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Despertando el abismo...

viernes, 9 de octubre de 2026

MÖTLEY CRÜE RESUCITA SU PRIMERA PIEL: EL TESORO DE LEATHÜR REGRESA POR LOS 45 AÑOS DE TOO FAST FOR LOVE

STHDMETAL LEGENDARY // APOCALYPTIC ULTRA
Mötley Crüe — Take Me to the Top (Leathür Records Version), celebración del 45 aniversario de Too Fast for Love
MÖTLEY CRÜE — TAKE ME TO THE TOP
LEATHÜR RECORDS VERSION · TOO FAST FOR LOVE · 45TH ANNIVERSARY
STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

 

MÖTLEY CRÜE RESUCITA SU PRIMERA PIEL: EL TESORO DE LEATHÜR REGRESA POR LOS 45 AÑOS DE TOO FAST FOR LOVE

STHDMETAL LEGENDARY // APOCALYPTIC ULTRA

Hay discos que inauguran una carrera. Y hay discos que conservan las huellas de una banda antes de que el mundo aprendiera a pronunciar su nombre. Too Fast for Love, el debut con el que Mötley Crüe irrumpió en 1981, pertenece a la segunda categoría: una declaración de intenciones nacida en Los Ángeles, con hambre de escenario, actitud callejera y el volumen suficiente para sacudir los cimientos del hard rock.

STHDMETAL LEGENDARY // APOCALYPTIC ULTRA
MÖTLEY CRÜE — TAKE ME TO THE TOP
LEATHÜR RECORDS VERSION · TOO FAST FOR LOVE
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Cuarenta y cinco años después, el grupo vuelve a ese punto de partida con una edición conmemorativa de lujo prevista para el 30 de octubre de 2026, publicada por BMG. El lanzamiento recupera dos capítulos fundamentales de la historia del álbum: la primera versión de Leathür Records, de 1981, y la posterior edición de Elektra Records, de 1982. No es un detalle menor para los seguidores que conocen las diferencias entre ambas: la mezcla y la selección de canciones no son idénticas.

ANTES DE LA MAQUINARIA, ESTABA LEATHÜR

La primera edición de Too Fast for Love apareció bajo el sello creado por la propia banda. Según el Crüeseum, aquella tirada inicial fue de apenas 900 ejemplares. El salto posterior a Elektra ayudó a llevar el disco a un público mucho mayor, pero la edición original quedó convertida en una pieza de culto para coleccionistas.

El nuevo cofre pone esa primera versión en el centro de la celebración. Incluye el álbum de Leathür remasterizado en vinilo y CD, junto con la edición de Elektra de 1982 en vinilo. Para quienes quieran comparar ambas etapas, la propuesta permite escuchar cómo se presentó originalmente el grupo y cómo cambió el disco en su siguiente vida discográfica.

PERKINS PALACE: UNA NOCHE QUE VUELVE A SONAR

El material histórico no se limita al estudio. El lanzamiento incorpora grabaciones en directo de las actuaciones de Mötley Crüe en Perkins Palace, en 1982, reunidas en un álbum de dos vinilos. El repertorio incluye canciones que conectan con los primeros pasos del grupo y con el material que desembocaría en Shout at the Devil, publicado en 1983.

A ese documento se suma otro de especial interés: un vinilo de cinco temas con las primeras sesiones de estudio de la banda, registradas en marzo de 1981 y hasta ahora inéditas. Es una ventana a los meses iniciales de una formación que todavía estaba construyendo su identidad antes de convertirse en uno de los nombres más reconocibles del hard rock estadounidense.

CINTAS, FOTOGRAFÍAS Y OBJETOS DE OTRA ÉPOCA

El cofre también apuesta por el archivo físico. Contiene una réplica de la cinta de demostración original, una reproducción del sencillo de siete pulgadas, un póster y un libro fotográfico de tapa dura de 100 páginas, con imágenes tempranas y material de colección. El conjunto se completa con otros recuerdos vinculados a los comienzos del grupo.

Existe, además, una edición exclusiva del Crüeseum limitada a 250 unidades numeradas a mano, con elementos adicionales. Es una versión destinada a quienes buscan algo más que los discos: una pieza de memorabilia construida alrededor de los primeros años de la banda.

«TAKE ME TO THE TOP»: VOLVER AL PRINCIPIO

La canción que acompaña esta noticia, «Take Me to the Top», permite entrar directamente en el sonido de aquella primera etapa. La versión de Leathür forma parte de la identidad original de Too Fast for Love, cuando Mötley Crüe todavía avanzaba desde los clubes de Los Ángeles hacia una dimensión mucho mayor.

El aniversario no cambia lo que ocurrió en 1981. Lo interesante es que devuelve al primer plano las distintas formas en que aquel debut llegó al público y añade grabaciones que amplían el retrato de sus comienzos.

«Do You Remember? Well, We Remember.» La pregunta de la campaña resume la idea: no se trata únicamente de celebrar una fecha redonda, sino de regresar a la versión más temprana de una historia que empezó con una tirada diminuta y terminó formando parte de la memoria del hard rock.

Lanzamiento: 30 de octubre de 2026
Álbum: Too Fast for Love — 45th Anniversary Collection
Sello: BMG
Reserva: https://crue.lnk.to/TooFastForLove45

Vídeo: Mötley Crüe — “Take Me to the Top” (Leathür Records Version)
https://youtu.be/9CtilrBHQqE

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SARATOGA PREPARA UN FINAL DE GIRA CON HISTORIA: MADRID SERÁ EL ESCENARIO DE «ALMA PERDIDA»

 

SARATOGA PREPARA UN FINAL DE GIRA CON HISTORIA: MADRID SERÁ EL ESCENARIO DE «ALMA PERDIDA»

La banda madrileña despedirá su gira «III Actos: En Estado Puro» el 27 de febrero de 2027 en la sala Wagon, con una propuesta especial: convertir al público en parte de la grabación de su próximo videoclip.

