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martes, 13 de octubre de 2026

DEVOUR: HEIDI SHEPHERD, VOCALISTA DE BUTCHER BABIES, SE ENFRENTA A UNA PESADILLA DE CANÍBALES, VAMPIROS Y METAL

 

DEVOUR: UNA BANDA DE METAL, UN BRUJO Y UN PUEBLO DE CANÍBALES… ¡LA GIRA MÁS SALVAJE DEL AÑO SE CONVIERTE EN UNA MATANZA!

THE ANGEL OF NOISE ©: STHDMETAL

¿Qué puede salir mal cuando una banda femenina de heavy metal se queda tirada en mitad de ninguna parte después de un concierto? En una película convencional, quizá una avería, una noche interminable y un motel de carretera. En DEVOUR, la respuesta es bastante más desagradable: vampiros, caníbales, un hombre lobo y un brujo que parece gobernar un pueblo donde la supervivencia no está precisamente garantizada.

El tráiler de esta película de terror sobrenatural convierte la carretera en una trampa mortal y mezcla criaturas monstruosas, humor negro y música pesada en una historia que apunta directamente a quienes disfrutan del horror sin demasiadas contemplaciones.

Detrás de la película está Scott B. Hansen, director de Bad Candy, con un guion escrito junto a Desiree Connell. La propuesta combina terror de criaturas y cultura metalera en una noche que amenaza con terminar mucho peor de lo que empezó.

CUANDO LOS FANS TERMINAN EN EL MENÚ

La historia sigue a una banda femenina de heavy metal que se encuentra en una situación límite durante una gira. Tras quedarse varadas, sus integrantes buscan ayuda y terminan en una localidad dominada por fuerzas que no parecen precisamente hospitalarias.

El problema no es solamente que el lugar esconda secretos. Allí hay caníbales, vampiros, un hombre lobo y un brujo dispuesto a convertir la noche en una auténtica carnicería.

El tráiler deja claro que estos personajes no son simples amenazas que aparecen entre sombras: algunos tienen una relación bastante peculiar con el mundo de la música. Una de las escenas juega con la preocupación por los seguidores de la banda y la posibilidad de que acaben devorados antes de poder asistir a otro concierto.

La lógica es tan macabra como absurda: si te comes a todos los fans, ¿quién va a comprar entradas para el siguiente bolo?

Ese humor negro es uno de los ingredientes que diferencian DEVOUR de una propuesta de terror más convencional. Aquí, el peligro sobrenatural convive con diálogos descarados y situaciones deliberadamente grotescas.

UN BRUJO, CRIATURAS SOBRENATURALES Y NOVECIENTOS AÑOS DE PESADILLA

El avance también presenta personajes que parecen llevar siglos jugando con las reglas de la vida y la muerte. Una de las frases más llamativas alude a alguien que asegura llevar vivo novecientos años, una declaración que encaja con el universo de criaturas que rodea a la película.

A partir de ahí, la historia introduce referencias a poderes oscuros, objetos con una función siniestra y una amenaza que parece necesitar alimentarse para continuar existiendo.

La carretera deja de ser una vía de escape y el pueblo se convierte en un territorio donde las protagonistas tendrán que averiguar qué está ocurriendo antes de que sea demasiado tarde.

No todo depende de la fuerza física. Para sobrevivir, la banda tendrá que enfrentarse a un mundo en el que las criaturas sobrenaturales juegan con ventaja y las reglas habituales dejan de servir.

HEIDI SHEPHERD: EL METAL TAMBIÉN TIENE SU SITIO EN ESTA PESADILLA

Uno de los nombres que más interés despierta entre los seguidores del género es Heidi Shepherd, vocalista de Butcher Babies, que forma parte del reparto interpretando a Kate.

Su presencia refuerza el vínculo de la película con la escena metalera. No se trata simplemente de colocar guitarras distorsionadas en una banda sonora de terror: la propia banda protagonista es el centro de la historia y el punto de partida de todo el desastre.

La película cuenta además con KateLynn E. Newberry, Gus Langley, Alex Lucchesi, Chelsea LeSage y Gaven Wilde, entre otros intérpretes.

Y el proyecto tiene más conexiones con el mundo del metal. La información publicada sobre la producción también señala la participación de músicos de la escena pesada, entre ellos Randy Blythe, de Lamb of God; Alissa White-Gluz, vinculada a Arch Enemy; Dallas Taylor, conocido por Underoath y Maylene and the Sons of Disaster; y Lajon Witherspoon, de Sevendust.

Una combinación que convierte DEVOUR en una propuesta especialmente llamativa para quienes disfrutan del terror y siguen de cerca a sus músicos favoritos.

SCOTT B. HANSEN Y UNA NOCHE PARA SOBREVIVIR A CUALQUIER PRECIO

Scott B. Hansen dirige esta mezcla de terror, acción y elementos sobrenaturales. La película apuesta por reunir varias criaturas clásicas del género en un mismo escenario y someter a sus protagonistas a una sucesión de amenazas.

El resultado que promete el tráiler es una combinación de violencia fantástica, humor macabro y espíritu de serie B, con una banda de metal atrapada en un lugar donde cada encuentro puede convertirse en el último.

No es una historia de músicos que se limitan a tocar mientras el peligro ocurre a su alrededor. En DEVOUR, la gira se convierte en una lucha por salir con vida y el escenario más peligroso no está bajo los focos, sino en una carretera perdida.

¿CUÁNDO SE ESTRENA DEVOUR EN ESPAÑA?

La película tiene anunciado su lanzamiento en plataformas digitales y vídeo bajo demanda a partir del 13 de octubre de 2026, además de exhibiciones en cines seleccionados según la información de distribución estadounidense.

Por ahora, no consta una fecha española confirmada ni un anuncio oficial de estreno en salas comerciales de España. La fecha digital internacional no garantiza que pueda alquilarse o comprarse desde España ese mismo día; dependerá de la distribución territorial y de las plataformas disponibles.

