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LOS QUE SIGUEN AHÍ

THE ANGEL OF NOISE © · STHDMETAL ARCHIVOS DE LO INEXPLICABLE LOS QUE SIGUEN AHÍ Hay historias que terminan.
Y otras que se niegan a desaparecer.
Casas marcadas por la tragedia, testimonios inquietantes y expedientes que siguen alimentando preguntas. Explora los casos, conoce sus historias y descubre qué hay detrás de cada leyenda. ENTRA EN LA SERIE → DESCUBRE LOS EXPEDIENTES · INVESTIGA · SACA TUS CONCLUSIONES

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METAL-CINEMA

sábado, 17 de octubre de 2026

ADRIAN SMITH DESVELA CÓMO IRON MAIDEN RECUPERA SUS VIEJOS RIFFS: «ES COMO MONTAR EN BICICLETA»

STHDMETAL LEGENDARY // APOCALYPTIC ULTRA
Fotografía: Birgit Fostervold — trabajo propio.
Licencia: Creative Commons CC BY-SA 4.0.
Fuente: Ver fotografía original y créditos en Wikimedia Commons.
Adaptación: marco y elementos gráficos de presentación añadidos por STHDMETAL. La fotografía se muestra sin filtros ni alteraciones.
Nota: la publicación no implica respaldo de la autora ni de Wikimedia Commons.

La gira «Run For Your Lives» rescata canciones de los primeros nueve discos de la Doncella. El guitarrista explica por qué puede volver a tocar material de hace décadas, incluso temas del álbum debut en cuya grabación no participó.

Hay riffs que se quedan grabados para siempre. Adrian Smith lo sabe bien: después de décadas tocando con Iron Maiden, algunas canciones que llevaban años fuera del repertorio pueden regresar a sus manos como si nunca se hubieran marchado. No es magia ni una operación de nostalgia. En una entrevista con Radio Oxígeno de Perú, el guitarrista recurrió a una comparación muy gráfica para explicar ese fenómeno: es como montar en bicicleta.

La conversación se produjo durante la gira mundial «Run For Your Lives», una celebración de los primeros capítulos de la trayectoria de la banda británica. En lugar de limitarse a repetir los éxitos más previsibles, el recorrido permite recuperar composiciones de distintas etapas, incluidas piezas que no siempre encuentran espacio en los conciertos.

Smith mencionó «Murders In The Rue Morgue», publicada en Killers (1981), y habló también del regreso de canciones pertenecientes al primer álbum de Iron Maiden, lanzado en 1980.

Y hay un detalle que merece detenerse: Adrian Smith no participó en la grabación del debut. Se incorporó a la formación a finales de aquel año, por lo que interpretar ahora aquel material significa enfrentarse a una etapa de la historia del grupo que no vivió desde dentro del estudio.

CUANDO LOS DEDOS RECUERDAN LO QUE PARECÍA OLVIDADO

La explicación que ofrece el guitarrista apunta a la memoria muscular: los movimientos practicados durante años pueden permanecer interiorizados y reaparecer cuando vuelves a ejecutar una pieza.

Eso no significa que cualquier canción pueda recuperarse sin preparación. El repertorio exige ensayo, coordinación y precisión, especialmente cuando se trata de composiciones que forman parte de una maquinaria musical tan reconocible como la de Iron Maiden. Pero la experiencia acumulada permite afrontar ese regreso desde una base que un músico principiante todavía tendría que construir.

La gira «Run For Your Lives» abarca los nueve primeros álbumes de estudio, desde Iron Maiden hasta Fear Of The Dark (1992). Ese arco cronológico abre la puerta a distintas fases del sonido de la banda y permite que canciones de épocas diferentes convivan dentro de un mismo espectáculo.

Para los seguidores que llevan décadas acompañando al grupo, el atractivo está en reencontrarse con piezas menos habituales. Para quienes han llegado después, es la ocasión de descubrir en directo parte de la historia que ayudó a definir el heavy metal británico.

No se trata de tocar el pasado por obligación, sino de demostrar que aquellas composiciones todavía pueden funcionar en el presente.

CINCO DÉCADAS DE CARRERA: LA EXPERIENCIA TAMBIÉN CUENTA

En la entrevista, Smith abordó otro aspecto de la vida sobre la carretera: su condición física. El guitarrista afirmó sentirse mejor que cuando tenía veinte años, aunque reconoció que Iron Maiden debe organizar sus giras con sensatez y administrar el esfuerzo.

La afirmación no equivale a decir que el desgaste haya desaparecido. Mantener actuaciones de gran intensidad requiere planificación, descanso y una organización adecuada. La veteranía aporta recursos, pero también enseña cuándo conviene dosificar el ritmo para poder seguir adelante.

Ese equilibrio es fundamental en una gira que mira hacia los orígenes sin renunciar a la energía que el público espera de la Doncella. Las canciones pueden conservar su estructura original, pero cada actuación depende de músicos capaces de defenderlas con convicción décadas después de su creación.

TRES GENERACIONES BAJO EL MISMO TECHO

Smith también destacó la presencia de seguidores de distintas edades en los conciertos. Según contó, puede encontrarse con tres generaciones de una misma familia, incluidos niños de siete u ocho años.