Hay conciertos que terminan cuando se apagan los amplificadores. Y hay noches que aspiran a prolongarse mucho más allá del último acorde. Saratoga quiere que su despedida de «III Actos: En Estado Puro» pertenezca a la segunda categoría.

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SARATOGA // PUBLICACIÓN OFICIAL
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El grupo ha anunciado que Madrid será el escenario del cierre de esta etapa el sábado 27 de febrero de 2027, en la sala Wagon. Pero la cita tendrá un ingrediente adicional que cambia el planteamiento de la velada: durante el evento se grabarán imágenes para el videoclip de «Alma Perdida», invitando a los asistentes a participar en una producción que conservará el recuerdo de esa noche.

La propuesta convierte a los seguidores en algo más que espectadores. Quienes acudan podrán formar parte de las imágenes de un lanzamiento audiovisual de la banda, haciendo que la despedida de la gira quede ligada también a una nueva pieza de su discografía.

Tres actos para recorrer pasado, presente y futuro

«En Estado Puro» nació con una estructura escénica dividida en tres bloques, diseñada para combinar distintas etapas del repertorio de Saratoga. La gira recupera canciones menos habituales, presenta material de su nuevo álbum y reserva espacio para los clásicos que han marcado su trayectoria.

El disco En Estado Puro, publicado en 2026, refleja esa combinación de continuidad y renovación. En su formación actual, Saratoga reúne a Tete Novoa a la voz, Niko del Hierro al bajo, Charlie Parra a la guitarra y Arnau Martí a la batería. 

La gira también ha llevado al grupo por escenarios de España y Latinoamérica. Su formato en tres actos permite alternar la recuperación de temas solicitados por los seguidores, las nuevas composiciones y las canciones que forman parte de la identidad del heavy metal español.

«Alma Perdida»: una canción que tendrá su propio recuerdo visual

La elección de «Alma Perdida» añade una dimensión especial al concierto madrileño. El tema forma parte del álbum En Estado Puro y lleva la firma compositiva de Niko del Hierro. Su inclusión en el repertorio de la gira ya lo había situado entre las nuevas canciones trasladadas al directo; ahora, la banda anuncia una grabación audiovisual vinculada a esta despedida. 

La participación del público puede dar a ese videoclip un valor diferente: no se tratará únicamente de registrar a la banda interpretando su música, sino también de recoger la presencia de quienes han acompañado este recorrido. Es una manera de conectar el final de la gira con la gente que ha contribuido a mantenerla viva concierto tras concierto.

Queda por conocer cómo será el resultado definitivo del vídeo y cuándo verá la luz. Por ahora, lo confirmado es la intención de grabar durante la fecha madrileña y contar con los asistentes para formar parte de las imágenes.

Madrid, última parada de esta etapa

Con esta convocatoria, Saratoga pone fecha al cierre de «III Actos: En Estado Puro» y prepara una despedida que reunirá directo y producción audiovisual en una misma noche. Para los seguidores, será una oportunidad de vivir el espectáculo y, si asisten a la grabación, quedar incorporados a un recuerdo que seguirá circulando después de que concluya la gira.

La cita está anunciada para la sala Wagon de Madrid el 27 de febrero de 2027. Las entradas están disponibles a través de la plataforma indicada por la banda, y también se ha anunciado la venta física en La Parada del Diablo, en Pinto, y Algo Salvaje Rock Bar, en Madrid.

Una gira llega a su final; la historia de sus canciones continúa. Saratoga quiere cerrar este capítulo con los amplificadores encendidos y sus seguidores dentro del recuerdo.

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POWER TRIP DESATA EL INFIERNO CON «PRECINCT 3»: EL PRIMER GOLPE DE UNA NUEVA ERA TRAS LA MUERTE DE RILEY GALE

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POWER TRIP
APOCALYPTIC ULTRA // LIVE ARCHIVE
Power Trip actuando en Rock am Ring 2019
THRASH METAL // TEXAS • USA
– THE ANGEL OF NOISE –
Fotografía: Rock am Ring 2019 · Wikimedia Commons
VER FUENTE Y LICENCIA

 

POWER TRIP DESATA EL INFIERNO CON «PRECINCT 3»: EL PRIMER GOLPE DE UNA NUEVA ERA TRAS LA MUERTE DE RILEY GALE

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Hay bandas que regresan para recuperar su sitio. Otras tienen que demostrar que todavía pueden avanzar después de perder una parte irreemplazable de su identidad. POWER TRIP afronta ese desafío con «Precinct 3», una descarga de thrash metal que devuelve al grupo texano al terreno de las canciones nuevas y convierte su regreso en algo mucho más trascendente que una simple reunión.

Publicado el 9 de octubre de 2026, el videoclip oficial llega acompañado de «Scavenger», el segundo tema de un lanzamiento doble que marca el primer material inédito de la banda desde el fallecimiento de su vocalista Riley Gale en agosto de 2020. La noticia también trae una perspectiva de futuro: el grupo prepara un nuevo álbum de estudio previsto para la primavera de 2027.

205 BPM Y UNA DESCARGA CONTRA EL PODER SIN CONTROL

«Precinct 3» no apuesta por una reaparición tímida. Su estructura se apoya en riffs vertiginosos, cambios de ritmo abruptos, guitarras que se entrecruzan y una batería que empuja la composición hacia delante hasta desembocar en uno de esos pasajes a medio tiempo que forman parte del arsenal más reconocible de POWER TRIP.

El tema alcanza aproximadamente los 205 pulsos por minuto, una velocidad que explica buena parte de su sensación de urgencia. Sin embargo, la canción no se limita a correr: los cortes secos y los cambios de dinámica introducen golpes de freno calculados para que cada sección tenga su propio impacto.

La letra aborda los peligros de una autoridad sin límites, una temática que conecta con la tradición crítica del grupo y con el clima sociopolítico actual. No se trata de añadir una consigna a una base musical contundente, sino de recuperar una de las razones por las que POWER TRIP consiguió distinguirse dentro del metal extremo estadounidense: la capacidad de convertir la agresividad sonora en una declaración incómoda.