Por tanto, para el público español, lo más prudente es mantener el estreno local como pendiente de confirmación.

EL TRÁILER OFICIAL

DEVOUR pone sobre la mesa una combinación explosiva: heavy metal, criaturas sobrenaturales, humor negro y una banda que descubre que algunos pueblos esconden mucho más que malas carreteras.

Si te gustan el terror de monstruos, las historias salvajes y el metal con los amplificadores a tope, esta pesadilla puede tener todos los ingredientes para llamar tu atención.

Tráiler oficial — DEVOUR (2026)

https://youtu.be/GC7Si4SI4tI

© 2026 STHDMETAL — THE ANGEL OF NOISE. Todos los derechos reservados.

EL EXORCISTA: MÁRTIRES — SCARLETT JOHANSSON SE ADENTRA EN UNA PESADILLA SATÁNICA DONDE LOS ASESINOS EN SERIE PODRÍAN NO ESTAR SOLOS

THE ANGEL OF NOISE ©: STHDMETAL

Hay crímenes que estremecen por su brutalidad. Otros dejan preguntas que nadie consigue responder. Y después está la posibilidad más aterradora de todas: que el mal que se esconde detrás de algunos asesinatos no pertenezca únicamente al mundo de los vivos.

El primer tráiler de The Exorcist: Martyrs ya ha puesto sobre la mesa una combinación inquietante de investigación criminal, imaginería religiosa y terror sobrenatural. Al frente aparece Scarlett Johansson, convertida en una detective de Nueva York que tendrá que regresar a un caso que creía enterrado para descubrir que la oscuridad quizá nunca desapareció.

La película está escrita y dirigida por Mike Flanagan, cineasta conocido por títulos como Doctor Sueño, Misa de medianoche y La maldición de Hill House. Su nueva incursión en el terror recupera una de las franquicias más reconocibles del género, pero desplaza el centro de la pesadilla hacia una investigación policial marcada por asesinatos, confesiones perturbadoras y una posible conexión demoníaca.

UN ASESINATO EN UNA CRIPTA Y UN NOMBRE ESCRITO CON SANGRE

La historia nos presenta a Julie Miller, detective que trece años atrás puso fin al reinado de terror de Father Sunday, un asesino en serie satánico cuya sombra continúa proyectándose sobre su vida.

Aquel caso convirtió a Miller en una heroína, pero la tranquilidad resulta ser una ilusión. Un nuevo crimen sacude los cimientos de su mundo: un asesino deja el nombre de la detective escrito con la sangre de un monaguillo en las paredes de una cripta religiosa.

No es una amenaza anónima. Es un mensaje dirigido a ella.

La investigación obliga a Julie a enfrentarse a recuerdos que creía haber dejado atrás y a una sucesión de pistas que parecen conducir hacia algo mucho más siniestro que un homicida convencional. El pasado vuelve a abrirse como una herida y, esta vez, las respuestas podrían poner en peligro a las personas que más quiere.

H. H. HOLMES, EL ZODIACO Y LA FRONTERA ENTRE EL CRIMEN Y LO DEMONÍACO

Uno de los elementos más perturbadores del avance es la conexión que plantea entre diferentes asesinos en serie y sus supuestas afirmaciones de estar poseídos.

La investigación apunta a una especie de hilo que enlaza figuras criminales de distintas épocas, desde H. H. Holmes hasta el asesino conocido como Zodiac. La película juega así con una pregunta incómoda: ¿qué ocurre cuando un investigador deja de contemplar la maldad únicamente como un fenómeno humano?

La presencia de relatos de posesión introduce un terreno resbaladizo donde las confesiones, las creencias religiosas y las explicaciones sobrenaturales amenazan con mezclarse. La historia no se limita a mostrar escenas macabras; utiliza el propio proceso de investigación para sembrar dudas sobre aquello que podría estar actuando detrás de los crímenes.

Y ahí reside buena parte de su gancho: el espectador tendrá que seguir las pistas junto a la detective mientras la posibilidad de una explicación racional empieza a convivir con otra mucho más aterradora.

UN SACERDOTE CON UNA CONFESIÓN QUE PODRÍA CAMBIARLO TODO

En esta investigación, Julie contará con la ayuda del padre William, antiguo capellán penitenciario que escuchó la confesión final de Father Sunday. Su conocimiento del asesino podría resultar decisivo para comprender la nueva cadena de acontecimientos.

También participará Gina Restrepo, una joven detective que se incorpora al caso y deberá abrirse camino en una investigación donde cada descubrimiento parece conducir a un territorio más oscuro.

El reparto reúne además a Chiwetel Ejiofor, Diane Lane, Sasha Calle, Laurence Fishburne y John Leguizamo, que interpreta a Father Sunday. Leguizamo encarna una figura central para el misterio: un hombre cuya historia podría no haber terminado con su caída.

La película también incluye a Jacobi Jupe como Max, el hijo de Julie, un vínculo familiar que eleva las apuestas emocionales de la investigación. Porque cuando el horror deja de perseguir únicamente a una detective y amenaza con alcanzar a su propia familia, el caso se convierte en algo mucho más personal.

MIKE FLANAGAN REGRESA AL TERRITORIO DONDE LA FE SE CONVIERTE EN MIEDO

Flanagan se enfrenta a una franquicia con una enorme huella en la historia del cine de terror. La sombra de la película original de El exorcista sigue siendo alargada, pero Martyrs plantea una historia nueva dentro de ese universo, sin presentarse como una continuación directa de El exorcista: Creyente.

El tráiler apuesta por una atmósfera opresiva, escenas criminales inquietantes, sonidos distorsionados y una presencia demoníaca que se insinúa sin revelar todas sus cartas. La investigación policial funciona como columna vertebral, mientras el componente religioso añade una dimensión de amenaza que podría superar cualquier explicación convencional.