La escena explica por qué recuperar canciones antiguas tiene un valor que va más allá de satisfacer a los fans veteranos. Una composición publicada hace más de cuatro décadas puede convertirse hoy en el descubrimiento musical de alguien que no había nacido cuando apareció.

Así, el repertorio de los primeros años no queda encerrado en la nostalgia. Sigue transmitiéndose de padres a hijos y de una generación a otra, mientras nuevos oyentes encuentran su propia puerta de entrada al universo de Iron Maiden.

La entrevista de Radio Oxígeno no presenta este fenómeno como un secreto oculto ni como una revelación exclusiva. Su interés está en la explicación de Smith y en lo que permite entender sobre la relación entre un músico y las canciones que ha aprendido a interpretar durante toda una vida.

Porque algunos riffs no necesitan ser reinventados para recuperar su fuerza. A veces basta con volver a tocarlos, dejar que la memoria haga su trabajo y comprobar cómo responden miles de personas.

Iron Maiden recupera sus primeros capítulos; Adrian Smith pone los dedos y la experiencia. Y el público decide si esas canciones siguen vivas.

Fuente: Entrevista de Adrian Smith con Radio Oxígeno Perú, durante la gira «Run For Your Lives». Ver entrevista completa en YouTube.

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«MILAGRO» ANTES DEL JUICIO FINAL: VENGADORES: DOOMSDAY PREPARA EL CHOQUE DE TRES UNIVERSOS

STHDMETAL LEGENDARY // CINEMA PRO
Logotipo de Avengers: Doomsday, Marvel

VENGADORES: DOOMSDAY

17 DE DICIEMBRE DE 2026 · SOLO EN CINES

Crédito: Marvel.
Licencia: dominio público, según la ficha de Wikimedia Commons.
Ver fotografía original y créditos en Wikimedia Commons

Marvel Studios pone en marcha la cuenta atrás para uno de sus grandes acontecimientos cinematográficos de 2026. Vengadores: Doomsday llegará a los cines españoles el 17 de diciembre con una colisión entre tres universos, un reparto repleto de estrellas y una amenaza que obligará a sus héroes a enfrentarse a algo nunca visto. La expectación ya se ha traducido en cifras contundentes: la preventa superó las 90.000 entradas en España durante sus primeras 48 horas.

El título del nuevo anuncio, «Milagro», acompaña la campaña de una película que pretende reunir distintas generaciones de héroes de Marvel en un enfrentamiento de dimensiones extraordinarias. Esta vez, el peligro no se limita a una ciudad, un planeta o una única realidad: la historia sitúa a personajes procedentes de tres universos distintos ante una amenaza capaz de poner en juego su propia existencia.

La pregunta que alimenta la expectación es inevitable: ¿qué ocurre cuando héroes acostumbrados a combatir por separado descubren que sus mundos están a punto de colisionar?

Marvel mantiene bajo reserva buena parte de la trama, pero la premisa oficial deja claro que no será un enfrentamiento convencional. La convergencia de personajes y realidades abre un escenario en el que las alianzas, las diferencias entre universos y la supervivencia colectiva pueden resultar decisivas.

UNA REUNIÓN DE HÉROES QUE CRUZA GENERACIONES

Al frente del proyecto están Anthony y Joe Russo, los cineastas que regresan al universo de los Vengadores. La producción corre a cargo de Kevin Feige, Louis D’Esposito y Jonathan Schwartz.

El reparto reúne nombres fundamentales de distintas etapas de Marvel. Robert Downey Jr., Chris Evans y Chris Hemsworth encabezan una alineación que también incluye a Pedro Pascal, Paul Rudd, Anthony Mackie, Florence Pugh, Sebastian Stan, Tom Hiddleston y David Harbour.

La dimensión del encuentro se amplía con intérpretes asociados a otras generaciones de personajes, entre ellos Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden, junto a Channing Tatum, Simu Liu, Vanessa Kirby, Letitia Wright, Winston Duke y muchos más.

No se trata únicamente de acumular rostros conocidos. El atractivo está en reunir personajes con trayectorias diferentes dentro de una misma amenaza, una operación narrativa que puede cambiar el equilibrio del Universo Cinematográfico de Marvel.

LA PREVENTA YA HA DEJADO UNA CIFRA IMPACTANTE

La expectación no se mide solo por las conversaciones en redes sociales. Según los datos difundidos por Disney el 8 de octubre, Vengadores: Doomsday superó las 90.000 entradas vendidas en España durante las primeras 48 horas de preventa. El estudio presentó ese resultado como el mejor registro inicial alcanzado hasta entonces por una película de The Walt Disney Studios en el país.

La compañía también señaló que, durante las primeras 24 horas, la preventa había superado la de Vengadores: Endgame. Es una comparación significativa por el peso que aquella entrega conserva entre los grandes acontecimientos cinematográficos de Marvel, aunque las cifras iniciales no garantizan por sí solas el resultado final en taquilla.

La campaña ya ha puesto las entradas a disposición del público y la película podrá verse en salas de cine, incluidas las certificadas por el nuevo sistema Infinity Vision, destinado a determinados formatos prémium de gran pantalla.