El videoclip, dirigido por Eric Richter, acompaña este lanzamiento oficial y sitúa la canción en el centro de una nueva etapa que ya no depende únicamente de la memoria de sus trabajos anteriores.

SETH GILMORE ASUME EL MICRÓFONO: CONTINUAR SIN BORRAR EL PASADO

La ausencia de Riley Gale es el elemento que condiciona inevitablemente la escucha de estas nuevas canciones. El cantante falleció el 25 de agosto de 2020, dejando tras de sí una de las voces más reconocibles de la escena crossover thrash de Dallas.

POWER TRIP volvió a los escenarios en diciembre de 2023 con Seth Gilmore, vocalista vinculado a SKOURGE y FUGITIVE, esta última banda fundada junto al guitarrista Blake Ibanez. Aquella reaparición permitió comprobar que el grupo seguía dispuesto a defender su repertorio, pero todavía quedaba por resolver una pregunta fundamental: qué podía aportar esta formación a su propio legado mediante material completamente nuevo.

«Precinct 3» y «Scavenger» ofrecen la primera respuesta discográfica.

Gilmore no llega como una figura ajena que intenta ocupar un espacio sin historia. Su trayectoria dentro del hardcore y el thrash texanos lo vincula a la misma cultura musical de la que surgió POWER TRIP. Eso no elimina la comparación con Gale, pero explica por qué la banda ha encontrado en él una opción para seguir adelante.

El objetivo tampoco consiste en fingir que nada ha cambiado. La voz de Gale pertenece a una etapa que no puede repetirse; las nuevas grabaciones tienen que sostenerse por sus propios méritos y encontrar su lugar sin exigir al oyente que olvide lo sucedido.

BLAKE IBANEZ Y EL PESO DE UNA AUSENCIA

Durante la composición, los integrantes se plantearon qué habría querido expresar Gale si hubiera participado en estas canciones. Blake Ibanez, guitarrista fundador y coproductor del nuevo material, explicó que esa reflexión les ayudó a encontrar una dirección lírica y a concebir el lanzamiento como una manera de honrarlo.

La idea resulta especialmente relevante en «Precinct 3», cuyo enfoque sobre el abuso de autoridad mantiene vivo el interés por los conflictos sociales que atravesaban buena parte del universo temático de la banda.

El homenaje, por tanto, no se limita a recordar a un compañero fallecido ni a conservar intacto un repertorio. Se manifiesta en la decisión de seguir escribiendo canciones que dialoguen con las preocupaciones que daban sentido a POWER TRIP.

Esa continuidad tampoco garantiza que todos los seguidores acepten el cambio de etapa de la misma manera. La historia del grupo y el vínculo de muchos aficionados con Gale forman parte de una relación emocional que ninguna nueva grabación puede resolver automáticamente. Pero estas canciones permiten juzgar el presente sin convertir el pasado en una barrera infranqueable.

«SCAVENGER»: LA OTRA MITAD DEL REGRESO

El lanzamiento no termina con el videoclip. «Scavenger» completa el doble estreno con una aproximación distinta a la violencia rítmica del grupo.

En lugar de depender exclusivamente de la velocidad de «Precinct 3», el tema desarrolla un ataque de tempo medio, con un riff inicial inquietante, una base rítmica más cadenciosa y secciones que amplían el recorrido de la composición antes de desembocar en un nuevo golpe de intensidad.

Su letra señala a quienes se apropian del trabajo ajeno, construyen una posición de superioridad gracias a él y terminan utilizando esa influencia en beneficio propio, incluso contra las personas que hicieron posible su ascenso.

La elección temática introduce una crítica diferente de la planteada en «Precinct 3»: aquí el foco no está principalmente en el poder institucional, sino en el oportunismo y la explotación de los méritos de otros.

Las dos canciones funcionan así como una presentación complementaria. Una ataca con velocidad y confrontación; la otra utiliza el peso del ritmo y una estructura más expansiva. Ambas muestran que la banda no ha querido regresar con una única fórmula repetida dos veces.

JACOB HANSEN SE INCORPORA A LA ECUACIÓN SONORA

Las nuevas grabaciones se realizaron en Empire Sound, en Carrollton, Texas, con Jacob Hansen al frente de la producción, mezcla y masterización, y Blake Ibanez como coproductor.

Hansen cuenta con experiencia en producciones vinculadas a nombres como ARCH ENEMY, VOLBEAT, AMON AMARTH y THE BLACK DAHLIA MURDER. Su incorporación aporta al proyecto un perfil de producción capaz de combinar contundencia, definición y una presentación contemporánea.

El batería Chris Ulsh ha destacado precisamente la importancia de conseguir un sonido actual sin perder la personalidad del grupo. Esa es la tensión central de estas sesiones: preservar la aspereza que hizo reconocible a POWER TRIP y, al mismo tiempo, permitir que las nuevas composiciones respiren como obras de una formación que vuelve a crear en el presente.

El resultado no necesita presentarse como una ruptura absoluta con el pasado. Su verdadero desafío es demostrar que la evolución puede convivir con una identidad reconocible.

DEL DOBLE SINGLE AL ÁLBUM DE 2027

Las dos canciones son un adelanto del próximo álbum de estudio de POWER TRIP, cuya publicación está prevista para la primavera de 2027. La banda llevaba más de un año trabajando en el estudio, de modo que este lanzamiento representa el comienzo público de un proyecto más amplio, no una aparición aislada.

El doble single llega a través de Blue Grape Music, el nuevo sello del grupo. También está prevista una edición limitada en vinilo de siete pulgadas, junto con una variante exclusiva para las tiendas independientes participantes en el Record Store Day Black Friday del 27 de noviembre de 2026.