La pregunta no es solamente quién está cometiendo los asesinatos. También es qué significa realmente la conexión que la detective está descubriendo y hasta dónde puede llegar.

FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 DE MARZO DE 2027

La fecha anunciada para el estreno en cines españoles es el 12 de marzo de 2027. La película está protagonizada por Scarlett Johansson y cuenta con Mike Flanagan como guionista y director.

El avance ya ha dejado una advertencia sobre la mesa: la oscuridad no siempre permanece enterrada y algunas investigaciones pueden acabar abriendo puertas que nadie debería cruzar.

Tráiler oficial — The Exorcist: Martyrs

https://youtu.be/iIEYfH-jg1Y

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DEAD POET SOCIETY SE ADENTRAN EN SU ETAPA MÁS OSCURA Y JACK UNDERKOFLER ADMITE QUE HUBO UN MOMENTO EN QUE TUVO QUE PLANTARSE

THE ANGEL OF NOISE ©: STHDMETAL — CUANDO CEDER YA NO ES UNA OPCIÓN

Dead Poet Society atraviesan una etapa en la que las canciones nacen de experiencias difíciles, las guitarras aprietan más y las decisiones creativas pueden convertirse en auténticas batallas. Su vocalista, Jack Underkofler, ha hablado de todo ello en una entrevista con Sylvia para COP 92.3, en Las Vegas, donde también ha confirmado una noticia de enorme calibre para la banda: compartir escenario con Muse como teloneros directos.

El grupo acaba de publicar Monarch, su tercer álbum, el 2 de octubre de 2026. Y, por lo que cuenta Underkofler, no ha sido precisamente un camino de rosas.

MUSE LLAMA A LA PUERTA Y LA BANDA NO SE LO PIENSA DOS VECES

La noticia de la gira con Muse pilló al grupo entre la incredulidad, la emoción y el pánico. Según relató el cantante, su representante les escribió aproximadamente un mes antes para advertirles de que existía un 50 % de posibilidades de conseguir el puesto de teloneros directos de la banda británica.

La confirmación terminó llegando y Dead Poet Society tuvo que reorganizar parte de su calendario, cancelando algunos conciertos y aplazando otros.

Underkofler no escondió la magnitud del momento. Hasta entonces, su experiencia con Muse se había limitado a coincidir con ellos en un evento en Suecia, donde el grupo tocó muchas horas antes de su actuación. Aquello no fue comparable a lo que ahora tienen por delante: ser los únicos teloneros y actuar directamente antes de Muse.

El vocalista reconoció que lamentaban decepcionar a quienes se vieran afectados por los cambios de fechas, pero dejó clara la decisión: cuando Muse llama, rechazar la oportunidad no entra fácilmente en los planes.

«SINNER SYSTEMS»: MÁS OSCURIDAD, PERO SIN CONVERTIRSE EN OTRA BANDA

Uno de los temas que centró la conversación fue «Sinner Systems», una de las canciones más pesadas de Monarch. Sylvia señaló que el tema le recordaba a Deftones por su atmósfera oscura y contundente.

Underkofler explicó que Dead Poet Society siempre han jugado con sonidos pesados, aunque durante la grabación muchas veces acababan perdiendo parte de la fuerza que buscaban. Esta vez sintieron que debían llevar ese enfoque más lejos.

Pero hay una frontera que no quieren cruzar: no desean convertirse en una banda exclusivamente pesada.

Su identidad se encuentra precisamente en esa tensión entre estilos. Les interesa tomar elementos de otros géneros, aprovechar su potencia y mezclarlos con su propia personalidad, sin quedar encerrados en una fórmula. El objetivo es mantener la sorpresa y evitar que las canciones se conviertan en una sucesión previsible de golpes de guitarra.

«COLD»: EL PRECIO DE VIVIR PENDIENTE DE LA APROBACIÓN AJENA

Otro de los momentos destacados fue la conversación sobre «Cold», una canción que aborda a las personas que actúan constantemente para conseguir la aceptación de los demás.

La entrevistadora recuperó una explicación de Will, compañero de banda de Underkofler, sobre esa necesidad de representar un papel ante los demás. El cantante coincidió con esa lectura y reconoció que la canción conecta con una realidad reconocible: casi todo el mundo conoce a alguien atrapado en esa dinámica o ha pasado por ella personalmente.

La dureza del tema no reside únicamente en su sonido. También está en la idea que plantea: vivir buscando aprobación puede terminar convirtiendo la propia identidad en una actuación permanente.

JACK UNDERKOFLER SE PLANTA: «LO HACEMOS ASÍ O ME DESENTIENDO DE ESTA CANCIÓN»

Si hay una historia que explica el proceso creativo de Monarch, es la batalla alrededor de «Lost».

Underkofler contó que, al comenzar la grabación, la canción empezó a alejarse de la progresión y de la sensación que él quería preservar. Normalmente, intenta escuchar las propuestas de los demás porque sabe que una idea ajena puede mejorar la suya. Sin embargo, esta vez sintió que los cambios estaban desfigurando algo esencial.

Llegó un punto en el que tuvo que marcar un límite: o la canción mantenía aquella dirección, o él dejaba de implicarse en ella.

No fue una postura fácil. El cantante admitió que puede perder confianza cuando es el único que defiende una idea, especialmente durante esos días de incertidumbre en los que todavía no sabe si los demás terminarán comprendiendo lo que intenta conseguir.

Finalmente, su insistencia dio resultado. Y la discusión acabó convirtiéndose en una negociación creativa más amplia: otros miembros también defendieron sus propias ideas en distintas canciones. Para Underkofler, ese intercambio terminó siendo saludable.

No se trataba de ganar una pelea, sino de impedir que una canción perdiera aquello que la hacía especial.

UNA ETAPA OSCURA QUE NO QUISIERON DISFRAZAR

El cantante reconoció que Monarch es un álbum más oscuro, pero aseguró que no hubo un plan rígido para convertirlo en un disco sombrío. La banda quería crear algo que siguiera convenciéndoles cuando pudieran mirar atrás después de su publicación.