EL MULTIVERSO SE JUEGA ALGO MÁS QUE UNA BATALLA

El cruce de tres universos ofrece a Marvel la posibilidad de reunir historias y personajes que hasta ahora habían seguido caminos diferentes. Pero también eleva la exigencia: con tantos protagonistas compartiendo pantalla, el desafío será dar sentido al encuentro y convertir la magnitud del reparto en una historia que importe.

La producción llega, además, con una fecha marcada en rojo para los seguidores: 17 de diciembre de 2026, exclusivamente en cines en España. Las entradas ya están disponibles a través de la web oficial de la película.

El anuncio «Milagro» forma parte de esa cuenta atrás. El verdadero examen llegará cuando los universos choquen y los héroes tengan que demostrar si pueden sobrevivir a una amenaza que supera todo lo que conocían.

Tres universos. Una amenaza sin precedentes. Y una cita que ya ha empezado a movilizar a los fans.

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Fuentes oficiales:

EVAN SEINFELD SE CANSA DE LAS EXCUSAS: «SI HAS TENIDO DOS AÑOS SIN GIRAR, QUIERO UN BUEN ÁLBUM»

STHDMETAL LEGENDARY // APOCALYPTIC ULTRA
Evan Seinfeld, vocalista y bajista de Biohazard, en agosto de 2023
Evan Seinfeld, vocalista y bajista de Biohazard.
Fotografía: Hennecken · Trabajo propio.
Licencia: Creative Commons CC BY-SA 4.0.
Ver fotografía original y créditos en Wikimedia Commons
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El líder de Biohazard cuestiona a los grupos que alegan falta de tiempo para grabar y pone el foco en una exigencia que muchos seguidores comparten: cuando desaparecen los conciertos, también hay una oportunidad para crear música nueva.

Dos años sin recorrer escenarios pueden convertirse en una oportunidad para componer o en otra explicación para justificar la ausencia de un disco. Evan Seinfeld tiene clara su postura: si una banda ha dispuesto de tiempo para trabajar en nuevas canciones, espera que el resultado esté a la altura.

El vocalista y bajista de Biohazard aborda esta cuestión sin mencionar a ninguna formación en particular, pero con un mensaje que apunta directamente a uno de los debates recurrentes entre los seguidores del rock y el metal: ¿hasta qué punto es razonable prolongar la espera de un álbum mientras se acumulan las explicaciones?

«Si estás de gira y te quejas de que no tienes tiempo para hacer un álbum…», plantea durante el adelanto de una entrevista. A continuación, contrapone esa situación a los periodos en los que los músicos permanecen en casa, sin conciertos que les ocupen la agenda.

En ese escenario, Seinfeld recuerda que existe la posibilidad de dedicar tiempo a la composición. Su conclusión no necesita adornos: «Quiero un buen álbum».

MENOS EXCUSAS, MÁS CANCIONES

La reflexión no equivale a afirmar que componer un disco sea sencillo ni que todas las bandas trabajen al mismo ritmo. La creatividad no funciona con un calendario idéntico para todo el mundo, y disponer de tiempo libre tampoco garantiza que vayan a aparecer grandes canciones.

Sin embargo, el argumento de Seinfeld conecta con una frustración conocida por muchos aficionados: esperar durante años un lanzamiento mientras las novedades musicales de sus grupos favoritos llegan con cuentagotas.

La cuestión de fondo es qué sucede cuando las circunstancias permiten trabajar en el estudio. Si una formación ha tenido margen para desarrollar ideas, el resultado debería hablar por sí mismo. Para el músico estadounidense, las dificultades de las giras no pueden servir como explicación universal cuando la situación cambia y desaparece esa carga de trabajo.

Su planteamiento deja una pregunta sobre la mesa: ¿debe una banda publicar con mayor frecuencia o dedicar todo el tiempo necesario a conseguir un disco que realmente merezca la espera?

No existe una respuesta única. Algunos artistas necesitan largos periodos para dar forma a su material, mientras que otros mantienen un ritmo de lanzamientos mucho más constante. Pero la exigencia del público permanece: cuando finalmente llega un nuevo trabajo, tiene que ofrecer algo que justifique la expectación.

BIOHAZARD PREPARA NUEVA MÚSICA

La entrevista también deja una pista sobre los próximos movimientos de Seinfeld. El músico adelanta que Biohazard tendrá nueva música y menciona una gira sobre la que habrá más información, aunque este fragmento no concreta fechas ni presenta un calendario oficial.

La noticia añade interés a sus declaraciones. El responsable de una banda histórica del hardcore neoyorquino habla de las obligaciones creativas de los músicos mientras anticipa nuevos pasos para su propio grupo.

Por ahora, no conviene confundir esa referencia con el anuncio de un álbum concreto: en el extracto disponible no se confirma título, fecha de publicación ni lista de canciones. Lo que sí expresa Seinfeld es su expectativa de que las bandas aprovechen las oportunidades para trabajar en material nuevo.

UN LIBRO EN NOVIEMBRE Y ENTRENAMIENTO EXTREMO EN TULUM

La música no es el único frente abierto para el artista. Durante la conversación también anuncia que publicará un libro en noviembre, sin detallar en este fragmento su título ni otros datos editoriales.

Además, explica cómo desarrolla sus actividades de Full Metal Fitness desde Tulum, México. Allí organiza retiros que combinan entrenamientos intensivos, carreras por la playa, baños de hielo, sesiones de calor y actividades relacionadas con la alimentación y el ayuno.

