMPE EL SILENCIO
STHDMETAL /// THE ANGEL OF NOISE
IMAGEN: FOTOGRAMA DEL VIDEOCLIP OFICIAL · SHOWING TEETH

La artista estadounidense presenta un nuevo single acompañado de un videoclip protagonizado junto a varias figuras del drag de terror. Una canción nacida de la rabia contra la hipocresía religiosa, la opresión y el sufrimiento personal.

6 de noviembre de 2026

Hay canciones que nacen de una historia y otras que funcionan como una descarga emocional. «Hellraiser», el nuevo lanzamiento de SHOWING TEETH, pertenece claramente a esta segunda categoría. El proyecto liderado por Addison vuelve a situarse en el territorio más incómodo y visceral del metal contemporáneo con una composición que aborda directamente el dolor, la rabia y las heridas provocadas por determinados entornos religiosos y sociales.

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip oficial que amplía el universo visual de SHOWING TEETH mediante la participación de artistas drag vinculados al horror. No se trata de un elemento decorativo: la propia Addison ha explicado que quería incorporar esta expresión artística porque forma parte de sus influencias personales y de su manera de entender la música y la creatividad.

«Hellraiser» ya está disponible y supone el primer lanzamiento nuevo de SHOWING TEETH después de su debut discográfico, A Fate Worse Than Loneliness, publicado en septiembre de 2026 a través de Republic Records y Spinefarm Records.

UNA CANCIÓN NACIDA DE LA RABIA Y DE UNA EXPERIENCIA PERSONAL

El punto de partida de «Hellraiser» es especialmente directo. Addison explica que la canción nace de la ira que siente hacia su educación y hacia el sufrimiento que experimentó a manos de personas que, según sus propias palabras, afirmaban representar valores religiosos y morales.

La vocalista cuestiona la contradicción entre predicar determinados principios y, al mismo tiempo, permitir o proteger comportamientos abusivos y situaciones de injusticia. Su crítica se dirige contra la utilización del discurso religioso como instrumento de miedo, control y exclusión.

En sus declaraciones a Kerrang!, Addison profundiza en el significado de la canción y denuncia la protección de personas responsables de abusos mientras se señala y se perjudica a miembros de comunidades vulnerables.

La artista no presenta «Hellraiser» como una reflexión abstracta sobre el bien y el mal. Su discurso está relacionado con experiencias personales y con la necesidad de expresar una rabia que, durante mucho tiempo, ha formado parte de su historia.

Ese componente autobiográfico es fundamental para comprender el lanzamiento. La agresividad musical no aparece separada del mensaje: funciona como el vehículo de una emoción que la artista ha decidido exteriorizar sin suavizarla.

EL HORROR DRAG ENTRA EN EL UNIVERSO DE SHOWING TEETH

Uno de los elementos más llamativos del lanzamiento es su videoclip oficial.

Addison ha querido rodearse de artistas drag que trabajan con una estética vinculada al terror, el maquillaje extremo, la transformación física y el contraste entre belleza, oscuridad y provocación.

En el anuncio publicado en Instagram, la artista agradeció expresamente la participación de Glitterflick, responsable de volver a dar vida al universo visual de SHOWING TEETH, así como la colaboración de cuatro artistas:

  • Biqtch Puddin

  • 2LeakyFawcett

  • Adjust Rain

  • Vhexgirl

La vocalista explicó que incluir a estos artistas era importante para ella por la inspiración que encuentra en el drag y, especialmente, en el horror drag. También quiso reivindicar una expresión artística que, según denuncia, ha recibido ataques y castigos desde determinados sectores conservadores cristianos.

Addison recuerda que descubrir por primera vez el trabajo de una artista especializada en horror drag cambió su percepción de las posibilidades creativas. La combinación de belleza, gore, teatralidad y elementos perturbadores le mostró una forma de expresión que posteriormente también influiría en su música.

La intención es clara: demostrar que el lenguaje visual del terror drag tiene un espacio legítimo dentro de la cultura del metal.

El videoclip, por tanto, no se limita a acompañar la canción. Forma parte de su mensaje y de la identidad artística que SHOWING TEETH está construyendo.

ADDISON: UNA VOZ QUE ESTÁ CONSTRUYENDO SU PROPIO TERRITORIO

Detrás de SHOWING TEETH se encuentra Addison, vocalista y compositora estadounidense vinculada a la escena de Nashville.

Su proyecto comenzó a llamar la atención a través de interpretaciones vocales y vídeos publicados en redes sociales. Su capacidad para moverse entre registros agresivos, voces extremas y pasajes de mayor control melódico fue despertando el interés de una audiencia que terminó reclamando material original.

La respuesta llegó con canciones como «Labyrinth», «Rip» y «Bad Exchanges», que fueron definiendo una personalidad musical difícil de encerrar en una sola etiqueta.

El sonido de SHOWING TEETH se mueve por territorios del metalcore, el metal extremo y las corrientes más experimentales del metal moderno. La interpretación vocal de Addison constituye uno de sus principales elementos distintivos: alterna intensidad, crudeza y contrastes expresivos para construir canciones que no dependen únicamente de la agresividad instrumental.

En septiembre de 2026 publicó su EP de debut, A Fate Worse Than Loneliness, compuesto por siete temas:

  1. «Bad Exchanges»

  2. «Labyrinth»

  3. «Make It Out»

  4. «Rip»

  5. «Shallow Grave»

  6. «A&Ox1»

  7. «Paradigm»

El lanzamiento llegó mediante Republic Records y Spinefarm Records, una alianza que situó el proyecto dentro de una estructura discográfica de mayor alcance.

«Hellraiser» aparece ahora como un nuevo capítulo, posterior a ese primer trabajo y con una identidad temática especialmente marcada.

«A FATE WORSE THAN LONELINESS»: EL CONTEXTO DE UNA NUEVA ETAPA

Para entender la evolución de SHOWING TEETH conviene regresar a su EP de debut.

A Fate Worse Than Loneliness presentó a una artista interesada en explorar conflictos internos, ansiedad, autodestrucción, identidad y experiencias personales difíciles. Canciones como «Bad Exchanges», «Make It Out» y «Paradigm» mostraron diferentes aproximaciones a ese universo.

La trayectoria del proyecto también estuvo acompañada por una creciente exposición en directo. Durante el otoño de 2026, SHOWING TEETH participó en la gira norteamericana de PRESIDENT, compartiendo cartel en una serie de conciertos por distintas ciudades de Estados Unidos y Canadá.

Ese recorrido ayudó a presentar su propuesta ante públicos que quizá todavía no conocían el proyecto.

Con «Hellraiser», Addison no abandona esa línea personal. Al contrario, amplía su alcance: la experiencia individual se convierte en una crítica más abierta contra la hipocresía, la discriminación y el abuso de poder.

EL VIDEOCLIP COMO PARTE DEL MENSAJE

La colaboración con Glitterflick y los artistas drag aporta una dimensión visual que merece atención.

La estética del horror drag utiliza la exageración, la transformación y la provocación para cuestionar las convenciones de belleza y normalidad. Su presencia en un videoclip de metal extremo crea un punto de encuentro entre dos expresiones artísticas que comparten una relación histórica con la transgresión.

En este caso, la elección tiene además una motivación personal. Addison ha explicado que quería dar visibilidad a artistas que la han inspirado y reivindicar su lugar dentro de un espacio musical donde, en ocasiones, las expresiones culturales consideradas incómodas siguen encontrando resistencia.