Las experiencias personales de los últimos años terminaron filtrándose en las composiciones. Underkofler explicó que tuvo que afrontar situaciones para las que no estaba preparado y que las canciones reflejan parte de ese estado emocional. También recalcó que el resultado es colectivo: él y el otro Jack escriben buena parte de la música, pero el trabajo implica a toda la banda.

Su postura es clara: sentir oscuridad no significa que haya que esconderla al escribir. En ocasiones, reconocerla y trabajar desde ella permite crear algo mucho más honesto que intentar fingir que todo está bien.

Con este tercer álbum, además, el grupo sintió menos presión psicológica que durante sus primeros trabajos. Ya habían superado parte de las inseguridades habituales de publicar un primer o segundo disco y pudieron concentrarse en intentar hacer algo que les pareciera extraordinario.

UN DISCO QUE DIVIDE A LOS FANS… Y ESO LE ENCANTA

Con el álbum ya publicado, Underkofler confesó sentir alivio. Pero hay algo que le gusta especialmente: la reacción polarizada de los seguidores.

Según explicó, algunos fans ordenan las canciones de mejor a peor de una manera, mientras que otros colocan esos mismos temas prácticamente en el orden inverso. Una canción que alguien detesta puede convertirse en la favorita de otra persona.

Lejos de verlo como un problema, el cantante disfruta de esa diversidad de opiniones. Para él, demuestra que Monarch no provoca una única respuesta ni obliga a escuchar el disco de una sola manera.

También aclaró que, en el momento de la entrevista, la gira todavía no había arrancado como tal. La banda había tocado en un festival, donde estrenó en directo «Cold» y «Roach», pero estaba demasiado concentrada en ejecutar correctamente las nuevas canciones como para evaluar la reacción del público.

JACK TAMBIÉN QUIERE METER LAS MANOS EN EL LENGUAJE VISUAL

La conversación abordó otra faceta de Underkofler: la dirección de videoclips.

El cantante explicó que «Roach» fue el primer vídeo que dirigió y que «Nicole» fue el segundo. Aunque asumió la dirección creativa y desarrolló el concepto, quiso reconocer el trabajo de Alex, de Blackwolf Imaging, y del equipo que hizo posible materializar sus ideas.

La inspiración surgió, en parte, de unas sesiones fotográficas con Chandler, fotógrafo de la banda. Underkofler buscaba una estética inquietante, con referencias visuales de mediados del siglo XX y un componente cercano al terror. Aquellas pruebas terminaron dándole una imagen mental bastante clara de lo que quería para el videoclip de «Roach».

Descubrió que disfrutaba moldeando cada plano hasta acercarlo a lo que imaginaba. No descarta repetir la experiencia, aunque bromeó con que las numerosas opiniones que intervienen en una producción hacen improbable que termine controlándolo absolutamente todo.

LAS VEGAS, MUSE Y EL SIGUIENTE ASALTO

Dead Poet Society tienen ahora por delante el reto de defender Monarch en directo y afrontar una oportunidad que puede ampliar considerablemente su exposición ante nuevos públicos: acompañar a Muse como teloneros directos.

El álbum muestra a una banda dispuesta a explorar sonidos más oscuros sin renunciar a su identidad, mientras su vocalista aprende a defender sus convicciones creativas sin cerrar la puerta a las ideas de los demás.

Y quizá ahí esté el verdadero núcleo de esta etapa: saber cuándo escuchar, cuándo cambiar de rumbo y cuándo decir basta.

Porque una canción también puede perder su alma si todo el mundo intenta corregirla. Y Jack Underkofler ya ha demostrado que, cuando cree que una idea merece sobrevivir, está dispuesto a plantarse.

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 FUENTES OFICIALES Y ENTREVISTA


W.A.S.P. LE DA A HITLER UNA SESIÓN DE ALTO VOLTAJE: ¡BLACKIE LAWLESS LE SUBE LOS PLOMOS AL TERCER REICH!

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Captura del espectáculo de W.A.S.P. con la representación escénica de Adolf Hitler
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Hay espectáculos que se disfrutan con los oídos. Otros te obligan a levantar la cabeza, mirar las pantallas y preguntarte qué demonios acaba de aparecer sobre el escenario. W.A.S.P. pertenece a esa segunda categoría, y su nueva puesta en escena acaba de poner una imagen de las que no pasan precisamente desapercibidas en mitad de un concierto.

El protagonista de esta sacudida visual es Adolf Hitler, representado en una secuencia de ejecución mediante una silla eléctrica. La imagen, proyectada a gran tamaño, convierte el fondo del escenario en una escena deliberadamente incómoda: una recreación de la muerte del dictador nazi que desplaza durante unos instantes el foco desde la música hacia el impacto de lo que aparece en pantalla.

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El vídeo de directo que circula por YouTube permite hacerse una idea del montaje. No hablamos de un simple juego de luces ni de una animación decorativa para rellenar los espacios entre músicos. La imagen busca imponerse, provocar una reacción y dejar una escena grabada en la memoria del espectador.

BLACKIE LAWLESS Y EL ROCK QUE NUNCA FUE DECORACIÓN

A estas alturas, sorprenderse de que W.A.S.P. apueste por una presentación teatral sería olvidar buena parte de la historia del grupo. Desde sus primeros años, la banda liderada por Blackie Lawless convirtió el exceso escénico en una de sus señas de identidad. El impacto visual siempre ha formado parte de su manera de entender el espectáculo.

La actual gira norteamericana, «1984 To Headless», recupera material de los cuatro primeros discos y promete trasladar al escenario el universo visual de aquella etapa. La propia banda anunció que las portadas y elementos de esos álbumes cobrarían vida durante los conciertos. <Link url="https://www.waspnation.com/blog" title="Anuncio oficial de la gira"/>.