El proyecto cuenta asimismo con una comunidad de participantes virtuales y seguidores del metal. Seinfeld habla de una camiseta diseñada por uno de los miembros del grupo, inspirada en la estética de los ejércitos de seguidores del rock y adaptada bajo el nombre de FMF Army.

En otro momento de la charla, recuerda su etapa en la serie carcelaria Oz y habla de las dificultades físicas que experimentaba cuando tenía mucho más peso. Una experiencia personal que conecta con su actual dedicación al entrenamiento.

LA ESPERA TAMBIÉN FORMA PARTE DEL CONTRATO CON LOS FANS

Seinfeld no necesita señalar con el dedo a una banda concreta para abrir un debate. Su mensaje cuestiona una costumbre que muchos seguidores conocen bien: anunciar que falta tiempo para grabar, prolongar la espera y dejar que las explicaciones ocupen el espacio que debería terminar llenando la música.

Eso no significa que cada grupo deba publicar un álbum cada dos años ni que una pausa creativa sea sinónimo de falta de compromiso. Significa que, cuando los propios músicos disponen de tiempo para trabajar, cabe esperar que lo aprovechen de la mejor manera posible.

Con Biohazard preparando nueva música y otros proyectos en marcha, las declaraciones de Seinfeld adquieren un interés añadido. El siguiente paso será conocer qué material tiene entre manos su banda y cuándo llegarán novedades concretas.

Mientras tanto, su exigencia queda lanzada: si has tenido tiempo para hacer un disco, que las canciones hablen por ti.

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Entrevista en vídeo: Evan Seinfeld habla sobre Biohazard, sus proyectos y la música nueva

FRANCESCO PAOLI, LÍDER DE FLESHGOD APOCALYPSE, SE RECONSTRUYE LA MANO CINCO AÑOS DESPUÉS DEL ACCIDENTE: «NO HAY DESTINO»

El músico italiano se ha sometido a otra operación para reparar las secuelas de la caída que sufrió en 2021. Los cirujanos utilizaron tejido de su cadera para reconstruir la mano izquierda, aunque la pérdida de sensibilidad y parte de la musculatura será permanente. Su objetivo sigue intacto: continuar tocando y mantener los conciertos de la banda.

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Cinco años después de un accidente que puso su vida y su carrera musical en una situación crítica, Francesco Paoli continúa luchando por recuperar todo lo que todavía puede recuperar. El líder de Fleshgod Apocalypse acaba de revelar que se ha sometido a una nueva intervención quirúrgica reconstructiva, esta vez centrada en su mano izquierda, y ha mostrado el resultado de una operación que describe con alivio y optimismo.

El procedimiento se realizó hace un par de semanas. Para reconstruir las zonas que habían perdido tejido, el equipo médico tomó material de su cadera y lo trasplantó a la mano. El propio músico ha explicado que el resultado mejora tanto su aspecto como las sensaciones, aunque el proceso de recuperación todavía no ha terminado.

«¡Aquí está mi “nueva” mano!», anunció en una publicación en sus redes sociales, acompañada de fotografías que muestran el resultado de la cirugía.

La intervención no puede borrar todas las consecuencias del accidente, pero sí ha permitido abordar una parte de los daños que seguían pendientes.

UNA LESIÓN NERVIOSA QUE NO TIENE VUELTA ATRÁS

El accidente ocurrió en 2021 mientras Paoli practicaba escalada. Las graves lesiones sufridas afectaron a distintas partes de su cuerpo y exigieron hospitalización, operaciones y una rehabilitación prolongada.

Una de las secuelas más complicadas se encuentra en el nervio cubital. Su interrupción provocó la pérdida de sensibilidad y de gran parte de la musculatura situada entre los huesos de la mano izquierda.

El músico ha sido claro sobre las consecuencias: ese daño neurológico permanecerá. Lo ha aceptado, pero aceptar una limitación no significa renunciar a encontrar maneras de convivir con ella.

Paoli explicó que había recurrido incluso a soluciones tan poco convencionales como utilizar bandas elásticas para seguir tocando. Su mano había quedado tan deteriorada que era necesario proteger las estructuras que aún funcionaban, entre ellas los huesos, ligamentos, venas y tendones.

La nueva operación buscaba precisamente reconstruir las zonas que habían perdido volumen y proporcionar una mayor protección a esos elementos.

TEJIDO DE LA CADERA PARA RECONSTRUIR LA MANO

La explicación del propio artista contiene uno de los detalles más sorprendentes de esta historia: parte del tejido que ahora forma su mano procede de su cadera.

Paoli se tomó la situación con humor y comentó que resulta curioso llevar una parte de la pierna en el brazo y tejido de la cadera en la mano gracias a la medicina moderna.

La operación salió bien, pero el tratamiento continuará. El músico contempla una nueva intervención de refinamiento durante 2027, ya prevista dentro de la planificación de Fleshgod Apocalypse.

La banda, por tanto, ha tenido en cuenta esa posibilidad para organizar su actividad sin tener que cancelar conciertos por este motivo.

No se trata de una recuperación milagrosa que haya borrado todas las secuelas, sino de un proceso médico prolongado en el que cada mejora cuenta.