La artista también ha pedido al público que preste atención a todas las personas acreditadas al final del videoclip y que reconozca su trabajo.

Es una declaración significativa: el vídeo no se presenta únicamente como un escaparate de la figura principal, sino como una colaboración creativa en la que participan diferentes artistas.

EL VEREDICTO DE THE ANGEL OF NOISE

«Hellraiser» representa una nueva demostración de que SHOWING TEETH no pretende construir su identidad alrededor de una sola fórmula musical o visual.

Addison utiliza el metal como herramienta de expresión personal y convierte una experiencia marcada por el dolor y la rabia en una composición de confrontación directa. El videoclip refuerza esa intención al incorporar el horror drag como parte de su discurso artístico.

Lo interesante del lanzamiento no es únicamente su agresividad, sino la coherencia entre lo que la artista quiere comunicar y los recursos que utiliza para hacerlo.

En un panorama donde muchas propuestas buscan llamar la atención mediante imágenes impactantes, SHOWING TEETH plantea algo más concreto: que la provocación tenga un significado y que la estética acompañe a una idea.

«Hellraiser» no intenta agradar a todo el mundo. Su propósito es expresar una experiencia, cuestionar determinadas estructuras de poder y reivindicar la libertad creativa.

STH​​DMETAL — THE ANGEL OF NOISE considera este lanzamiento un paso importante en la consolidación de la personalidad artística de Addison: una propuesta que combina metal extremo, crítica social y una identidad visual sin miedo a incomodar.

La furia tiene una voz. Y esta vez, SHOWING TEETH ha decidido que se escuche.

VIDEO OFICIAL

SHOWING TEETH — «HELLRAISER»

Videoclip oficial. Estreno: noviembre de 2026.

https://youtu.be/TuReNzvFVfA

Instagram oficial: https://www.instagram.com/showingteeth/

FUENTES Y REFERENCIAS

THE ANGEL OF NOISE ©: STHDMETAL

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EUROPE: EL DIFÍCIL DESAFÍO DE SUPERAR «THE FINAL COUNTDOWN» — ¿FUE OUT OF THIS WORLD UN ÁLBUM INFRAVALORADO?

STHDMETAL ORIGINAL SERIES

EUROPE

OUT OF THIS WORLD · THE LEGACY OF 1988

01 — 03
STHDMETAL THE ANGEL OF NOISE ROCK · HISTORY · LEGACY

En 1988, Europe se enfrentó a una de las pruebas más complicadas para cualquier banda de rock: dar continuidad a un éxito internacional gigantesco sin renunciar a su propia identidad. Out of This World no repitió el fenómeno comercial de The Final Countdown, pero dejó un repertorio que sigue alimentando el debate entre los seguidores del hard rock melódico.

El episodio de The Hair Metal Guru que hemos tomado como punto de partida reúne al presentador Anthony, varios colaboradores y al invitado Rob Wylde, vocalista de Midnite City, para revisar el álbum, recordar su impacto y preguntarse si la historia ha sido demasiado exigente con este trabajo de Europe.

La pregunta que da título al programa —«Could They Top The Final Countdown?»— sigue siendo pertinente casi cuatro décadas después: ¿tenía realmente Europe posibilidades de superar un fenómeno como The Final Countdown, o el verdadero valor de su sucesor debe medirse por sus propias canciones?

1988: EUROPE TENÍA EL MUNDO MIRÁNDOLA

Cuando Europe publicó Out of This World el 9 de agosto de 1988, la banda sueca ya había experimentado una transformación extraordinaria. El éxito de The Final Countdown había llevado al grupo desde el circuito del hard rock europeo hasta una dimensión internacional, con presencia en las listas, la radio y la televisión musical.

El álbum de 1986 había convertido a Europe en uno de los nombres más reconocibles del rock de aquella década. Su canción principal se transformó en un himno generacional y «Carrie» demostró que Joey Tempest y sus compañeros también podían dominar el terreno de las grandes baladas.

Pero semejante éxito tenía una consecuencia inevitable: el siguiente disco sería juzgado bajo la sombra de su predecesor.

Europe no podía limitarse a repetir una fórmula. Tenía que demostrar que aquel triunfo no había sido un accidente y que seguía teniendo canciones capaces de conectar con una audiencia internacional. La presión era considerable, especialmente después de los cambios internos que habían afectado a la formación.

KEE MARCELLO: UNA NUEVA ETAPA PARA LAS GUITARRAS

Out of This World fue el primer álbum de Europe con Kee Marcello como guitarrista principal, después de la salida de John Norum. El cambio representó mucho más que una sustitución de músicos: también reflejaba las tensiones que habían surgido alrededor de la orientación musical del grupo tras el éxito de The Final Countdown.

La creciente presencia de los teclados y la transformación de Europe en una banda de alcance masivo habían generado diferencias sobre el rumbo artístico. Norum abandonó la formación y Marcello asumió una responsabilidad decisiva en el sonido del nuevo trabajo.

Su aportación resulta especialmente importante porque combina precisión técnica, melodía y sentido del espectáculo. No se trata de llenar cada canción de exhibiciones instrumentales, sino de encontrar el espacio adecuado para que la guitarra dialogue con los teclados y con las líneas vocales de Joey Tempest.

En canciones como «Superstitious» y «More Than Meets the Eye», su trabajo ofrece algunos de los momentos instrumentales más recordados del disco. También participa en la composición de varios temas, junto a Tempest y Mic Michaeli.

La formación que grabó el álbum estaba integrada por:

  • Joey Tempest: voz principal y guitarra rítmica.

  • Kee Marcello: guitarra principal.

  • John Levén: bajo.

  • Ian Haugland: batería.

  • Mic Michaeli: teclados.

La llegada de Marcello no eliminó la identidad de Europe. La llevó a una nueva etapa, manteniendo la combinación de melodía, teclados y guitarras que había convertido al grupo en una referencia del hard rock melódico europeo.

RON NEVISON Y EL SONIDO DE UNA PRODUCCIÓN MUY OCHENTERA

Para esta nueva aventura, Europe contó con Ron Nevison, productor e ingeniero conocido por su trabajo con grandes nombres del rock de los años ochenta.

La grabación se desarrolló en Londres, con sesiones en Olympic Studios y The Town House durante la primavera de 1988. Nevison asumió labores de producción, ingeniería y mezcla, mientras que Mike Moran participó en los arreglos instrumentales y la dirección de las partes correspondientes.

El resultado es una producción amplia, pulida y muy característica de su época. Los teclados tienen un papel protagonista, las voces aparecen cuidadosamente trabajadas y las guitarras se integran en una estructura diseñada para conseguir estribillos memorables.

Ese sonido es precisamente uno de los aspectos que más divide a los participantes del debate de The Hair Metal Guru.

Para algunos, la producción conserva el atractivo de una época en la que el hard rock melódico apostaba por los grandes arreglos, los coros y las composiciones de estadio. Para otros, determinados pasajes acusan el exceso de teclados y una estética que puede resultar demasiado vinculada a 1988.

Sin embargo, esa personalidad sonora es parte esencial de la identidad del álbum. Escuchar Out of This World hoy también significa regresar a un momento concreto de la historia del rock, cuando las melodías expansivas y las producciones de gran formato dominaban buena parte de la escena internacional.