La agenda inmediata incluye tres actuaciones anunciadas: Ciudad de México el 21 de octubre, en el evento por el 40.º aniversario de Reign in Blood de SLAYER; Fort Worth el 24 de octubre, en Sick New World Texas; y Nueva Orleans el 20 de noviembre, dentro de The Great NOLA Trendkill.

Estas citas sitúan el regreso discográfico en un periodo de actividad que permitirá comprobar cómo conviven las nuevas composiciones con las canciones que consolidaron su reputación.

POWER TRIP NO VUELVE A 2020: AVANZA DESDE LO QUE QUEDÓ

La importancia de «Precinct 3» no depende únicamente de su velocidad, de la potencia de sus riffs o de la expectación generada por el regreso. Está en la decisión de una banda de volver a componer después de una pérdida que modificó para siempre su historia.

POWER TRIP conserva una identidad reconocible, presenta a Seth Gilmore como vocalista de sus primeras grabaciones nuevas y abre un camino hacia un álbum que tendrá que demostrar hasta dónde puede llegar esta formación.

Riley Gale sigue siendo una parte esencial de la historia del grupo, pero su legado no necesita convertirse en una orden de inmovilidad. La mejor manera de medir esta nueva etapa será escuchar lo que POWER TRIP tiene que decir ahora, sin exigir que el presente reproduzca exactamente un pasado imposible de recuperar.

«Precinct 3» es el primer disparo. «Scavenger», el segundo aviso. El siguiente examen llegará con el álbum de 2027.

Y ahí se verá si este regreso puede convertirse en algo más que una supervivencia: una nueva etapa capaz de defender el nombre de POWER TRIP con canciones propias, convicción y una identidad que siga teniendo algo que decir.

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Fuentes consultadas: Blabbermouth, Pitchfork y ThePRP. Crónica original redactada con palabras propias a partir de la información publicada y los datos del lanzamiento oficial.

Videoclip oficial: POWER TRIP — «Precinct 3»

Segundo tema: «Scavenger», disponible en el lanzamiento doble del grupo.

Journey — Deen Castronovo hospitalizado tras una emergencia en pleno concierto

DEEN CASTRONOVO JOURNEY // STHDMETAL LEGENDARY

 

JOURNEY SE QUEDA SIN SU MOTOR EN PLENO CONCIERTO: DEEN CASTRONOVO ES TRASLADADO AL HOSPITAL Y LA BANDA TOMA UNA DECISIÓN SOBRE EL ESCENARIO

El concierto transcurría con normalidad en Tulsa hasta que algo obligó a Journey a detenerse. Después de apenas dos canciones, Deen Castronovo tuvo una emergencia médica y necesitó ayuda para abandonar el escenario. Lo que debía ser otra noche de clásicos del rock se convirtió en una situación de preocupación para sus compañeros y para el público que llenaba el BOK Center.

El incidente ocurrió el jueves 8 de octubre de 2026, durante una actuación de la gira Final Frontier. La primera información pública llegó a través de Eric Bailey, periodista de Tulsa World, que compartió imágenes del momento y explicó que el espectáculo había quedado interrumpido.

Poco después, la preocupación dejó paso a una noticia más concreta: el baterista había sido trasladado al hospital. Journey todavía tenía que decidir cómo afrontar el resto de la actuación, pero la prioridad inmediata era su compañero.

«TENED A DEEN EN VUESTROS PENSAMIENTOS»: EL MENSAJE DESDE EL ESCENARIO

Con Castronovo fuera de escena, el teclista Jonathan Cain se dirigió a los asistentes. No intentó disimular la gravedad del momento ni ofrecer explicaciones que todavía no tenía.

Pidió al público que rezara por el baterista y reconoció que la situación era desafortunada. La banda esperaba que la interrupción fuera temporal, aunque aún no podía confirmar cómo evolucionaría lo ocurrido.

La incertidumbre se hizo más evidente cuando Neal Schon regresó para comunicar que Castronovo había sido llevado al hospital. El guitarrista también anunció que el espectáculo continuaría con Steve Toomey, técnico de batería de Journey desde hace años, ocupando el puesto tras los tambores.

No era una sustitución preparada para el repertorio de aquella noche. Era una solución de emergencia para que la actuación pudiera seguir adelante mientras la banda esperaba noticias de su compañero. 

STEVE TOOMEY ASUME UNA RESPONSABILIDAD QUE NO ESTABA EN EL GUION

En una gira de esta dimensión, el equipo técnico trabaja para que todo funcione sin que el público tenga que pensar en lo que sucede entre bastidores. En Tulsa, Toomey pasó de desempeñar esa labor a ocupar un lugar decisivo en el escenario.

Su intervención permitió que Journey retomara el concierto sin Deen Castronovo. El grupo pudo continuar con el repertorio mientras la ausencia de su baterista se convertía en el centro emocional de la noche.

La decisión también dejó al descubierto una realidad de las giras: detrás de cada espectáculo hay profesionales que conocen los instrumentos, las rutinas y las exigencias de la banda. Cuando surge una situación imprevista, esa experiencia puede resultar crucial.

Pero ninguna solución técnica elimina la preocupación por la persona que falta.

Journey podía continuar tocando; lo que todos querían saber era cómo se encontraba Deen.

NEAL SCHON DEDICA LA ACTUACIÓN A SU COMPAÑERO

Durante el concierto, Schon expresó su esperanza de que Castronovo estuviera bien y dedicó la actuación a su compañero. Arnel Pineda también pidió al público que lo tuviera presente.

Los mensajes transmitidos desde el escenario fueron esperanzadores, pero conviene distinguir entre los deseos de la banda y una confirmación médica: hasta el momento de las informaciones publicadas, no se había comunicado públicamente la causa de la emergencia ni un diagnóstico detallado.

No hay base para atribuir el episodio a una enfermedad concreta, un problema cardíaco o cualquier otra causa. Tampoco sería responsable convertir comentarios tranquilizadores pronunciados durante una noche de tensión en una garantía sobre su recuperación. 