La aparición de Hitler en la silla eléctrica encaja en ese terreno de imágenes extremas, aunque conviene no atribuirle una explicación política concreta sin una declaración directa de la banda sobre esta secuencia. Lo que sí resulta evidente en el material difundido es la apuesta por una representación provocadora que no pretende pasar inadvertida.

UNA IMAGEN QUE SE QUEDA PEGADA A LA RETINA

La electricidad, la silla y la figura de uno de los dictadores más sanguinarios de la historia forman una combinación visual cargada de simbolismo. No es una estampa amable ni busca serlo. Es una imagen concebida para golpear al público desde las pantallas, mientras el concierto continúa desarrollándose ante él.

Y ahí aparece la pregunta inevitable: ¿hasta dónde puede llegar el espectáculo cuando la provocación se convierte en parte esencial de la experiencia en directo?

W.A.S.P. lleva décadas moviéndose por ese territorio donde el rock teatral, la exageración y la controversia se cruzan sin pedir permiso. Esta secuencia vuelve a poner sobre la mesa el poder de las imágenes en un concierto: pueden reforzar una canción, cambiar la atmósfera de un recinto o terminar acaparando todas las conversaciones posteriores.

¿Impacto visual demoledor o provocación llevada al límite? Que cada cual saque sus conclusiones después de ver las imágenes.

Una cosa está clara: cuando W.A.S.P. decide convertir el escenario en un espectáculo de alto voltaje, no siempre basta con escuchar. A veces también hay que mirar de frente.


VÍDEO EN DIRECTO: W.A.S.P. — Hitler Electrocution

PUBLICACIÓN RELACIONADA: WASP Nation Official — «Video: W.A.S.P. Hitler stage effect»

Fuentes: vídeo de directo enlazado y publicación de WASP Nation Official. Información de contexto sobre la gira: sitio oficial de W.A.S.P..

lunes, 12 de octubre de 2026

HEIDI SHEPHERD SE ABRE EN CANAL: LA RUPTURA CON CARLA HARVEY, LAS HERIDAS DEL PASADO Y EL RENACER DE BUTCHER BABIES

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BUTCHER BABIES
FEMALE METAL VOICES · LIVE 2018
POTENCIA FEMENINA. METAL SIN DOMESTICAR.
Fotografía: Sven Mandel (Rawpic) · Mannheim, Alemania · 14 de octubre de 2018.
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La vocalista convierte pérdidas, recuerdos dolorosos y años de conflictos interiores en NIGHTBLOOM, un disco que marca un antes y un después para la banda. La separación de su compañera y amiga durante más de dos décadas sigue dejando huella.

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HEIDI SHEPHERD
BUTCHER BABIES · INSTAGRAM OFICIAL
Heidi Shepherd habla de NIGHTBLOOM y de una nueva etapa para Butcher Babies.
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Hay heridas que no se cierran cuando una relación termina. Se quedan dentro, acumulando preguntas, recuerdos y palabras que nunca encontraron su momento. Heidi Shepherd ha decidido enfrentarse a todo ese equipaje emocional a través de la música, y el resultado tiene nombre propio: NIGHTBLOOM, el nuevo álbum de BUTCHER BABIES.

La cantante ha agradecido a SPIN el espacio dedicado al disco y a la transformación que atraviesa el grupo. En su publicación de Instagram, Shepherd describe esta etapa como algo que se siente fresco, pero también natural, y reconoce estar profundamente agradecida por lo que están construyendo.

Detrás de ese mensaje optimista existe una historia bastante más áspera. En una entrevista con SPIN publicada el 6 de octubre de 2026, Heidi habló abiertamente de la pérdida de una amistad de más de veinte años, de sus dificultades personales y de la necesidad de descubrir quién era más allá de las expectativas ajenas. 

CARLA HARVEY: UNA AUSENCIA QUE VA MUCHO MÁS ALLÁ DE LA FORMACIÓN

La salida de Carla Harvey en 2024 cambió el rumbo de BUTCHER BABIES. Las dos vocalistas habían construido juntas una identidad reconocible dentro del metal moderno desde los primeros años del grupo. Su combinación de voces, personalidades y presencia escénica formaba parte del ADN de la banda.

Pero para Shepherd, la separación no significó únicamente continuar sin una compañera de escenario. También supuso afrontar la pérdida de una amiga con la que había compartido más de dos décadas de vida.

En la conversación con SPIN, Heidi reconoció que no esperaba que aquella ruptura le resultara tan dolorosa. La comparó emocionalmente con una muerte y admitió que todavía se pregunta si volverá a encontrar una amistad de esa profundidad.

La cantante no presenta el asunto como una herida resuelta de la noche a la mañana. Lo que transmite es algo mucho más humano: seguir adelante no significa que todo lo anterior deje de importar.

TERAPIA, SILENCIO Y UNA MIRADA DISTINTA AL PASADO

El proceso de creación de NIGHTBLOOM coincidió con una etapa de introspección. Shepherd explicó que recurrió a terapia y que decidió alejarse de las redes sociales durante un año para reducir el ruido exterior y concentrarse en sí misma.

Durante ese proceso afloraron recuerdos y emociones que llevaba mucho tiempo guardando. Entre los asuntos que abordó figuran una relación matrimonial que terminó cuando era joven, las tensiones vinculadas a su educación religiosa, la pérdida de personas importantes y el final de aquella amistad de larga duración.

La escritura se convirtió en una forma de examinar esas experiencias sin fingir que nunca habían ocurrido. El objetivo no era quedarse atrapada en el sufrimiento, sino encontrar otra manera de comprenderlo.

Esa transformación también aparece en su visión de los errores y las rupturas: experiencias que en su momento parecían fracasos pueden adquirir un significado distinto con el paso del tiempo.