DOCE CANCIONES PARA DEFENDER SU PROPIA IDENTIDAD

El álbum contiene doce canciones. Su recorrido combina temas de orientación comercial, hard rock melódico, composiciones de mayor intensidad guitarrera y baladas que muestran el lado más accesible de Europe.

1. «SUPERSTITIOUS»: UNA APERTURA CON PERSONALIDAD

El disco comienza con «Superstitious», el tema elegido como primer sencillo.

Su introducción de teclados y órgano, el carácter bluesy de las estrofas y un estribillo inmediato construyen una canción reconocible desde la primera escucha. No es una composición que busque reproducir exactamente el impacto de «The Final Countdown», sino presentar una versión de Europe que conserva sus elementos melódicos y añade matices diferentes.

En el programa, las opiniones sobre la elección del sencillo no son unánimes. Algunos participantes consideran que había otras canciones con mayor potencial para abrir la campaña del álbum, mientras que otros defienden «Superstitious» como uno de los grandes clásicos de esta etapa.

La canción tuvo una presencia destacada en las listas: alcanzó el número uno en Suecia y Noruega y llegó al puesto 34 de la lista británica de sencillos.

2. «LET THE GOOD TIMES ROCK»: UN HIMNO DE HARD ROCK MELÓDICO

«Let the Good Times Rock» es una de las canciones que algunos participantes habrían elegido como primer sencillo.

Su fuerza reside en la combinación de una estructura directa, un preestribillo muy efectivo y un estribillo pensado para ser coreado. Es uno de los momentos en los que el álbum se acerca con mayor claridad al espíritu de los grandes himnos de estadio.

La discusión del programa deja una idea interesante: quizá esta canción habría presentado de manera más contundente el lado rockero de Europe, sin perder la accesibilidad que caracterizaba al grupo.

3. «OPEN YOUR HEART»: UNA CANCIÓN QUE REGRESA CON OTRO SONIDO

Uno de los casos más interesantes del álbum es «Open Your Heart», una nueva versión de una composición que Europe ya había publicado en Wings of Tomorrow.

La revisión de 1988 incorpora una producción más elaborada y una presencia de teclados mucho más marcada. El resultado encaja con la dirección musical que la banda estaba desarrollando en aquel momento.

Precisamente por eso, los participantes discrepan. Algunos prefieren la versión de Out of This World por su acabado y su dimensión melódica, mientras que otros se quedan con la interpretación anterior, más cruda y cercana al hard rock de los primeros años de Europe.

La comparación demuestra cómo una misma canción puede cambiar de personalidad cuando se modifica su tratamiento instrumental y su producción.

4. «MORE THAN MEETS THE EYE»: UNO DE LOS GRANDES MOMENTOS DEL DISCO

«More Than Meets the Eye» recibe una valoración especialmente positiva durante el debate.

Su estribillo, la construcción melódica y el protagonismo de la guitarra de Kee Marcello la convierten en una de las piezas más representativas del álbum. Es una canción que reúne buena parte de los elementos que hicieron atractivo el sonido de Europe: melodía, energía, arreglos cuidados y una interpretación instrumental muy precisa.

También se recuerda su continuidad dentro del repertorio en directo de la banda, un indicio de que no quedó relegada a ser una simple canción de promoción de 1988.

5. «COAST TO COAST»: UNA DE LAS COMPOSICIONES MÁS DISCUTIDAS

No todas las canciones generan el mismo entusiasmo.

«Coast to Coast» es uno de los temas que despiertan más reservas entre los participantes. Algunos consideran que su planteamiento resulta demasiado ligero o que determinadas partes no tienen la misma fuerza que los momentos más inspirados del disco.

La discusión resulta útil porque evita presentar Out of This World como una obra intocable. Incluso quienes consideran que el álbum es muy consistente reconocen que hay canciones que les convencen menos que otras.

6. «READY OR NOT»: EL LADO MÁS DURO DE EUROPE

«Ready or Not» aparece como uno de los temas más contundentes del repertorio.

Su orientación más guitarrera y su energía hacen que varios participantes la destaquen como una de las canciones que mejor representan el lado más rockero de la banda. En el debate incluso surge la idea de que el álbum habría ganado fuerza con más composiciones de esta naturaleza.

Su posición en el repertorio también resulta significativa: después de varias canciones dominadas por grandes melodías y arreglos, introduce una dosis de contundencia que ayuda a equilibrar el conjunto.

7. «SIGN OF THE TIMES»: MELODÍA Y AMBICIÓN COMERCIAL

«Sign of the Times» vuelve a mostrar la capacidad de Europe para construir canciones alrededor de un estribillo amplio y reconocible.

Su orientación pop-rock no impide que conserve una base instrumental sólida. En el programa se plantea que podría haber tenido mayor protagonismo como sencillo, ya que reúne características que encajaban perfectamente con el mercado musical de finales de los ochenta.

8. «JUST THE BEGINNING»: UNA FAVORITA PARA VARIOS PARTICIPANTES

«Just the Beginning» destaca especialmente en las valoraciones de Ryan y Rob Wylde.

Su composición, en la que participan Kee Marcello y Joey Tempest, representa uno de los momentos más atractivos del disco para quienes buscan el equilibrio entre melodía y guitarras.

Rob considera que habría sido una buena elección como sencillo. Su valoración conecta con una de las ideas recurrentes del episodio: Out of This World tenía suficientes canciones con potencial para haber desarrollado una campaña de promoción diferente.

9. «NEVER SAY DIE»: UNA INTERPRETACIÓN VOCAL DESTACADA

«Never Say Die» recibe comentarios variados, aunque algunos participantes resaltan especialmente la interpretación vocal de Tempest y el trabajo de los teclados.

No es necesariamente uno de los temas más recordados por el público general, pero forma parte de la variedad interna del álbum y contribuye a mantener su continuidad musical.

10. «LIGHTS AND SHADOWS»: ENTRE LA DEFENSA Y LA CRÍTICA

«Lights and Shadows» es otra de las canciones que dividen opiniones.

Mientras algunos participantes la consideran uno de los puntos menos convincentes del repertorio, otros no comparten esa valoración. Su presencia demuestra que la percepción de un álbum cambia con el tiempo y que canciones que inicialmente pasan más desapercibidas pueden encontrar nuevos defensores en escuchas posteriores.

11. «TOWER'S CALLIN'»: UNA CANCIÓN QUE MERECE OTRA ESCUCHA

«Tower's Callin'» provoca un pequeño redescubrimiento durante la conversación.

Patrick reconoce que, al volver a escucharla, encuentra elementos que quizá no había valorado suficientemente en el pasado. La canción tiene un carácter particular y una letra que da pie a comentarios entre los participantes.

Es uno de esos cortes que recuerdan que un álbum no siempre se agota en sus sencillos o en sus canciones más conocidas.

12. «TOMORROW»: EL CIERRE MÁS ÉPICO Y POLARIZANTE

El disco termina con «Tomorrow», una balada de planteamiento amplio y orientación épica.

Su dimensión emocional y sus arreglos provocan opiniones enfrentadas. Algunos participantes consideran que la canción se acerca demasiado a una grandilocuencia que no termina de convencerles; otros encuentran en ella una muestra del gusto de Europe por las melodías de gran alcance.

En cualquier caso, cierra el álbum manteniendo esa combinación de melodía, dramatismo y producción elaborada que define buena parte de Out of This World.