DEEN CASTRONOVO, MUCHO MÁS QUE EL HOMBRE TRAS LA BATERÍA

Castronovo, de 62 años, es una pieza importante de la identidad musical de Journey. Su trabajo no se limita a mantener el pulso de las canciones: también ha aportado su voz a la formación y forma parte de una etapa en la que la banda continúa llevando su catálogo a grandes recintos.

Journey es un grupo cuyas canciones están profundamente ligadas a la memoria de varias generaciones. Mantenerlas vivas en directo exige precisión, resistencia y una coordinación que el público no siempre percibe hasta que algo rompe la maquinaria.

En Tulsa, esa maquinaria tuvo que adaptarse de golpe.

Y lo hizo sin que la música borrara el motivo de la interrupción: uno de los integrantes de la banda había tenido que abandonar el escenario por una emergencia médica.

LA GIRA CONTINÚA, PERO LA PRIORIDAD ES OTRA

Journey se encuentra en plena gira Final Frontier, una etapa de conciertos que tiene previsto prolongarse hasta finales de noviembre. El siguiente compromiso anunciado en el calendario era en San Antonio, Texas, el 10 de octubre.

Sin embargo, cualquier valoración sobre las próximas actuaciones de Castronovo depende de información oficial que todavía no se había hecho pública en las primeras noticias sobre el incidente. No se puede dar por confirmada su participación en el siguiente concierto ni anticipar cuándo volverá a tocar. 

Lo sucedido en Tulsa no fue una despedida anunciada ni una declaración sobre el futuro de Journey. Fue una emergencia médica en mitad de una actuación y una banda intentando responder de la mejor manera posible ante una situación inesperada.

Ahora, la noticia que realmente importa no es el repertorio que quedó por tocar ni el siguiente destino de la gira.

Es que Deen Castronovo reciba la atención que necesita y que sus compañeros puedan conocer su evolución.

HOY, EL ÚNICO DATO QUE IMPORTA ES DEEN

El rock está acostumbrado a convertir los escenarios en lugares de resistencia, donde los músicos siguen adelante pese al cansancio, los problemas técnicos o las dificultades de una gira.

Pero hay momentos en los que parar es inevitable.

Journey tuvo que hacerlo en Tulsa. Después, con su técnico al frente de la batería, decidió continuar por respeto al público y con la preocupación puesta en el compañero que ya no estaba allí.

La actuación siguió, pero la noche quedó marcada por una ausencia que ninguna canción podía disimular.

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

El espectáculo puede continuar. La salud de un compañero va primero.

jueves, 8 de octubre de 2026

Suicide Silence — El deathcore vuelve a hablar con los dientes

STHDMETAL // SUICIDE SILENCE // PODCAST
Suicide Silence durante el podcast Show Me Those Picks, Dude
SUICIDE SILENCE // GRACELESS // SHOW ME THOSE PICKS, DUDE
THE ANGEL OF NOISE // STHDMETAL LEGENDARY

 

SUICIDE SILENCE VUELVE A ABRIR LA BOCA Y NO DEJA TÍTERE CON CABEZA: SLAM, SLIPKNOT, VENOM Y EL NUEVO ASALTO DEL DEATHCORE

Hay grupos que utilizan un podcast para promocionar un disco.

Suicide Silence lo utiliza como si hubieran abierto la puerta de un camerino después de una noche demasiado larga.

En su último episodio, «Show Me Those Picks, Dude», la banda californiana vuelve a demostrar que su universo no termina cuando se apagan los amplificadores. El programa se mueve entre guitarras, slam, recuerdos de carretera, personajes imposibles, discusiones sobre la actualidad del metal y una pregunta que inevitablemente acaba apareciendo en la conversación:

¿Qué demonios está haciendo Slipknot ahora?

El episodio se publicó el 8 de octubre de 2026 y confirma que el podcast oficial de Suicide Silence continúa funcionando como una extensión directa de la personalidad de la banda: sin solemnidad artificial, sin convertir cada frase en una nota de prensa y con suficiente pólvora para saltar de la música a cualquier asunto que se cruce por delante.

Y lo interesante no es solamente lo que cuentan.

Es el momento en el que lo cuentan.

SUICIDE SILENCE ESTÁ EN UNA ZONA PELIGROSA: JUSTO ANTES DEL IMPACTO

La banda llega a este tramo final de 2026 con algo mucho más importante que un simple episodio de podcast.

Tiene disco nuevo en camino.

Graceless, el octavo álbum de estudio de Suicide Silence, está previsto para el 20 de noviembre de 2026. El lanzamiento reúne once canciones y llega después de Remember... You Must Die, manteniendo a Eddie Hermida, Chris Garza, Mark Heylmun, Dan Kenny y Ernie Iniguez en una formación que no parece especialmente interesada en rebajar la temperatura.

El propio material publicado durante las últimas semanas ya había dejado claro que la maquinaria estaba otra vez en marcha.

Primero llegó el regreso del podcast.

Después, «Make Your Exit».

Y posteriormente «Graceless», una descarga de menos de dos minutos que no necesita pedir permiso para entrar por la puerta: entra derribándola.

La escena ya ha empezado a reaccionar.

Y ahora Suicide Silence vuelve a colocar el foco sobre ella.

EL SLAM YA NO ES EL INVITADO: ES PARTE DE LA CONVERSACIÓN

Una de las claves del nuevo episodio es la presencia de PeelingFlesh dentro de la conversación.

No es una referencia lanzada al azar.

El slam se ha convertido en una de las zonas más interesantes del metal extremo contemporáneo precisamente porque ha dejado de comportarse como una pequeña habitación cerrada para convertirse en un lenguaje que conecta death metal, hardcore, brutalidad física y cultura de directo.

Suicide Silence conoce perfectamente ese territorio.

La banda lleva más de dos décadas viendo cómo los sonidos extremos pasan de los locales pequeños a los grandes escenarios, cómo unas escenas contaminan a otras y cómo determinados géneros terminan escapando de las etiquetas que intentaban encerrarlos.