CINCO AÑOS DESPUÉS, SIGUE MIRANDO HACIA LOS ESCENARIOS

Paoli también aprovechó su mensaje para agradecer el apoyo recibido desde el accidente. Dio las gracias a sus familiares, amigos, compañeros de banda, representantes, equipo de trabajo y seguidores que han permanecido a su lado durante estos años.

Pero dedicó una parte especialmente emotiva de sus palabras a las personas que ha conocido durante su recuperación y que no han tenido la misma suerte. También reconoció la labor de médicos, investigadores, científicos y personal de enfermería, reivindicando el trabajo de quienes se niegan a aceptar que todo esté decidido de antemano.

Su reflexión final va mucho más allá de una operación. «No hay destino, no hay casualidad», escribió, defendiendo que debemos abrazar la complejidad de la vida con una sonrisa.

Para un músico cuya actividad depende directamente de sus capacidades físicas, cada intervención supone un nuevo desafío. Paoli, sin embargo, continúa buscando soluciones para conservar su vínculo con la música, incluso cuando algunas de las secuelas no pueden revertirse.

Su última actualización no anuncia el final de sus problemas médicos. Cuenta algo más concreto: una nueva operación ha salido bien, su mano se encuentra en mejores condiciones y el camino para seguir tocando permanece abierto.

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Fuente oficial: Francesco Paoli — actualización de salud en Instagram

CREMATORY QUIERE CONQUISTAR MÁS ESCENARIOS INTERNACIONALES, PERO SU BATERÍA TIENE UN ENEMIGO: LOS AVIONES

Markus Jüllich reconoce que su temor a volar ha mantenido a la banda alemana alejada de numerosos escenarios internacionales. Ahora, con una nueva autocaravana y después de superar una grave crisis cardíaca, quiere abrir una nueva etapa sobre la carretera.

Hay bandas que no pisan determinados países porque no encuentran fechas, porque las giras no salen a cuenta o porque sus agendas no encajan. En el caso de Crematory, el obstáculo ha sido mucho más personal: el miedo a volar de su batería, Markus Jüllich, ha condicionado durante años las posibilidades de llevar su metal gótico e industrial más allá de las fronteras que puede recorrer por carretera.

El músico lo explicó durante la entrevista concedida a Metal Hammer España en el Ripollet Rock 2026, donde la formación alemana regresó a un escenario español después de una larguísima ausencia. Su anterior actuación en nuestro país se remontaba aproximadamente a una década atrás, cuando tocó en el Leyendas del Rock.

«No me gusta mucho volar», vino a explicar Jüllich al detallar por qué el grupo ha actuado tan poco en países a los que no resulta viable llegar conduciendo. Según relató, esa circunstancia ha provocado que algunas visitas internacionales se espaciaran hasta unos cinco años.

Pero el horizonte podría cambiar.

UNA AUTOCARAVANA PARA LLEGAR DONDE ANTES NO PODÍAN

La solución que ha encontrado el batería no pasa por obligarse a subir a un avión, sino por convertir la carretera en una aliada. Jüllich acaba de comprar una autocaravana más grande y cómoda, una adquisición que abre nuevas posibilidades para organizar conciertos fuera de Alemania.

El recorrido que hicieron para llegar a la península ya sirve como ejemplo: después de actuar en Portugal, pasó una semana de vacaciones en Santa Susanna, en Cataluña, antes de presentarse con sus compañeros en Ripollet.

A sus 55 años, el músico quiere aprovechar esta etapa para conocer lugares en los que todavía no ha estado. Viajar, tocar y descubrir nuevos países forman parte de un mismo plan. Incluso bromeó sobre la posibilidad de cruzar el Atlántico con la autocaravana.

La cuestión tiene una consecuencia directa para los seguidores: si la logística por carretera permite ampliar las rutas, Crematory podría tener más oportunidades de actuar en territorios que hasta ahora visitaba con cuentagotas. No es una promesa de fechas concretas, pero sí una intención que el propio Jüllich dejó clara durante la conversación.

DE UN INFARTO A RECUPERAR EL RITMO

La entrevista también dejó espacio para hablar de otro asunto mucho más delicado. El batería sufrió un infarto que obligó a cancelar parte de la actividad prevista en 2025 y a someterse a una intervención cardíaca.

Preguntado por su estado, aseguró que se encontraba aproximadamente al 90 % de su recuperación. La vuelta a los escenarios durante 2026 había sido uno de sus grandes objetivos y, según contó, la banda pudo completar una agenda intensa de conciertos y festivales antes de tomarse un descanso.

El siguiente paso, explicó, sería volver a trabajar en nuevas canciones durante el año siguiente. Una noticia relevante para quienes esperan material inédito de una formación que lleva más de tres décadas construyendo su propio universo sonoro.

CUATRO CANCIONES NUEVAS ENTRE SUS GRANDES ÉXITOS

Crematory también aprovechó la conversación para explicar el origen de Greatest Hits, publicado el 15 de mayo de 2026. La recopilación reúne canciones de distintas etapas y se presenta en dos versiones: una con temas en inglés y otra con composiciones en alemán.

El lanzamiento incluye cuatro piezas inéditas: dos en cada idioma. La banda explicó que la idea inicial era celebrar su 30.º aniversario con un recopilatorio, pero la pandemia trastocó aquellos planes. El cambio de discográfica y la recuperación de los derechos de su catálogo anterior terminaron abriendo la puerta a este proyecto.