EL RESULTADO COMERCIAL: NO REPITIÓ EL FENÓMENO, PERO TAMPOCO FUE UN FRACASO

La comparación con The Final Countdown suele conducir a una conclusión demasiado sencilla: como Out of This World no alcanzó el mismo impacto, se tiende a considerarlo un paso atrás.

Los datos ofrecen una imagen más matizada.

En el Reino Unido, Out of This World alcanzó el puesto número 12 de la lista oficial de álbumes, mientras que «Superstitious» llegó al número 34 en la lista de sencillos. El disco también consiguió posiciones destacadas en otros mercados europeos: alcanzó el número uno en Suecia y Noruega y llegó al número siete en Países Bajos.

Por tanto, no estamos ante un lanzamiento ignorado por el público. El álbum tuvo una recepción comercial importante en distintos territorios, aunque no consiguió reproducir el fenómeno internacional de su antecesor.

La diferencia entre ambos trabajos debe entenderse dentro de un contexto en el que The Final Countdown había elevado las expectativas a un nivel excepcional. La industria, el público y la propia banda esperaban que el siguiente lanzamiento mantuviera una trayectoria extraordinaria.

Pero el éxito de un álbum no puede medirse únicamente por su capacidad para repetir las cifras de otro.

«LOOK AWAY»: LA CANCIÓN QUE EUROPE DECIDIÓ NO GRABAR

Una de las anécdotas más interesantes relacionadas con las sesiones de Out of This World tiene como protagonista a «Look Away», la canción escrita por Diane Warren que posteriormente grabó Chicago.

Durante una entrevista publicada por Ultimate Classic Rock, Joey Tempest recordó que Ron Nevison recibió una propuesta relacionada con una composición de Warren y que llegó a ponerla al grupo durante una gira.

La banda reconoció que era una buena canción, pero Tempest explicó que Europe quería seguir desarrollando material propio. «Open Your Heart» y otras composiciones del álbum ya ocupaban ese espacio melódico, y el grupo no quería incorporar una canción externa simplemente para intentar conseguir otro éxito.

La historia resulta especialmente reveladora porque muestra una decisión artística tomada en un momento de enormes expectativas comerciales. Europe podía haber apostado por una composición ajena con potencial de éxito, pero prefirió mantener el control de su repertorio.

LOS RECUERDOS PERSONALES: CUANDO UN DISCO SE CONVIERTE EN PARTE DE UNA VIDA

Más allá de los datos de ventas y de las valoraciones musicales, una de las partes más atractivas del episodio es la relación personal que los participantes mantienen con Europe.

Ryan explica que descubrió la discografía del grupo de una forma poco convencional y que, después de escuchar sus álbumes, terminó colocando Prisoners in Paradise en primer lugar, seguido de Out of This World y The Final Countdown. Para él, el disco de 1988 mantiene una consistencia que lo convierte en una escucha especialmente satisfactoria.

Matt recuerda que Patrick le presentó a Europe en 1992. Había escuchado «The Final Countdown» como música de entrada de un combate de kickboxing y, al principio, pensaba que se trataba únicamente de una pieza instrumental. Descubrir que tenía letra y conocer el resto del repertorio lo convirtió en seguidor de la banda.

Patrick, por su parte, recuerda haber comprado The Final Countdown en las Navidades de 1987, después de familiarizarse con los vídeos de «Carrie» y «Cherokee». Su valoración de Out of This World está marcada por el entusiasmo que le produjo escuchar el álbum cuando apareció.

Pero el recuerdo más emotivo llega de Rob Wylde.

El vocalista de Midnite City cuenta que vivió el éxito de Europe en el Reino Unido durante su infancia y que esperaba con enorme ilusión el nuevo disco. También recuerda haber comprado el álbum en cassette y la expectación que le produjo saber que Ron Nevison estaría al frente de la producción.

Su historia más especial está relacionada con el primer concierto de Europe al que asistió, cuando tenía once años, durante la gira de Out of This World. Recuerda la apertura con «Ready or Not», las escaleras blancas y la pirotecnia, así como la interpretación posterior de «Just the Beginning».

Para él, aquella experiencia fue determinante y cambió su relación con la música.

Son recuerdos personales, no estadísticas ni pruebas de recepción general, pero aportan algo que las listas de éxitos no pueden medir: el impacto que un álbum y una actuación pueden tener en la vida de quien los descubre en el momento adecuado.

DE OUT OF THIS WORLD A PRISONERS IN PARADISE: EL CAMBIO NO SE DETUVO

La conversación también permite observar cómo Europe continuó modificando su sonido en los años posteriores.

En 1991 llegó Prisoners in Paradise, un álbum que recuperó una presencia más marcada de las guitarras y que contó con Beau Hill en la producción. Su orientación musical fue diferente, aunque mantuvo la capacidad melódica que había caracterizado a la banda.

Ese recorrido confirma que Europe nunca fue un grupo completamente inmóvil. La formación sueca atravesó diferentes etapas, cambios de sonido y transformaciones internas, antes de iniciar una nueva fase con su posterior reunión.

En ese contexto, Out of This World ocupa una posición muy concreta: representa el momento en que Europe intentó consolidar su éxito internacional con una producción de gran formato y una formación renovada.

EL VEREDICTO STHDMETAL: NO TENÍA QUE SER OTRO THE FINAL COUNTDOWN

La pregunta fundamental no debería ser si Out of This World consiguió superar a The Final Countdown. El verdadero problema de aquella comparación es que convierte el éxito anterior en una medida casi imposible de repetir.

The Final Countdown fue un fenómeno extraordinario. Su repercusión internacional, sus canciones emblemáticas y su presencia en la cultura popular lo situaron en una categoría muy difícil de alcanzar. Pretender que el siguiente álbum debía repetir exactamente aquella historia era una exigencia desproporcionada.

Out of This World merece ser escuchado por lo que realmente es: un álbum de hard rock melódico de finales de los ochenta, con una producción muy definida, grandes estribillos, teclados protagonistas y un guitarrista que aportó personalidad a una nueva etapa de Europe.

No todas sus canciones tienen la misma fuerza y algunas decisiones de producción pueden resultar discutibles desde una sensibilidad musical actual. Pero también contiene composiciones muy sólidas, momentos instrumentales memorables y una coherencia que explica por qué tantos seguidores siguen defendiéndolo.

El debate de The Hair Metal Guru demuestra que el disco continúa despertando opiniones, recuerdos y nuevas valoraciones. Y quizá esa sea una de las mejores señales de que todavía tiene algo que ofrecer.

Nuestra conclusión es clara: Out of This World no necesitaba convertirse en otro The Final Countdown. Necesitaba demostrar que Europe podía seguir siendo Europe después de alcanzar la cima. Y lo consiguió.

FICHA DEL ÁLBUM

  • Banda: Europe

  • Álbum: Out of This World

  • Lanzamiento: 9 de agosto de 1988

  • Discográfica: Epic Records

  • Productor: Ron Nevison

  • Grabación: Olympic Studios y The Town House, Londres

  • Formación: Joey Tempest, Kee Marcello, John Levén, Ian Haugland y Mic Michaeli

  • Número de canciones: 12

  • Álbum anterior: The Final Countdown (1986)

  • Álbum posterior: Prisoners in Paradise (1991)

VÍDEO: THE HAIR METAL GURU

Europe's Out of This World: Could They Top The Final Countdown?

Debate y revisión del álbum con Anthony, Ryan, Matt Stone, Patrick y Rob Wylde, vocalista de Midnite City.