Y ahí está una de las virtudes del episodio:

no trata el metal extremo como una pieza de museo.

Lo trata como algo que todavía está mutando.

LAS PÚAS TAMBIÉN CUENTAN HISTORIAS

El título del episodio no es casual.

Las púas de guitarra y bajo aparecen como una pequeña pieza de conversación, pero detrás de ese detalle aparentemente insignificante hay algo muy reconocible para cualquier músico:

el equipo también forma parte de la identidad.

Una púa puede terminar en el suelo después de una canción.

Puede acabar en el bolsillo de un fan.

O puede convertirse en uno de esos objetos absurdamente pequeños que terminan representando una época completa de una banda.

Suicide Silence aprovecha ese punto de partida para volver a lo suyo: hablar de música desde dentro, sin convertir cada conversación en una clase magistral.

Y eso hace que el podcast tenga algo que muchos contenidos promocionales han perdido:

parece que realmente están hablando.

DE SOUTH AMERICA A LOS LOCALES DONDE TODO EMPEZÓ

También aparecen recuerdos de Sudamérica y de una realidad que las bandas extremas conocen especialmente bien:

hay lugares donde el público no va simplemente a escuchar.

Va a sobrevivir al concierto.

La relación entre Suicide Silence y sus seguidores se ha construido durante años precisamente en ese terreno. Antes de las grandes giras internacionales, antes de los grandes carteles y antes de que el deathcore tuviera una presencia tan visible, había salas pequeñas, amplificadores demasiado altos y un público dispuesto a convertir cualquier concierto en una batalla.

Ese pasado sigue apareciendo cuando la banda habla de la carretera.

Porque la memoria de un grupo no se construye solamente con discos.

También se construye con ciudades.

Y EN MEDIO DE TODO APARECE SLIPKNOT

Aquí la conversación adquiere otra dimensión.

Slipknot vuelve a estar en el radar después de «Arsenal», su nuevo tema y primera canción publicada tras la salida de Sid Wilson de la formación.

El movimiento resulta especialmente significativo porque Slipknot ha entrado en una nueva etapa de cambios internos, mientras sigue siendo uno de los nombres capaces de alterar la conversación dentro del metal extremo incluso cuando solamente publica una canción.

Suicide Silence no podía pasar por alto semejante movimiento.

Y tampoco podía hacerlo el resto de la escena.

Cuando Slipknot cambia una pieza, todo el tablero mira.

La banda de Des Moines no necesita estar constantemente publicando material para conservar esa capacidad. Su influencia sobre generaciones posteriores de músicos extremos sigue ahí, y Suicide Silence pertenece precisamente a una generación que creció viendo cómo aquel sonido rompía las fronteras entre metal, hardcore, espectáculo y cultura popular.

DEL METAL AL CAOS ABSOLUTO

El episodio no pretende mantenerse encerrado en el mundo de las guitarras.

Aparecen también Kid Rock, Joe C., Mike Tyson, Hasbulla, Alex Terrible y David Gunn.

Podría parecer una mezcla imposible.

En realidad, encaja perfectamente con el espíritu del programa.

Porque el podcast de Suicide Silence no intenta construir una burbuja donde solamente exista el deathcore. Su gracia está precisamente en el contraste: una conversación puede pasar de una banda extrema a una figura del deporte, de ahí a internet y terminar regresando a una discusión musical.

Es el tipo de conversación que probablemente tendría una banda después de un concierto.

Solo que ahora hay micrófonos delante.

EL NOMBRE DE CONRAD LANT CAMBIA EL TONO

Y entonces aparece una de esas pausas que pesan más que cualquier chiste.

Conrad Lant, Cronos, Venom.

La banda recuerda al músico dentro del tramo dedicado a los nombres que ya no están.

Venom no pertenece directamente al mismo universo estilístico que Suicide Silence, pero su sombra atraviesa buena parte de la música extrema moderna. Sin Venom, muchas de las fronteras que posteriormente explotaron el thrash, el black metal y diferentes ramas del metal extremo probablemente habrían tardado mucho más en romperse.

Por eso el recuerdo de Lant funciona dentro de esta conversación.

Porque detrás de todo el ruido hay una genealogía.

Alguien tuvo que ser lo bastante salvaje primero.

Y muchos de los que llegaron después simplemente empujaron aquella puerta un poco más lejos.

«GRACELESS» YA TIENE LA CARRETERA ESPERÁNDOLO

Mientras el podcast se mueve entre bromas, música y actualidad, Suicide Silence tiene algo mucho más serio esperando al otro lado:

una nueva etapa de directo.

La gira Reminders of Hell llevará a la banda por Norteamérica a partir de noviembre, con nombres como Emmure, AngelMaker y Synestia acompañando diferentes fechas.

No es una gira montada alrededor de la nostalgia.

Es una gira que llega justo cuando Graceless está a punto de caer.

Y eso cambia completamente el escenario.

La banda no está simplemente repasando su pasado.

Está entrando en la carretera con canciones nuevas.

DOS DÉCADAS DESPUÉS, TODAVÍA HAY ALGO QUE DEMOSTRAR

Suicide Silence lleva desde comienzos de los años 2000 ocupando una posición incómoda dentro del metal extremo.

Demasiado grandes para seguir siendo una banda exclusivamente underground.

Demasiado agresivos para convertirse en un producto convencional.

Demasiado marcados por su propia historia como para fingir que cada disco empieza desde cero.

Han pasado por cambios de formación, polémicas, transformaciones musicales y diferentes etapas de la escena.

Y siguen aquí.

Eso quizá sea lo más importante que revela este nuevo episodio.

No necesitan inventarse una nueva personalidad.

Necesitan seguir teniendo algo que decir.

Y, por lo visto, todavía lo tienen.