NIGHTBLOOM: FLORECER CUANDO TODO PARECE OSCURO

El álbum supone una nueva etapa para BUTCHER BABIES y es el primero sin Harvey en las voces. Shepherd reconoce que el cambio le permitió explorar territorios musicales diferentes, incluidos pasajes más melódicos y composiciones que se apartan de algunas de las fórmulas anteriores del grupo.

Canciones como «Lost in Your Touch», «Sincerity», «Leaving California» y «Broken & Beautiful» forman parte de un trabajo que recorre relaciones rotas, pérdidas, cambios vitales y reconstrucción personal. No todas las canciones tienen por qué corresponder a un único episodio concreto: el disco recoge distintas capas de una vida que la cantante ha comenzado a revisar desde otra perspectiva.

El título funciona como una metáfora de ese proceso: crecer en la oscuridad, cuando las condiciones no parecen favorables y todavía queda mucho por recomponer.

La publicación del álbum, el 2 de octubre de 2026, abre así un capítulo nuevo para el grupo. Shepherd y el guitarrista Henry Flury mantienen su colaboración creativa mientras la formación avanza con una identidad renovada.

UNA NUEVA ETAPA SIN BORRAR LO QUE HUBO ANTES

La historia de NIGHTBLOOM no necesita convertir a nadie en villano para resultar intensa. La salida de Harvey, el dolor de Shepherd y la evolución musical de BUTCHER BABIES son partes de un cambio que ha dejado consecuencias personales y artísticas.

Heidi ha reconocido que todavía le queda camino por recorrer, pero también que se siente más fuerte y con ganas de demostrar lo que puede hacer en esta nueva fase. No intenta vender el pasado como algo sencillo ni presentar la reconstrucción como una victoria instantánea.

Su mensaje es otro: se puede seguir creando después de una pérdida, cambiar de piel sin renegar de la historia y encontrar una voz propia incluso cuando desaparece una parte fundamental de la vida anterior.

A veces, renacer no consiste en recuperar lo que se perdió. Consiste en descubrir qué puedes construir después. Para Heidi Shepherd, ese proceso ya tiene banda sonora: NIGHTBLOOM.

Fuentes: entrevista de SPIN Magazine y publicación de Heidi Shepherd en Instagram.

JAMES HETFIELD LE SUELTA UN ZASCA A LOS MÚSICOS POLITIZADOS: «MENOS GILIPOLLECES Y MÁS HEAVY METAL»

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James Hetfield, vocalista y guitarrista de Metallica

JAMES HETFIELD

NO POLITICS OVER THE HEAVY METAL
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El líder de Metallica agradeció el esfuerzo de los seguidores que viajaron hasta Las Vegas y defendió los conciertos como un espacio para desconectar del ruido exterior.

James Hetfield no necesitó soltar un sermón para dejar clara su postura. Durante el concierto de Metallica del pasado 10 de octubre en el Sphere de Las Vegas, el vocalista se dirigió al público para agradecer a quienes habían viajado, gastado dinero y dedicado tiempo para compartir aquella noche con la banda. Después llegó el mensaje que ha provocado conversación más allá del recinto.

«Metallica no está aquí, como otros artistas, para influenciaros con sus gilipolleces», vino a decir Hetfield, antes de rematar con una declaración que resume su planteamiento: el grupo está allí para ayudar al público a olvidarse, durante un rato, de todo lo que ocurre fuera.

Y cerró con una frase inequívoca: «La agenda de Metallica es amor, energía y heavy metal, baby». 

UN ESCENARIO PARA LA MÚSICA, NO PARA DAR LECCIONES

Hetfield no mencionó nombres ni señaló directamente a ningún músico. Sus palabras, sin embargo, llegan en un momento de debate sobre los artistas que aprovechan los escenarios para expresar posiciones políticas o defender determinadas causas.

La postura que expuso en Las Vegas es que Metallica quiere concentrar la experiencia del concierto en la música y en la conexión con quienes han acudido a verlos. No se trata de una declaración detallada sobre cada conflicto o asunto político, sino de una delimitación del papel que la banda quiere desempeñar ante sus seguidores.

La idea tiene una consecuencia clara: el público acude con opiniones, procedencias y experiencias diferentes, pero durante el espectáculo comparte un mismo espacio. Hetfield reivindicó precisamente esa posibilidad de dejar a un lado, por unas horas, las tensiones del exterior.

UNA POSTURA QUE YA HABÍA EXPRESADO

No es la primera vez que el cantante se distancia de la política. En una entrevista publicada en 2017 por el diario chileno La Tercera, Hetfield explicó que prefería reservarse su opinión sobre Donald Trump. Argumentó entonces que su prioridad era conectar a las personas mediante la música y que los enfrentamientos políticos podían terminar separándolas. 

Casi una década después, su intervención en el Sphere vuelve a poner esa idea sobre la mesa, esta vez directamente frente a los asistentes a un concierto. El matiz importa: Hetfield no presentó una propuesta política alternativa ni identificó a sus posibles destinatarios; habló de lo que Metallica pretende ofrecer desde el escenario.

METALLICA QUIERE QUE EL VOLUMEN LO PONGA LA MÚSICA

En una época en la que cada declaración pública de una figura conocida puede convertirse en una discusión interminable, Hetfield ha elegido expresar su posición sin convertir el concierto en un debate partidista. Sus palabras dejan clara la intención de la banda, aunque no cierran la discusión sobre si los músicos deben pronunciarse sobre los asuntos que consideran importantes.

Para Metallica, al menos en el mensaje transmitido aquella noche, la prioridad está definida: guitarras, potencia, emoción y una multitud reunida para vivir el espectáculo.

La política seguirá ahí cuando se enciendan las luces. Durante el concierto, Hetfield quiere que mande el heavy metal.

Fuente: intervención de James Hetfield durante el concierto de Metallica en el Sphere de Las Vegas, el 10 de octubre de 2026. Ver el vídeo en YouTube.