Ver el episodio completo en YouTube

FUENTES Y DOCUMENTACIÓN

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LEE AARON ANUNCIA OFICIALMENTE RE-VAMP: DOCE CANCIONES, CUATRO INÉDITAS Y EL REGRESO DE «METAL QUEEN»

LEE AARON // RE-VAMP 2027
METAL QUEEN // 2027
RE-VAMP // OFFICIAL ANNOUNCEMENT
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La Reina del Metal canadiense pondrá a la venta su vigésimo álbum el 22 de enero de 2027. El primer adelanto, «Fight Like a Girl», llegará el 17 de diciembre, mientras ocho clásicos de su discografía regresan con nuevas grabaciones.

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE | ACTUALIDAD · HARD ROCK · HEAVY METAL

Lee Aaron ya ha puesto fecha y nombre a su próximo movimiento discográfico. La cantante canadiense publicará Re-Vamp el 22 de enero de 2027, un lanzamiento especialmente significativo dentro de su extensa trayectoria: será su vigésimo álbum y reunirá doce canciones que combinan nuevas composiciones con una revisión de algunos de los temas más reconocibles de su carrera.

La propia artista ha confirmado los detalles a través de sus redes sociales. En su anuncio, acompañado de una llamada a reservar la fecha, explica que el disco contendrá cuatro canciones completamente nuevas y ocho versiones regrabadas de clásicos de su repertorio.

La noticia llega acompañada de otro dato importante: el primer sencillo, «Fight Like a Girl», se estrenará el 17 de diciembre de 2026, algo más de un mes antes de la publicación del álbum.

No se trata, por tanto, de una simple recopilación de éxitos. Re-Vamp plantea un encuentro entre el pasado y el presente de una artista que lleva décadas defendiendo su propio espacio dentro del hard rock.

RE-VAMP: VEINTE ÁLBUMES Y UNA CARRERA QUE SIGUE EN MOVIMIENTO

El nuevo trabajo representa el vigésimo álbum de Lee Aaron y propone una mirada retrospectiva sobre diferentes etapas de su catálogo.

La fórmula elegida es clara: ocho canciones conocidas recibirán nuevas grabaciones y convivirán con cuatro composiciones inéditas. Entre los títulos recuperados aparecen «Metal Queen», «Powerline», «Hot To Be Rocked», «Barely Holdin’ On», «Hands On», «Some Girls Do», «Whatcha Do To My Body» y «Only Human».

La intención es ofrecer nuevas interpretaciones de canciones que forman parte de la identidad musical de Aaron, en lugar de limitarse a recuperar las grabaciones originales.

El proyecto también permitirá comprobar cómo su actual formación aborda un repertorio que nació en diferentes momentos de su carrera. El resultado tendrá que equilibrar el reconocimiento de los seguidores veteranos con una producción y una interpretación adaptadas al presente.

«FIGHT LIKE A GIRL»: EL PRIMER DISPARO LLEGARÁ EN DICIEMBRE

El primer adelanto de Re-Vamp será «Fight Like a Girl», previsto para el 17 de diciembre de 2026.

La canción se presenta como un tema de rock impulsado por las guitarras y construido alrededor de una idea de resistencia, determinación y apoyo mutuo. Su mensaje gira en torno a defenderse, mantenerse firme y afrontar las dificultades sin renunciar a la propia identidad.

La frase que acompaña la presentación del tema —«I’m a lion wearing heels, a butterfly made of steel»— resume ese planteamiento: una imagen de fortaleza que combina personalidad, actitud y ausencia de complejos.

La elección de esta canción como primer sencillo también resulta significativa. Antes de escuchar las nuevas versiones de los clásicos, el público tendrá la oportunidad de conocer una de las cuatro composiciones originales que formarán parte del álbum.

«METAL QUEEN 2027»: EL REGRESO DE UNA CANCIÓN EMBLEMÁTICA

Uno de los grandes atractivos de Re-Vamp será la nueva grabación de «Metal Queen», canción que da nombre al segundo álbum de Lee Aaron, publicado originalmente en 1984.

La artista ha recuperado incluso el recuerdo de aquel sencillo en vinilo mediante una publicación de tipo throwback, en la que expresa su entusiasmo por compartir la nueva interpretación con sus seguidores.

La canción aparecerá en el repertorio como «Metal Queen 2027». No es un detalle menor: el título identifica expresamente esta nueva grabación y establece un puente entre la composición original y la etapa actual de la cantante.

Aquel álbum de 1984 fue decisivo para consolidar internacionalmente su nombre y convertirla en una de las figuras reconocibles del hard rock canadiense. La nueva versión tendrá que enfrentarse inevitablemente a la memoria de una canción que ha acompañado a generaciones de seguidores.

Junto a ella regresarán otros temas destacados de su discografía, entre ellos «Whatcha Do To My Body», «Some Girls Do» y «Powerline».

BEN KAPLAN SE ENCARGA DE LA MEZCLA

La mezcla de Re-Vamp ha sido confiada a Ben Kaplan, ganador de un premio JUNO y conocido por sus trabajos con artistas y bandas como Mother Mother, Biffy Clyro y Kittie.

Su participación supone un elemento importante en la construcción sonora del proyecto. El objetivo es presentar un repertorio de distintas épocas con una producción contemporánea, sin perder de vista la personalidad de las composiciones originales.

La formación que participa en las grabaciones está integrada por:

  • Lee Aaron: voz principal.

  • Sean Kelly: guitarras.

  • Dave Reimer: bajo.

  • John Cody: batería.

Una alineación que acompañará también a la cantante en su actividad en directo.

LAS DOCE CANCIONES DE RE-VAMP

El repertorio anunciado está formado por los siguientes temas:

  1. Fight Like A Girl

  2. Metal Queen 2027

  3. Powerline 2027

  4. Hot To Be Rocked 2027

  5. Barely Holdin’ On 2027

  6. Hands On 2027

  7. Some Girls Do 2027

  8. Whatcha Do To My Body 2027

  9. Only Human 2027

  10. WWJD (What Would Jesus Drink)

  11. The Heart Wants

  12. Blood Money

Las ocho primeras canciones, hasta «Only Human», corresponden a nuevas grabaciones de material anterior. Los cuatro temas restantes son las composiciones inéditas anunciadas para el disco: «Fight Like a Girl», «WWJD (What Would Jesus Drink)», «The Heart Wants» y «Blood Money».

2027: NUEVO DISCO Y REGRESO A LOS ESCENARIOS

La actividad de Lee Aaron no se limitará al lanzamiento del álbum. La cantante también ha anunciado que volverá a girar en 2027 con su banda.

Por el momento, el anuncio general de la gira no debe confundirse con un calendario completo de conciertos: las fechas y los detalles concretos tendrán que confirmarse mediante futuras comunicaciones oficiales.

Mientras tanto, la artista ha adelantado que próximamente llegarán los enlaces de preventa y reserva anticipada de Re-Vamp. En el momento de este anuncio, esos enlaces todavía estaban pendientes de publicación.

UNA TRAYECTORIA QUE NO SE LIMITA A LA NOSTALGIA

Lee Aaron comenzó su carrera musical siendo muy joven y alcanzó una proyección internacional especialmente importante con Metal Queen (1984). Posteriormente, discos como Call of the Wild, Lee Aaron y BodyRock ampliaron su presencia dentro del hard rock.