La selección no pretende congelar a Crematory en una sola época. Jüllich defendió que el grupo no ha abandonado su identidad, sino que ha seguido desarrollándola mediante elementos electrónicos, teclados y nuevas posibilidades vocales. Para él, mantener vivo el proyecto también significa evitar que cada disco sea una repetición del anterior.

«NO VIVIMOS DE LA MÚSICA: VIVIMOS PARA LA MÚSICA»

La frase que mejor resume el espíritu de la conversación llegó al final. Los integrantes explicaron que mantienen sus trabajos y actividades profesionales al margen del grupo: la música no es necesariamente su principal fuente de ingresos, sino algo que siguen haciendo porque les apasiona.

«We don't live from the music. We live for the music», afirmó Jüllich durante la entrevista: no vivimos de la música, vivimos para la música.

Después de más de 35 años, esa declaración ayuda a entender por qué Crematory continúa sobre los escenarios, por qué busca evolucionar sin renunciar a su sello y por qué una autocaravana puede representar algo más que una comodidad para viajar.

A veces, el futuro de una banda no depende de cambiar de sonido ni de perseguir una moda. Basta con encontrar otra carretera.

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Entrevista completa: Crematory en el Ripollet Rock 2026 — Metal Hammer España

Fuente complementaria: Web oficial de Crematory

ELOY CASAGRANDE, BATERÍA DE SLIPKNOT: «NO SACRIFIQUES QUIÉN ERES POR CONSEGUIR SEGUIDORES»

STHDMETAL APOCALYPTIC ULTRA
El pulso detrás del ruido

ELOY CASAGRANDE

Precisión · Fuerza · Identidad
Fotografía: Sven Mandel · Ver fotografía original y créditos en Wikimedia Commons · Licencia CC BY-SA 4.0.
Presentación gráfica y marco añadidos por STHDMETAL. La fotografía original se mantiene sin filtros. La atribución no implica el respaldo del fotógrafo a este artículo.

El músico brasileño lanza una reflexión contra la obsesión por las cifras, los patrocinios y la presión de las redes sociales: triunfar no debería obligarte a convertirte en alguien que no eres.

¿De qué sirve acumular miles de seguidores si, para conseguirlos, terminas renunciando a aquello que te hace diferente? Eloy Casagrande pone el dedo en una de las heridas de la industria musical actual: la presión por gustar, ganar visibilidad y transformar el talento en un producto diseñado para captar atención.

Durante una entrevista con Radiónica, el batería de Slipknot defendió la necesidad de mantener las propias convicciones frente a la persecución de cifras, patrocinios y reconocimiento digital. Un mensaje que golpea de lleno en una época en la que algunos músicos sienten que, además de componer y tocar, deben alimentar constantemente el escaparate de las redes para no desaparecer del radar.

CUANDO LOS SEGUIDORES IMPORTAN MÁS QUE LA MÚSICA

Las plataformas digitales han abierto puertas a artistas que antes difícilmente habrían encontrado una audiencia internacional. Pero esa oportunidad también tiene una cara incómoda: la presión por publicar continuamente, acumular reproducciones y conseguir que cada movimiento genere repercusión.

El problema aparece cuando esas métricas empiezan a condicionar las decisiones creativas. La música deja entonces de ser el centro y corre el riesgo de quedar subordinada a lo que funciona en pantalla, atrae clics o facilita conseguir acuerdos comerciales.

Casagrande reivindica otra prioridad: centrarse en el arte y no sacrificar las propias convicciones para encajar en las expectativas ajenas. No está en juego únicamente la imagen pública de un músico, sino la posibilidad de que su trabajo conserve una personalidad reconocible en lugar de diluirse entre fórmulas diseñadas para agradar al mayor número posible de personas.

Porque llamar la atención y tener algo que decir no son necesariamente la misma cosa.

ELOY NO NECESITA CONVERTIRSE EN OTRO JOEY JORDISON

Su planteamiento también encuentra un reflejo en su posición dentro de Slipknot. Ocupar el lugar de un batería tan influyente como Joey Jordison suponía enfrentarse inevitablemente a las comparaciones y a las expectativas de los seguidores.

Casagrande respeta el legado de su predecesor, pero no pretende reproducirlo. Su aportación pasa por desarrollar su propia manera de tocar y llevar a la banda las influencias que forman parte de su historia musical, incluidos los ritmos brasileños que distinguen su lenguaje como percusionista.

Esa diferencia es importante: entrar en una formación legendaria no significa borrar el pasado, pero tampoco obliga a vivir a su sombra. El brasileño debe contribuir al sonido colectivo sin renunciar a aquello que puede aportar por sí mismo.

La misma lógica se aplica a su advertencia sobre las redes: intentar gustar a todo el mundo puede terminar borrando precisamente lo que te hace destacar.

EL PRECIO DE CONVERTIRSE EN UN PRODUCTO

La reflexión de Casagrande apunta a un dilema que afecta tanto a quienes empiezan como a los artistas consolidados. Los seguidores pueden crecer, las publicaciones pueden multiplicar su alcance y los patrocinios pueden abrir nuevas oportunidades. Sin embargo, ninguna de esas cifras garantiza por sí sola que una propuesta musical tenga personalidad o recorrido.