YNGWIE MALMSTEEN LE DICE «NO» A LAS LEYENDAS: KISS, UFO Y DAVID LEE ROTH QUISIERON SU GUITARRA, PERO EL SUECO VA A SU PUTA BOLA

STHDMETAL // LEGENDARY ● APOCALYPTIC ULTRA
Yngwie Malmsteen actuando en directo en Barcelona en 2009

YNGWIE MALMSTEEN

NEOCLASSICAL SHRED // BARCELONA 2009
Fotografía: Alterna2 / Elizabeth Bathory · Wikimedia Commons
Licencia: CC BY 2.0 · Fuente original
STHDMETAL // THE ANGEL OF NOISE

El virtuoso sueco repasa las ofertas que recibió de grandes nombres del rock, explica por qué prefiere trabajar sin interferencias y desvela las historias personales y las obsesiones cósmicas que alimentan su universo musical.

Yngwie Malmsteen no es precisamente un guitarrista que necesite que nadie le diga cómo tocar. Su carrera lleva más de cuatro décadas girando alrededor de una convicción innegociable: su música tiene que sonar como él la imagina, aunque eso signifique rechazar oportunidades que otros músicos habrían perseguido durante toda su vida.

En una nueva entrevista con eonmusic, el guitarrista sueco vuelve sobre algunos de los capítulos más curiosos de su trayectoria, desde las bandas que intentaron incorporarlo hasta su particular método de composición. Y mientras prepara la llegada de Hell or High Water, su vigesimotercer lanzamiento en solitario según la entrevista, deja claro que la independencia creativa sigue siendo su principal obsesión.

KISS, UFO Y DAVID LEE ROTH: EL GUITARRISTA QUE NO SE DEJÓ FICHAR

La lista de nombres relacionados con Malmsteen parece sacada de una fantasía para cualquier aficionado al rock. El músico cuenta que, cuando todavía vivía en Suecia y era muy joven, empezaron a circular grabaciones suyas entre profesionales de la industria. Aquellas cintas despertaron el interés de diferentes artistas y bandas, y las llamadas no tardaron en llegar.

Una de las anécdotas más surrealistas tiene a KISS como protagonista. Según recuerda, alguien relacionado con el grupo lo contactó y le preguntó si medía seis pies de altura. Malmsteen respondió utilizando el sistema métrico: 1,92 metros. La conversación no avanzó y, según su relato, nunca volvieron a llamarlo. El guitarrista bromea con que se quedó sin la posibilidad de llevar la característica pintura facial del grupo.

La historia con UFO tuvo un desenlace diferente. Phil Mogg quería contar con él para reactivar la banda, pero, mientras Malmsteen valoraba esa posibilidad, apareció otra oferta: la de Alcatrazz, el grupo liderado por Graham Bonnet. Allí las condiciones estaban más definidas y el proyecto contaba con un contrato discográfico. El sueco aceptó, aunque puso dos condiciones: participar en la composición de las canciones y cambiar al batería. Tenía apenas 19 años y ya quería marcar las reglas del juego.

También recibió una propuesta de David Lee Roth después de la separación de este de Van Halen. Malmsteen reconoce que quizá debería haber aceptado, pero estaba centrado en su propia trayectoria y decidió continuar por su cuenta. Steve Vai acabaría ocupando aquel puesto.

En cuanto a Ozzy Osbourne, la entrevista recuerda el interés que despertaron sus grabaciones entre distintos nombres de la escena. Malmsteen explica que sus cintas llegaron a numerosas personas, aunque no presenta todos aquellos contactos como ofertas formales cerradas.

El patrón se repite: oportunidades importantes, nombres históricos y un guitarrista que nunca ha ocultado su necesidad de conservar el control sobre su carrera.

«MI MÚSICA ES MI ARTE»: CERO GANAS DE QUE OTROS LE CAMBIEN EL PLAN

Malmsteen explica que no entiende la creación musical como una obra colectiva que deba repartirse necesariamente entre varias personas. Para él, una composición puede aparecer en su cabeza prácticamente terminada, con melodías, arreglos y detalles que después necesita trasladar al estudio.

Por eso las colaboraciones pueden resultarle incómodas: siente que las aportaciones externas corren el riesgo de diluir la idea original. No cuestiona que otros artistas trabajen en equipo; simplemente sostiene que ese método no encaja con su manera de crear.

Esa filosofía también explica por qué construyó su propio estudio hace más de treinta años. En lugar de gastar los anticipos discográficos en alquilar instalaciones ajenas, decidió invertir en un espacio donde pudiera grabar cuando surgiera una idea, sin depender de horarios ni de terceros.

Su proceso puede empezar con una melodía, una progresión de acordes o una secuencia de arpegios. Después deja reposar la idea y vuelve a escucharla más adelante, buscando aquello que conserva la chispa inicial. Si funciona, comienza a desarrollar los arreglos.

El guitarrista también defiende la espontaneidad. En la entrevista explica que algunos pasajes de Hell or High Water conservaron la primera interpretación porque capturaban exactamente lo que quería transmitir en aquel momento. Para Malmsteen, repetir una toma no siempre significa mejorarla: a veces puede desaparecer la emoción que hizo especial a la original.

PAGANINI, OVNIS Y UNA CABEZA QUE NO SE QUEDA EN LA TIERRA

La influencia de Niccolò Paganini continúa ocupando un lugar central en su identidad musical. Malmsteen lleva desde niño fascinado por la música clásica y por la posibilidad de trasladar a la guitarra eléctrica la velocidad, la precisión y el lenguaje del violín. Esa combinación terminó convirtiéndose en una de las señas de identidad de su metal neoclásico.

Pero sus intereses no se limitan a las partituras. En la conversación también habla de su fascinación por los ovnis y los relatos relacionados con Roswell. Menciona el sistema estelar Zeta Reticuli, asociado en algunas narraciones sobre extraterrestres con los llamados «Grises», y explica que lleva mucho tiempo interesado en estos asuntos.