EL DEATHCORE NO ESTÁ MIRANDO AL PASADO

Hay una imagen equivocada del deathcore que lo presenta como una fotografía congelada de los años 2000.

Suicide Silence está demostrando exactamente lo contrario.

Mientras preparan Graceless, hablan de slam, reaccionan a movimientos de Slipknot, recuerdan a pioneros como Venom, recuperan experiencias de carretera y se preparan para volver a los escenarios, la escena continúa moviéndose alrededor de ellos.

No es una cuestión de nostalgia.

Es evolución.

El monstruo cambió de forma.

Pero sigue respirando.

Y cuando Suicide Silence se sienta delante de un micrófono para hablar de lo que está ocurriendo alrededor, queda claro que todavía están dentro de la pelea.

No como espectadores.

Como parte del ruido.

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

EL DEATHCORE NO HA DICHO SU ÚLTIMA PALABRA.

Y SUICIDE SILENCE TODAVÍA TIENE LOS DIENTES AFILADOS.

Black Label Society lleva Name In Blood a los Grammy

STHDMETAL // BLACK LABEL SOCIETY
TONS OF ROCK 2026 // ZAKK WYLDE
Birgit Fostervold · Wikimedia Commons · CC BY-SA 4.0
OSLO, NORWAY · 27.06.2026 · THE ANGEL OF NOISE

 

ZAKK WYLDE PONE «NAME IN BLOOD» SOBRE LA MESA DE LOS GRAMMY: BLACK LABEL SOCIETY VA A POR EL METAL SIN LEVANTAR EL PIE DEL ACELERADOR

Hay canciones que llegan para presentar un disco.

Y hay canciones que funcionan como una declaración de intenciones.

«Name In Blood» pertenece a la segunda categoría.

STHDMETAL // ZAKK WYLDE // NAME IN BLOOD
Black Label Society ha puesto oficialmente el tema en circulación dentro de su campaña For Your Grammy Consideration, presentándolo para ser tenido en cuenta en la categoría de Mejor Interpretación Metal de los próximos Grammy.

La candidatura todavía no significa nominación.

Pero sí coloca el nombre de Zakk Wylde y Black Label Society dentro de la conversación previa a la selección definitiva. La categoría reconoce la excelencia artística en una interpretación de metal y en la última edición celebrada el ganador fue Turnstile con «BIRDS».

Y esta vez BLS llega con una canción que ya nació con la maquinaria pesada funcionando a máxima presión.

«NAME IN BLOOD» ABRIÓ EL CAMINO

El tema apareció como adelanto de Engines Of Demolition y terminó ocupando el primer puesto del álbum, publicado mundialmente el 27 de marzo de 2026.

No fue un regreso cualquiera.

El disco rompió un silencio discográfico de cinco años desde Doom Crew Inc. y se convirtió en el duodécimo álbum de estudio de Black Label Society.

«Name In Blood» ya había sido presentado como uno de los grandes golpes iniciales de esta nueva etapa.

Ahora la banda quiere que también sea evaluado en el escenario más importante de la industria estadounidense.

ZAKK WYLDE NO NECESITA CAMBIAR DE PIEL

La apuesta tiene sentido precisamente porque Black Label Society no ha intentado disfrazarse para entrar en ninguna conversación.

El ADN sigue intacto: riffs gruesos, guitarras con peso, melodía, groove y esa mezcla entre músculo de heavy metal y sensibilidad bluesera que Zakk Wylde lleva décadas convirtiendo en una firma personal.

La propia banda define Engines Of Demolition como un trabajo construido alrededor de riffs demoledores, solos cargados de emoción y una combinación de contundencia y sentimiento que forma parte de su identidad.

Y «Name In Blood» está colocado justo en la puerta de entrada.

Primero golpea.

Después deja que la guitarra termine la frase.

CINCO AÑOS DE ESPERA Y UNA MÁQUINA QUE VOLVIÓ A ARRANCAR

El nuevo álbum no apareció de la noche a la mañana.

Wylde comenzó a trabajar en el material en 2022, mientras estaba inmerso en sus compromisos con la gira de celebración de Pantera, y continuó desarrollándolo durante los años siguientes.

El resultado fue un proceso mucho más largo de lo previsto.

Según explicó el propio guitarrista, las pausas entre giras terminaron convirtiéndose en sesiones de composición y grabación hasta que aquella colección de ideas acabó transformándose en Engines Of Demolition.

Y el disco acabó adquiriendo además una dimensión emocional inesperada.

EL ÁLBUM TAMBIÉN GUARDA A OZZY

Si «Name In Blood» representa el puñetazo inicial, «Ozzy's Song» es probablemente la herida abierta que aparece al final.

La canción fue escrita después de la muerte de Ozzy Osbourne en julio de 2025. Wylde ya tenía compuesta la música, pero regresó a las letras después de la pérdida de quien había sido su jefe, compañero y una de las figuras fundamentales de su propia carrera.

La relación entre ambos se remonta a 1987, cuando Ozzy eligió a Wylde para incorporarse a su banda.

Casi cuatro décadas después, esa historia terminó entrando directamente en un álbum de Black Label Society.

Pero «Name In Blood» ocupa otro territorio.

No mira atrás.

Es el tema que abre la puerta y deja claro que BLS todavía quiere sonar enorme.

UNA CAMPAÑA QUE VA MÁS ALLÁ DE UN SINGLE

La presentación para consideración de los Grammy llega además en un momento de actividad intensa para Black Label Society.

El grupo ha regresado a los escenarios con una nueva gira y el álbum ha llevado a Wylde, John DeServio, Jeff Fabb y Dario Lorina por una nueva etapa internacional. La propia banda mantiene actualmente fechas de directo en Norteamérica, México, Reino Unido y Europa.

Y mientras el directo mantiene la máquina funcionando, «Name In Blood» empieza ahora otra carrera.

Una mucho más institucional.

La de conseguir suficientes apoyos para transformar una consideración en una nominación oficial.

Y ahí la batalla todavía está abierta.