Tampoco se trata de demonizar las redes sociales ni de presentar los acuerdos comerciales como enemigos de la creatividad. La cuestión es quién lleva las riendas: el músico que utiliza esas herramientas para dar a conocer su trabajo o las métricas que terminan dictando sus decisiones.

En una industria sometida a la competencia constante por la atención, defender el propio criterio puede resultar menos sencillo que seguir una fórmula probada. Pero adaptarse a todas las tendencias también tiene un coste: correr el riesgo de acabar sonando, comportándose y presentándose como tantos otros.

TRIUNFAR SIN PERDER EL CONTROL DE TU PROPIO CAMINO

La trayectoria de Casagrande, desde Brasil hasta una de las bandas más reconocibles del metal internacional, da contexto a su mensaje. Su reflexión no consiste en rechazar el éxito ni en negar la importancia de llegar al público, sino en cuestionar qué se está dispuesto a sacrificar para conseguirlo.

Al final, la pregunta va mucho más allá de Slipknot: ¿quieres construir una carrera con una voz propia o convertirte en aquello que las cifras parecen premiar en cada momento?

En el ruido permanente de las redes, quizá la decisión más difícil no sea conseguir que te escuchen, sino evitar que la búsqueda de atención termine decidiendo por ti.

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Fuente: entrevista a Eloy Casagrande en Radiónica.
https://youtu.be/uKKIuUrK2sc

JOEY TEMPEST CONFIESA QUE CASI LLORA EN EL ESCENARIO CON EUROPE: «TODAVÍA SEGUIMOS JUNTOS»

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JOEY TEMPEST · JOHN NORUM · EUROPE
Joey Tempest y John Norum, juntos sobre el escenario con Europe en Estocolmo, en 2016.
Imagen presentada sin filtros ni alteraciones visuales. Cualquier adaptación de la fotografía debe respetar las condiciones de la licencia y atribuir la autoría. Esta publicación no implica respaldo del fotógrafo.
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El cantante se emociona al interpretar canciones que lo devuelven a los primeros años de la banda y admite que hay una especialmente difícil de cantar por su vínculo con el nacimiento de su hijo. Cuatro décadas después de conquistar el mundo, la historia de Europe también se escribe con recuerdos que siguen doliendo y emocionando.

Joey Tempest puede plantarse ante miles de personas y cantar los himnos que convirtieron a Europe en una referencia del hard rock, pero hay momentos en los que la emoción amenaza con ganarle la partida. No es únicamente el peso de una carrera que atraviesa generaciones. Es mirar a los compañeros que siguen a su lado, recordar de dónde vienen y comprender que, después de tantos años, todavía están ahí, compartiendo escenario.

«A veces casi se me saltan las lágrimas», reconoce al hablar de lo que siente cuando interpreta algunas de las canciones antiguas junto a John Norum, John Levén, Mic Michaeli e Ian Haugland. En una entrevista en la que repasa distintas etapas de la trayectoria de Europe, el vocalista describe uno de esos sentimientos difíciles de fabricar: la emoción de continuar haciendo música con las mismas personas con las que construyó una parte fundamental de su vida.

La escena tiene una fuerza especial porque detrás de los grandes escenarios, los discos multiplatino y el fenómeno mundial de «The Final Countdown» hay una historia de amistades, distancias, reencuentros y decisiones que no siempre resultaron sencillas.

HAY UNA CANCIÓN QUE LE DEVUELVE AL NACIMIENTO DE SU HIJO

Uno de los pasajes más personales de la conversación aparece cuando Tempest explica que determinadas canciones lo transportan directamente a momentos concretos de su vida. No se trata de una nostalgia abstracta: recuerda estudios de grabación, encuentros con sus compañeros y aquellas noches en las que escuchaban a sus referentes musicales mientras todavía estaban construyendo su propio camino.

Pero hay una composición que toca una fibra todavía más íntima: «New Love In Town». El cantante explica que está basada en el nacimiento de su primer hijo y reconoce que, en ocasiones, le resulta difícil interpretarla en directo.

La música se convierte entonces en algo más que una melodía o una letra. Cada interpretación reactiva una experiencia personal que el paso de los años no ha borrado. Frente al público, Tempest no solo canta una composición de Europe: vuelve por unos minutos a una etapa irrepetible de su vida.

Ese vínculo entre las canciones y los recuerdos ayuda a entender por qué algunas actuaciones adquieren un significado que va mucho más allá del espectáculo. El público escucha un tema; quien lo escribió puede estar reviviendo el instante que le dio origen.

DE LOS PRIMEROS ENSAYOS A UNA HISTORIA QUE NO SE HA TERMINADO

La entrevista también recupera los comienzos de Europe, cuando Tempest ya estaba más interesado en escribir canciones que en limitarse a cantar. De niño empezó a experimentar con instrumentos que había en casa y aprendió sus primeros acordes. El encuentro con John Norum terminó de alimentar aquella ambición: Tempest quedó impresionado por su manera de tocar y quiso trabajar con él.

La banda fue encontrando su identidad entre los ensayos, las influencias del hard rock británico y la voluntad de llegar mucho más lejos que los escenarios locales. Deep Purple, Rainbow, Whitesnake y UFO formaban parte de aquel universo musical. De hecho, Tempest recuerda que Made In Japan, el histórico directo de Deep Purple, era una referencia fundamental para ellos.