Cuando le preguntan directamente si cree en los extraterrestres, matiza su postura: no lo plantea simplemente como una creencia cerrada, sino como la idea de que resulta arrogante asumir que somos la única forma de vida inteligente en todo el universo.

Esa curiosidad también aparece en Beyond Zeta Reticuli, una de las canciones que comenta durante la entrevista. En Malmsteen, la guitarra neoclásica y la imaginación cósmica conviven sin pedir permiso: un pie en Paganini y el otro mirando hacia las estrellas.

«FATHER»: EL RECUERDO PERSONAL QUE SE CUELA EN EL NUEVO DISCO

Entre los temas del próximo álbum hay uno con una carga emocional diferente. Father está dedicado a su padre, fallecido a finales del año anterior, según relata el músico en la entrevista.

Malmsteen explica que, aunque sus padres se separaron cuando él era pequeño, la relación con su padre se hizo especialmente cercana cuando ya era adulto. Recuerda que aquel hombre, militar durante gran parte de su vida y posteriormente relacionado con labores de espionaje, tenía una visión musical muy distinta a la suya.

Su padre no terminaba de comprender aquel sonido eléctrico y estridente. Sin embargo, después de verlo actuar en Rusia años atrás, le reconoció que finalmente entendía lo que hacía sobre el escenario. Para el guitarrista, aquel momento quedó grabado en su memoria.

Así, Father añade una dimensión íntima a un disco que también incluye velocidad, arreglos orquestales, referencias clásicas y letras que pueden interpretarse de distintas maneras.

UN NUEVO DISCO Y UNA AGENDA QUE NO PIENSA FRENAR

Hell or High Water tiene previsto su lanzamiento para el 13 de noviembre de 2026. Malmsteen explica que el trabajo estaba terminado desde meses antes y que el calendario de publicación dependía después de la planificación del sello discográfico.

El músico también adelanta que trabaja en un proyecto filmado durante un concierto conmemorativo junto a la Grand Philharmonic en Japón. Además, señala que tiene actuaciones previstas en Estados Unidos antes de cerrar el año y que espera un calendario de giras muy intenso para 2027.

Sus conciertos tampoco siguen siempre un guion rígido. Según cuenta, modifica los repertorios incluso después de que la banda haya recibido una lista preparada, atendiendo a la respuesta del público y a lo que siente que funciona en cada noche.

Y ahí aparece, de nuevo, el mismo Malmsteen: un guitarrista que quiere decidir qué toca, cómo lo graba, qué entra en sus discos y cuándo cambia de dirección.

Puede que KISS se quedara sin su fichaje, que UFO no llegara a convencerlo y que David Lee Roth tuviera que buscar a otro virtuoso. Pero Malmsteen sigue fiel a su propia ruta. En su universo, la guitarra no es una pieza que se coloca al servicio de una maquinaria ajena: es el centro de una visión artística que lleva décadas defendiendo a su manera.

FUENTE: Entrevista de Eamon O’Neill a Yngwie Malmsteen en eonmusic, publicada el 12 de octubre de 2026: https://www.eonmusic.co.uk/interviews/yngwie-malmsteen-from-paganini-to-aliens-the-bands-he-turned-down

MIKKEY DEE NO SE ANDA CON HOSTIAS: ¡CIMIENTOS DE HORMIGÓN PARA SU NUEVO BÚNKER BOTÁNICO EN SUECIA!

STHDMETAL LEGENDARY // APOCALYPTIC ULTRA
Mikkey Dee muestra los trabajos de construcción de su nuevo invernadero en Suecia
MIKKEY DEE // CONSTRUCCIÓN EN SUECIA
MOTÖRHEAD · SCORPIONS · THE ANGEL OF NOISE

Si Mikkey Dee se mete en un proyecto, parece que las medias tintas no van con él. El batería que hizo temblar los escenarios junto a Motörhead y que continúa su trayectoria con Scorpions ha compartido una imagen de los trabajos de construcción de su nuevo invernadero en Suecia. Y aquí no hablamos de plantar cuatro macetas en el balcón: la fotografía muestra una base de bloques de hormigón cuidadosamente alineados sobre el terreno.

La estampa tiene su gracia. Acostumbrados a verlo detrás de una batería, descargando golpes como si quisiera demoler el escenario, ahora toca imaginarlo pendiente de otra clase de montaje. En lugar de bombos, platillos y amplificadores, aparecen bloques de cemento, tierra removida y una estructura que empieza a tomar forma. El rockero cambia de escenario, pero la contundencia parece seguir presente.

Los cimientos son los protagonistas de esta nueva entrega naranja. Las piezas de hormigón dibujan el perímetro de la construcción, mientras al fondo se aprecia un cerramiento de madera. Una imagen que deja ver el avance de la obra, aunque no permite confirmar todos los detalles técnicos ni el uso exacto que tendrá cada parte de la instalación.

¿Jardinería a lo grande? ¿Un invernadero preparado para sus planes hortícolas? La idea resulta tentadora, pero será el propio Mikkey quien tenga que despejar las incógnitas. Por ahora, lo que ha enseñado es suficiente para comprobar que el proyecto va más allá de colocar una maceta junto a la ventana.

Porque hay músicos que descansan entre gira y gira, y luego está Mikkey Dee, que parece haber encontrado una manera diferente de mantener las manos ocupadas. Después de años haciendo retumbar escenarios, ahora la imagen que comparte tiene cemento, bloques y una base que empieza a asentarse sobre suelo sueco.

Aquí no se construye a golpe de baqueta, sino bloque a bloque. Y si el invernadero termina teniendo la misma resistencia que la pegada que Dee exhibió durante su etapa con Motörhead, las plantas van a tener un techo bastante serio sobre sus cabezas.

FUENTE: Publicación de Mikkey Dee en Instagram: https://www.instagram.com/reel/DeZ0yhwOCYs/

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