Su trayectoria tampoco ha seguido una única dirección. A lo largo de los años ha explorado distintos territorios musicales, incluyendo el blues y el jazz, antes de regresar con fuerza al rock en trabajos como Fire and Gasoline, Diamond Baby Blues, Radio On! y Elevate.

Su álbum Tattoo Me, publicado en 2024, volvió a demostrar su interés por reinterpretar canciones de otros artistas desde una perspectiva propia.

En 2023 recibió otro reconocimiento destacado al ingresar en el Canada's Walk of Fame, una distinción que puso en valor su aportación a la música canadiense.

Con Re-Vamp, Aaron vuelve a mirar hacia su catálogo, pero lo hace incorporando material nuevo. La combinación permite recuperar canciones que forman parte de su historia sin presentar el lanzamiento como una mera operación de nostalgia.

EL VEREDICTO DE THE ANGEL OF NOISE

Veinte álbumes después, Lee Aaron tiene motivos suficientes para mirar atrás. Sin embargo, lo interesante de Re-Vamp no es únicamente escuchar de nuevo «Metal Queen» o recuperar algunos de sus clásicos con una producción actualizada.

La verdadera prueba estará en el equilibrio entre las dos partes del disco. Las ocho regrabaciones deberán demostrar que aquellas canciones todavía tienen fuerza para defenderse en el presente; las cuatro composiciones nuevas tendrán que aportar algo más que un complemento para completar el repertorio.

«Fight Like a Girl» será la primera oportunidad de comprobarlo el 17 de diciembre. Después llegará el álbum completo, con una formación experimentada y Ben Kaplan al frente de la mezcla.

La Reina del Metal no está preparando solamente una mirada a su pasado: está volviendo a poner su catálogo en circulación y añadiendo nuevas canciones a una historia que todavía continúa escribiéndose.

El 22 de enero de 2027, Re-Vamp abrirá un nuevo capítulo. Y «Metal Queen» volverá a levantar la corona.

FUENTES Y REFERENCIAS

Fuentes oficiales

  • Lee Aaron — Página web oficial: https://www.leeaaron.com/
    Información oficial sobre el lanzamiento de Re-Vamp, la fecha de publicación del álbum y el estreno del primer single.

  • Lee Aaron — Anuncio de «Re-Vamp» en Instagram: https://www.instagram.com/p/DfIQhrxv1VW/
    Publicación original de la artista anunciando el nuevo álbum, sus doce canciones y el lanzamiento de «Fight Like a Girl».

  • Lee Aaron — «Metal Queen» y edición 2027: https://www.instagram.com/p/DfX2GDWS18O/
    Publicación original relacionada con la nueva grabación de «Metal Queen» y el proyecto Re-Vamp.

Medios especializados y referencias musicales

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

Fuentes consultadas para contrastar los datos del lanzamiento, la formación, el repertorio y el contexto de esta noticia.

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DAN VASC CONVIERTE «AMAZING GRACE» EN UNA PODEROSA INTERPRETACIÓN HEAVY METAL: EL HIMNO CENTENARIO SUPERA LOS 22 MILLONES DE VISUALIZACIONES

Dan Vasc interpreta Amazing Grace en versión heavy metal
LA GRACIA TAMBIÉN
SUENA A METAL
STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

El cantante brasileño publicó en abril de 2023 su particular lectura metalera de uno de los himnos cristianos más conocidos de la historia. Una interpretación en la que asume las voces y todos los instrumentos, además de encargarse de los arreglos, la grabación, la producción y la mezcla. El mastering lleva la firma de Tony Lindgren.

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE
6 de noviembre de 2026 | Música | Heavy Metal | Versiones

Hay composiciones que parecen pertenecer a un territorio musical intocable. Canciones vinculadas a la tradición religiosa, a la memoria colectiva y a momentos de profunda solemnidad que han sobrevivido durante generaciones. «Amazing Grace» es una de ellas.

Pero el heavy metal nunca ha tenido demasiados problemas para cruzar fronteras musicales. El cantante brasileño Dan Vasc decidió llevar este himno cristiano al terreno del metal con una interpretación publicada en YouTube el 7 de abril de 2023.

El resultado ha encontrado una audiencia enorme: la cifra facilitada en la información del vídeo alcanza las 22.669.918 visualizaciones.

Un dato que demuestra el interés que puede despertar una reinterpretación metalera de una composición que lleva siglos formando parte de la cultura musical.

El vídeo, titulado «Metal singer performs "Amazing Grace"», presenta una producción en la que Dan Vasc no se limita a poner su voz. Según los créditos oficiales, el músico arregló, interpretó y grabó todos los instrumentos y las voces, además de producir y mezclar el tema. El mastering fue realizado por Tony Lindgren.

DAN VASC: UN CANTANTE BRASILEÑO CON RAÍCES EN EL POWER METAL

Detrás de esta versión hay un músico con una trayectoria que comenzó mucho antes de que sus interpretaciones se convirtieran en vídeos de gran difusión.

Según su biografía oficial, Dan Vasc comenzó a trabajar seriamente en el canto en 2007. Entre sus primeras influencias musicales aparecen bandas como Petra, Avantasia y DragonForce, referencias que ayudan a entender su acercamiento al heavy metal melódico y al power metal.

Su formación vocal fue ampliándose mediante estudios de canto contemporáneo y clásico, piano, teoría musical y composición. También trabajó impartiendo clases de canto y realizando trabajos musicales para otros proyectos.

Uno de sus primeros pasos importantes llegó con Fearless, banda de power metal con la que publicó el EP Ancient Wisdom en 2013. El grupo obtuvo atención internacional dentro de la escena especializada y posteriormente desarrolló el álbum Chronicles of Ancient Wisdom, publicado en 2019.

La trayectoria de Dan también incluye una participación en Charlemagne: The Omens of Death, proyecto musical del legendario actor británico Christopher Lee. Vasc intervino como Oliver en este álbum conceptual, publicado en 2013.

Estos antecedentes muestran que su relación con el metal no nace de una simple reinterpretación ocasional: el género forma parte de su recorrido musical desde sus primeros proyectos.

«AMAZING GRACE»: UN HIMNO CON MÁS DE DOS SIGLOS DE HISTORIA

Para entender el alcance de esta versión hay que regresar al origen de la composición.

«Amazing Grace» fue escrita por John Newton, clérigo anglicano inglés que había trabajado anteriormente en el comercio de esclavos. El texto fue redactado en 1772 y publicado en 1779 dentro del himnario Olney Hymns, bajo el título original «Faith’s Review and Expectation».

La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos conserva documentación histórica sobre su creación y evolución. Según sus registros, las palabras de Newton no quedaron unidas a la melodía que hoy conocemos hasta décadas después de su publicación.

La melodía tradicionalmente asociada al himno, conocida como «New Britain», apareció vinculada a sus palabras en el siglo XIX. Con el paso del tiempo, «Amazing Grace» se convirtió en una de las composiciones religiosas más reconocibles del mundo.

Su significado está ligado a la gracia, la redención, el arrepentimiento y la esperanza. La historia personal de Newton, marcada por su pasado en el tráfico de esclavos y su posterior conversión religiosa, también forma parte del contexto histórico del texto.

La Biblioteca del Congreso documenta miles de interpretaciones grabadas de esta obra, lo que permite comprender hasta qué punto ha trascendido su contexto original.

DEL HIMNO TRADICIONAL A LA FUERZA DEL HEAVY METAL

La decisión de Dan Vasc supone trasladar una composición de carácter religioso a un lenguaje musical asociado habitualmente con guitarras potentes, baterías contundentes y voces de gran intensidad.