Incluso el nombre Europe tiene una pequeña historia detrás. El cantante recuerda que ensayó mentalmente cómo presentaría a la banda mientras esperaba en una estación de tren. Barajó ideas relacionadas con Made In Europe antes de quedarse con Europe. Cuando propuso el nombre a sus compañeros, la reacción inicial fue de desconcierto: les parecía demasiado extraño llamar a un grupo como un continente. Después, según relata, terminaron aceptándolo.

Hoy parece una elección inseparable de la identidad del grupo. Entonces era una apuesta más entre muchas otras que todavía estaban por salir bien o mal.

LA SEPARACIÓN QUE CAMBIÓ LA HISTORIA DEL GRUPO

El recorrido de Europe tampoco estuvo libre de fracturas. Tempest recuerda la marcha de Norum durante una etapa en la que la banda atravesaba las exigencias de convertirse en un fenómeno de masas. El éxito obligaba a afrontar compromisos promocionales, actuaciones televisivas con playback y jornadas enteras de entrevistas y sesiones fotográficas sin tocar en directo.

Para músicos que habían crecido escuchando a sus ídolos y aprendiendo a tocar mediante el ensayo constante, aquella nueva realidad podía resultar desconcertante. Tempest recuerda que llegó un momento en el que los miembros del grupo viajaban por separado y apenas se comunicaban directamente, hasta el punto de recurrir al mánager de gira para transmitir mensajes.

El reencuentro de 2002 permitió abordar aquellas diferencias y plantear otra forma de trabajar: escribir juntos, escucharse, mantener una visión a largo plazo y asumir un mayor control sobre su música y su futuro.

La conversación no convierte esa reconciliación en un cuento perfecto. Tempest reconoce que los años de ausencia fueron difíciles, aunque también valora la aportación de los músicos que ayudaron a mantener viva la banda durante aquel periodo.

La historia posterior demuestra que Europe encontró una manera de continuar. Y esa continuidad adquiere un significado particular cuando el cantante mira alrededor durante un concierto y comprueba que los compañeros con los que empezó siguen formando parte de la misma aventura.

«COME THIS MADNESS»: NUEVE AÑOS DE ESPERA Y UNA BANDA QUE VUELVE A CREAR

El presente de Europe también ocupa un lugar central en la entrevista. Come This Madness, publicado el 25 de septiembre de 2026, llegó después de nueve años desde Walk The Earth (2017). La pausa no respondió únicamente a una decisión artística: la pandemia interrumpió los planes de gira y abrió un periodo en el que Tempest volvió a escribir mientras seguía las noticias desde casa.

Aquellas primeras ideas acabaron alimentando parte del nuevo material. Después, los integrantes empezaron a intercambiar propuestas, desarrollar riffs, añadir arreglos y revisar las maquetas con el productor Tom Dalgety. Según Tempest, decidieron tomarse el tiempo necesario para trabajar las canciones en lugar de acelerar el proceso.

Una diferencia importante respecto a etapas anteriores es la participación colectiva. El cantante explica que sus compañeros han contribuido de forma más amplia a la composición, aportando riffs, partes orquestales y canciones completas. Entre los temas que John Norum entregó en una fase tardía del proceso menciona «The Devil's Back» y «The Angels Must Have Flown».

Tempest también destaca «Nothing Can Follow This», una canción cuya letra considera especialmente lograda porque consigue describir en apenas unos minutos uno de esos instantes irrepetibles que cuesta expresar con palabras.

El título parece resumir, además, el sentimiento que recorre sus recuerdos: hay experiencias musicales y personales que dejan una huella tan profunda que cualquier cosa que venga después parece incapaz de superarlas.

EL VERDADERO ÉXITO ES PODER MIRAR ALREDEDOR

Cuando Tempest habla de sus compañeros, no presenta la longevidad de Europe como el resultado de una sola persona. Al contrario, sostiene que trabajar con músicos mejores que uno mismo en determinados aspectos es una de las claves para construir una unidad sólida. También insiste en la importancia de que todos puedan aportar, discutir y seguir comprometidos con la banda.

Esa visión encaja con la emoción que describe sobre el escenario. Después de las giras, los cambios, las ausencias y los reencuentros, el hecho de continuar juntos tiene un valor propio.

Las canciones antiguas abren la puerta a esos recuerdos; las nuevas demuestran que la historia no se ha detenido. Y cuando llega el momento de interpretar una composición vinculada al nacimiento de su hijo o de reencontrarse musicalmente con los amigos con los que empezó, la distancia entre el pasado y el presente desaparece por unos instantes.

Joey Tempest puede cantar ante miles de personas, pero algunas de las emociones más intensas de su carrera nacen al mirar a su lado y descubrir que los mismos compañeros siguen ahí. Ese es el lado menos visible de Europe: detrás de los himnos que hicieron historia, permanece una vida compartida que todavía consigue conmover a su propio protagonista.

Fuente: Entrevista en vídeo a Joey Tempest sobre la historia de Europe y el álbum Come This Madness. Las declaraciones personales recogidas en esta crónica proceden de la conversación; los datos discográficos se han contrastado con la información de lanzamiento del álbum.

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