LOS GRAMMY TODAVÍA NO HAN DICHO LA ÚLTIMA PALABRA

Conviene separar las dos cosas.

Black Label Society está haciendo campaña para que «Name In Blood» sea considerado.

Eso no significa que ya esté nominado.

La Academia tendrá que seleccionar posteriormente las grabaciones que competirán oficialmente por el premio.

Pero hay algo que sí está claro:

Zakk Wylde ha puesto uno de sus nuevos cartuchos sobre la mesa.

Y lo ha hecho con una canción que abre un disco nacido después de cinco años de espera, construido entre giras, pérdidas personales y kilómetros de carretera.

No necesita convertirse en otra cosa para entrar en la conversación.

Tiene que conseguir que los votantes escuchen el riff.

Después, que decidan.

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«NAME IN BLOOD» ya ha sido disparada.
Ahora falta saber hasta dónde llegará la bala.

Slash recibe el Les Paul Spirit Award 2026

STHDMETAL // SLASH — LES PAUL SPIRIT AWARD 2026
LES PAUL FOUNDATION // THE ANGEL OF NOISE
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SLASH RECIBE EL LEGADO DE LES PAUL EN SUS PROPIAS MANOS: UN PREMIO NACIDO DEL ESTUDIO DONDE LA HISTORIA CAMBIÓ DE SONIDO

Hay premios que se entregan y se guardan en una estantería.

Y luego están los que llevan dentro una parte de la historia que representan.

Slash acaba de recibir uno de esos.

El guitarrista fue distinguido el 5 de octubre de 2026 en Hollywood con el Les Paul Spirit Award, un reconocimiento concedido por la Les Paul Foundation junto a Gibson Gives para celebrar a artistas que mantienen vivo el espíritu de creatividad, innovación y exploración que definió a Les Paul. La ceremonia tuvo lugar en el Les Paul Recording Studio, en Universal Master Recordings.

Pero aquí está la parte que hace que este premio sea mucho más que una simple placa con un nombre famoso.

EL PREMIO ESTÁ HECHO CON HISTORIA

El trofeo entregado a Slash fue construido utilizando tablas acústicas que Les Paul talló personalmente y empleó en su propio estudio doméstico de grabación.

No existe una colección industrial de estos premios fabricados todos iguales.

Cada pieza utiliza material auténtico procedente de aquel universo creativo y, por eso, cada reconocimiento es diferente.

Slash no recibió simplemente un premio que lleva el nombre de Les Paul.

Recibió un fragmento físico del lugar donde Les Paul experimentó, construyó y grabó.

Y eso cambia completamente el significado de la ceremonia.

DOS GUITARRISTAS, UNA MISMA CURIOSIDAD

La conexión entre ambos tampoco empezó con este reconocimiento.

Slash conoció personalmente a Les Paul, mantuvo una amistad con él y compartió música con el legendario inventor y guitarrista.

Por eso, cuando Slash habló del premio, no se limitó a reivindicar su influencia musical.

Puso el foco en algo que considera todavía más importante: la capacidad de Les Paul para imaginar cosas que todavía no existían.

Para Slash, Les Paul no fue únicamente un guitarrista extraordinario. Fue un inventor que modificó la propia concepción del instrumento y desarrolló nuevas posibilidades para grabar y construir música.

Y ahí está probablemente el verdadero motivo por el que este premio encaja con Slash.

Porque la historia de Slash tampoco puede reducirse a un sombrero, una Gibson y unos riffs imposibles.

EL HOMBRE DEL SOMBRERO SIGUE MOVIÉNDOSE

Desde Guns N' Roses hasta Velvet Revolver, Slash's Snakepit y su trabajo con Myles Kennedy & The Conspirators, Slash ha pasado décadas convirtiendo una identidad sonora reconocible al instante en una carrera que continúa expandiéndose.

Su álbum Orgy of the Damned, publicado en 2024, demostró además que todavía podía apartarse de la autopista principal y volver a terrenos profundamente ligados al blues. El disco permaneció 13 semanas en el número uno de la lista Billboard Blues Albums.

Y ahora llega el siguiente capítulo.

«FLYING BLIND» YA ESTÁ EN EL HORIZONTE

Durante la misma visita al estudio de Les Paul se realizó una escucha previa de cuatro canciones del próximo disco de Slash Featuring Myles Kennedy & The Conspirators:

«Good Time Girl», «One of Your Kind», «Flying Blind» y «Looking for a Miracle».

El álbum se titulará Flying Blind y está previsto para el 26 de febrero de 2027 a través de Gibson Records.

El trabajo fue grabado en gran medida en directo junto al productor Michael “Elvis” Baskette, buscando conservar precisamente esa sensación de banda tocando junta, sin convertir cada canción en una pieza excesivamente pulida.

Después llegará una nueva gira mundial que llevará a Slash y los Conspirators por Latinoamérica, Norteamérica, Reino Unido y Europa.

Así que el premio no llega al final de una etapa.

Llega mientras Slash todavía está escribiendo la siguiente.

EL CÍRCULO SE CIERRA EN HOLLYWOOD

Hay algo especialmente simbólico en el escenario elegido.

Les Paul dedicó buena parte de su vida a demostrar que una guitarra podía ser mucho más que un instrumento: podía convertirse en una herramienta para inventar nuevas formas de grabar, experimentar y construir canciones.

Décadas después, uno de los guitarristas que ayudaron a mantener el rock de guitarra en primera línea recibe un reconocimiento precisamente allí.

Les Paul inventaba. Slash transformaba.

Uno abrió caminos que parecían imposibles.

El otro convirtió algunos de esos caminos en riffs que terminaron perteneciendo a varias generaciones.

Y ahora una parte material del estudio de Les Paul ha acabado en las manos de Slash.

No parece casualidad.

Parece una transmisión de testigo.

STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE

Hay guitarras que hacen historia.
Y hay guitarristas que reciben un pedazo de ella.

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