El interés de la versión está en esa combinación: una melodía reconocible para varias generaciones, reinterpretada desde una sensibilidad metalera.

No se trata de una composición original de Dan Vasc. El músico parte de un himno tradicional cuyo texto pertenece a John Newton y construye sobre él su propio arreglo musical.

Los créditos del lanzamiento son especialmente relevantes porque muestran el alcance de su participación:

  • Voces: Dan Vasc.

  • Instrumentos: todos interpretados y grabados por Dan Vasc.

  • Arreglos: Dan Vasc.

  • Grabación: Dan Vasc.

  • Producción: Dan Vasc.

  • Mezcla: Dan Vasc.

  • Mastering: Tony Lindgren.

Es, por tanto, un trabajo en el que el cantante asume prácticamente todo el proceso creativo y de producción, mientras que el acabado final de masterización queda en manos de un profesional externo.

TONY LINDGREN: EL MASTERING DE UNA PRODUCCIÓN METALERA

El nombre de Tony Lindgren también merece atención.

Lindgren es ingeniero de mastering en Fascination Street Studios, estudio sueco fundado por Jens Bogren y conocido por trabajar con numerosas bandas de metal y rock.

Su experiencia incluye producciones vinculadas a grupos como Kreator, Powerwolf, Sepultura, Testament y Dimmu Borgir, entre otros.

En «Amazing Grace», su participación está acreditada específicamente en la masterización. Conviene distinguir esta función de la producción y la mezcla, que los créditos atribuyen al propio Dan Vasc.

UN PROYECTO MUSICAL QUE VA MÁS ALLÁ DE ESTA VERSIÓN

La discografía y la página oficial de Dan Vasc muestran una actividad centrada tanto en composiciones propias como en versiones de canciones conocidas.

Su repertorio incluye reinterpretaciones metaleras de temas de diferentes procedencias, junto a canciones tradicionales y piezas navideñas. Entre sus publicaciones aparecen «Adeste Fideles», «O Holy Night», «Never Gonna Give You Up» y «The Number of the Beast», además de diferentes volúmenes de su colección Cover-Up.

Esta combinación de metal, versiones y repertorio tradicional forma parte de una línea de trabajo que le ha permitido llegar a públicos que quizá no proceden exclusivamente de la escena heavy metal.

Su página oficial reúne información biográfica, música, merchandising y enlaces a sus canales.

STHDMETAL — EL VEREDICTO DEL ÁNGEL DEL RUIDO

Hay canciones que parecen tener un lugar reservado en la tradición y que, sin embargo, siguen demostrando que pueden sobrevivir a cualquier transformación musical.

«Amazing Grace» lleva más de dos siglos recorriendo iglesias, escenarios, grabaciones y voces de distintas generaciones. Dan Vasc decide llevarla al territorio del heavy metal, asumiendo prácticamente todo el trabajo musical de esta versión.

Lo interesante no es convertir un himno religioso en una simple exhibición de potencia. Es comprobar cómo una melodía tan reconocible puede convivir con un lenguaje musical completamente distinto sin perder su identidad.

Y hay otro detalle que merece reconocimiento: Vasc no se limita a cantar sobre una base ajena. Los créditos lo sitúan detrás de todos los instrumentos, las voces, los arreglos, la grabación, la producción y la mezcla. Una labor que habla de un proyecto musical trabajado desde múltiples responsabilidades.

El heavy metal también puede mirar hacia la tradición, recoger una composición de 1772 y darle una nueva vida sin borrar su historia.

VÍDEO: METAL SINGER PERFORMS «AMAZING GRACE»

Artista: Dan Vasc
Publicación en YouTube: 7 de abril de 2023
Visualizaciones indicadas: 22.669.918
Composición original: John Newton
Arreglos, instrumentos, voces, grabación, producción y mezcla: Dan Vasc
Mastering: Tony Lindgren

https://youtu.be/89g9yMGFGlM

FUENTES Y DOCUMENTACIÓN

1. Dan Vasc — Web oficial
https://www.danvasc.com/
Página oficial del cantante, con información sobre su música, biografía, publicaciones y merchandising.

2. Dan Vasc — Biografía oficial
https://www.danvasc.com/about
Fuente para su formación musical, influencias, trayectoria con Fearless y participación en el proyecto de Christopher Lee.

3. Dan Vasc — Amazing Grace (Bandcamp)
https://danvasc.bandcamp.com/track/amazing-grace
Ficha del lanzamiento con fecha del 7 de abril de 2023 y créditos de interpretación, arreglos, grabación, producción, mezcla y mastering.

4. Dan Vasc — Catálogo musical
https://danvasc.bandcamp.com/music
Discografía y publicaciones del músico.

5. Fearless — Biografía oficial
https://www.fearlessofficial.com/bio
Información sobre la banda de power metal, su formación, publicaciones y participación de Dan Vasc.

6. Library of Congress — The Creation of Amazing Grace
https://www.loc.gov/collections/amazing-grace/articles-and-essays/creation-of-amazing-grace/
Documentación histórica sobre John Newton y la creación del himno.

7. Library of Congress — Timeline
https://www.loc.gov/collections/amazing-grace/articles-and-essays/timeline/
Cronología de la publicación y evolución musical de «Amazing Grace».

8. Fascination Street Studios — Tony Lindgren
https://www.fascinationstreet.se/
Información profesional sobre el ingeniero de mastering acreditado en la grabación.

9. Vídeo original — Dan Vasc
https://youtu.be/89g9yMGFGlM
Fuente primaria de la interpretación publicada el 7 de abril de 2023.

Nota editorial: las 22.669.918 visualizaciones corresponden a la cifra facilitada en la información de referencia del vídeo y pueden variar con el tiempo. La composición original se atribuye a John Newton; el arreglo y la grabación de Dan Vasc constituyen una interpretación posterior.

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MICHAEL SCHENKER RESCATA EL ESPÍRITU DE «ASSAULT ATTACK» EN BARCELONA: GUILLE MUÑOZ COMPARTE LA GRABACIÓN DE RAZZMATAZZ

MICHAEL SCHENKER · THE GUITAR LEGEND
Michael Schenker en directo. Fotografía de Robin Looy.
THE GUITAR NEVER DIES EL LEGADO SIGUE VIVO
Fotografía: Robin Looy
Wikimedia Commons · Licencia CC BY-SA 4.0
Michael Schenker durante Rock Meets Classic, 7 de abril de 2026. Fotografía de Sven Mandel.
THE SOUND OF A LEGEND EL ROCK NO SE RINDE
Fotografía: Sven Mandel
Wikimedia Commons · Licencia CC BY-SA 4.0
STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

Más de cuatro décadas después de la publicación de uno de los discos fundamentales de su trayectoria, Michael Schenker volvió a poner el nombre de «Assault Attack» en el centro de la actualidad. La actuación del 5 de noviembre en Barcelona queda recogida en un vídeo publicado por Guille Muñoz.

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE | 6 de noviembre de 2026

Hay canciones que no necesitan presentación. Basta con escuchar sus primeros compases para reconocer una época, una manera de entender el hard rock y la personalidad de un guitarrista. «Assault Attack» pertenece a esa categoría. Su título está ligado a uno de los capítulos más reconocibles de la carrera de Michael Schenker, y su presencia en directo continúa conectando al músico alemán con una parte esencial de su historia.

La noche del jueves 5 de noviembre, Michael Schenker Group actuó en la Sala 1 de Razzmatazz, en Barcelona, dentro de su recorrido europeo de 2026. La cita contó con Robin McAuley como vocalista invitado y formaba parte de la gira vinculada al álbum Don't Sell Your Soul.

Ahora, Guille Muñoz comparte en YouTube una grabación identificada como «Michael Schenker Group - Assault attack, razzmatazz, Barcelona 5 noviembre 2026», acercando a los seguidores un documento audiovisual de aquella noche.

EL VÍDEO: «ASSAULT ATTACK» DESDE RAZZMATAZZ

La grabación de Guille Muñoz sitúa el foco en una composición cuyo peso histórico va mucho más allá de su duración. No se trata simplemente de recuperar una canción antigua dentro de un repertorio: «Assault Attack» representa una etapa concreta de la evolución musical de Schenker y una de las referencias más reconocibles de su catálogo.

El vídeo permite seguir la actuación tal y como ha sido presentada por su autor. Desde STHDMETAL queremos dar visibilidad a este tipo de registros realizados por aficionados y seguidores, porque también contribuyen a conservar la memoria de los conciertos y a documentar la actividad de músicos que llevan décadas sobre los escenarios.

VER EL VÍDEO DE GUILLE MUÑOZ

https://youtu.be/J845B_mGcxs

Canal del autor: https://www.youtube.com/@guillemunoz9334

Grabación publicada por Guille Muñoz. La identificación del tema, el lugar y la fecha corresponde al título facilitado por el autor del vídeo.

1982: EL DISCO QUE DIO NOMBRE A UNA ETAPA

Para entender la importancia de esta canción hay que regresar a 1982. Aquel año Michael Schenker Group publicó Assault Attack, un álbum editado por Chrysalis y producido por Martin Birch, ingeniero y productor estrechamente vinculado a algunos de los grandes nombres del hard rock y el heavy metal británico.

El disco contó con Graham Bonnet a la voz, Michael Schenker a la guitarra, Chris Glen al bajo, Ted McKenna a la batería y Paul Raymond en guitarra rítmica, teclados y coros.

Su repertorio incluyó canciones como «Rock You to the Ground», «Dancer», «Samurai», «Desert Song» y la propia «Assault Attack». Un trabajo de sonido contundente, marcado por la guitarra de Schenker y por la interpretación vocal de Bonnet, que ocupa un lugar destacado dentro de la primera etapa del Michael Schenker Group.

La producción de Martin Birch contribuyó a dar forma a un álbum que todavía hoy se recuerda como una de las referencias de aquella década. No es casualidad que su título siga apareciendo asociado al nombre del guitarrista más de cuarenta años después.

MICHAEL SCHENKER: UNA GUITARRA CON IDENTIDAD PROPIA

La trayectoria de Michael Schenker está ligada a algunos de los nombres más importantes del hard rock. Tras sus primeros años con Scorpions, alcanzó una enorme proyección internacional durante su etapa con UFO, antes de desarrollar su propio camino con Michael Schenker Group.

Su sonido se reconoce por una combinación muy personal de melodía, precisión, fraseo y potencia. La Gibson Flying V, convertida en una de sus señas de identidad visuales, acompaña una forma de tocar que ha influido en generaciones de guitarristas.

A lo largo de su carrera, Schenker ha atravesado diferentes formaciones y etapas, pero su nombre continúa asociado a una manera muy particular de construir solos y desarrollar melodías. «Assault Attack» forma parte de ese legado: una muestra de la personalidad musical que convirtió al guitarrista alemán en una figura imprescindible del género.

ROBIN McAULEY Y UNA HISTORIA COMPARTIDA CON SCHENKER

La presencia de Robin McAuley en la gira de 2026 añade otra dimensión a esta etapa del Michael Schenker Group.

Ambos músicos comparten una historia que se remonta a los años ochenta, cuando formaron McAuley Schenker Group, proyecto que dejó álbumes como Perfect Timing (1987) y Save Yourself (1989).

Conviene distinguir las distintas etapas: Graham Bonnet fue el vocalista del álbum original Assault Attack, publicado en 1982; Robin McAuley pertenece a otra fase de la trayectoria de Schenker y a su posterior colaboración dentro de McAuley Schenker Group. Su participación en la gira actual reúne de nuevo a dos músicos con una historia compartida, pero no convierte retrospectivamente a McAuley en la voz de aquella grabación original.

«DON'T SELL YOUR SOUL»: EL PRESENTE DISCOGRÁFICO DE MSG

La gira europea de 2026 también sirve de marco para presentar el material de Don't Sell Your Soul, álbum de Michael Schenker Group publicado el 3 de octubre de 2025 por earMUSIC.

El trabajo fue producido por Michael Schenker y Michael Voss. La formación de estudio contó con Bodo Schopf a la batería, Barend Courbois al bajo y Steve Mann a la guitarra y los teclados, con Erik Grönwall como vocalista principal y colaboraciones vocales de Robin McAuley, Dimitri «Lia» Liapakis y Michael Voss.

McAuley participó concretamente en «Eye of the Storm» y «Sixstring Shotgun», dos de las canciones incluidas en el álbum.

De esta manera, la gira combina el presente discográfico del grupo con un repertorio que mira hacia distintas etapas de su historia. Una fórmula que permite mantener viva la conexión entre las nuevas composiciones y los clásicos que han acompañado a Schenker durante décadas.

BARCELONA, UNA PARADA DE LA GIRA EUROPEA

La actuación de Razzmatazz formó parte de la ruta española anunciada para noviembre. Según la agenda oficial de la sala, las puertas se abrieron a las 19:00 horas, Savaged tenía previsto actuar a las 19:30 y Michael Schenker Group a las 21:00.

El recorrido anunciado por el propio Michael Schenker incluía también León, el 7 de noviembre, y Bilbao, el 8 de noviembre, antes de continuar por otras ciudades europeas.

Barcelona fue, por tanto, una de las primeras paradas de esta nueva etapa de conciertos, con Schenker al frente de MSG y Robin McAuley acompañándolo en esta gira.

CUANDO UNA CANCIÓN SOBREVIVE A SU ÉPOCA

Más de cuarenta años después de su publicación, «Assault Attack» sigue siendo una pieza representativa de la historia musical de Michael Schenker. Su recuperación en directo recuerda que el legado de un artista no permanece encerrado en los discos: vuelve a tomar forma cada vez que una canción regresa a un escenario.

La grabación compartida por Guille Muñoz añade un nuevo testimonio audiovisual a la noche barcelonesa. No sustituye a la experiencia de estar en la sala, pero permite conservar y compartir un fragmento de aquella cita con quienes no pudieron asistir.

En STHDMETAL nos interesa precisamente esa conexión entre memoria y presente: guitarras que marcaron una época, canciones que continúan encontrando público y músicos que siguen defendiendo su repertorio sobre las tablas.

Porque algunas descargas no envejecen. Simplemente esperan a que alguien vuelva a subir el volumen.

FUENTES Y REFERENCIAS

NOTA EDITORIAL

Esta noticia se centra exclusivamente en la grabación de Guille Muñoz y en el contexto musical de «Assault Attack». La información sobre el concierto y la trayectoria discográfica se ha contrastado con las fuentes citadas. No se atribuyen al vídeo detalles técnicos o musicales que no hayan podido comprobarse de forma independiente.

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