ZOE FEDEROFF Y ASHOK: DE LA RUPTURA CON CRADLE OF FILTH A UNA NUEVA VIDA EN EL METAL… ¡CON UN ESCORPIÓN COMO MASCOTA!

STHDMETAL LEGENDARY APOCALYPTIC ULTRA // A NEW CHAPTER

MAREK «ASHOK» ŠMERDA

Fotografía: Dario De Marco.
Dominio público, según la ficha de Wikimedia Commons.
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ZOE FEDEROFF

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STHDMETAL / THE ANGEL OF NOISE

La pareja repasa su turbulento último año en REIGNING TV, habla de la disputa legal que arrastra de su antigua banda y explica cómo ha vuelto a disfrutar de la música. Mientras Catalyst Crime prepara el lanzamiento de Acquired Immunity, un inesperado habitante del desierto de Arizona también se ha ganado su sitio en esta historia.

Hay historias del metal que parecen escritas para un videoclip: matrimonios, giras, conflictos, nuevas canciones y un escorpión del desierto que termina convertido en miembro honorífico de la familia. La de Zoe Federoff y Marek “Ashok” Šmerda reúne todos esos ingredientes, pero detrás de la anécdota hay algo más importante: dos músicos que aseguran haber recuperado la ilusión por trabajar juntos después de una etapa especialmente complicada.

En el episodio 23 de REIGNING TV, presentado por Vanessa, la vocalista de Catalyst Crime y el guitarrista hablan de su vida en común, de su salida de Cradle of Filth y de los proyectos que ahora concentran sus energías. No ofrecen una reconstrucción exhaustiva de aquella ruptura, pero sí dejan claro que las consecuencias profesionales y personales siguen formando parte de su historia.

Un año salvaje y una nueva etapa musical

Federoff describe el periodo posterior a su boda como una sucesión extraordinaria de acontecimientos. Ambos formaban parte de Cradle of Filth y, según cuenta en la entrevista, intentaron resolver durante meses determinados problemas antes de abandonar la formación. También afirma que han tenido que recurrir a la vía judicial.

La disputa no debe confundirse con una sentencia que dé la razón a una de las partes: existe un procedimiento federal presentado en Arizona en septiembre de 2025 en el que figuran Zoe y Marek entre los demandantes, junto con otras personas, y varias entidades y responsables vinculados a la antigua banda. El litigio ha seguido su recorrido judicial y sus alegaciones deben tratarse como tales mientras no exista una resolución que determine los hechos.

Lo que sí subrayan en el programa es que su vida musical no terminó con aquella separación. Al contrario: han encontrado nuevas oportunidades, regresaron a las giras y siguen colaborando en composiciones. Para ambos, compartir carretera con Catalyst Crime y Leaves’ Eyes ha supuesto una experiencia muy positiva.

Ashok también explica que actualmente trabaja en otros proyectos, prepara arreglos, compone y da clases. Su actividad no se limita a acompañar a su esposa: está construyendo su propio camino profesional mientras mantiene abierta la puerta a futuras colaboraciones con ella.

«Acquired Immunity»: el siguiente paso de Catalyst Crime

Catalyst Crime tiene entre manos una nueva etapa discográfica. Su segundo álbum, Acquired Immunity, está anunciado para el 4 de diciembre de 2026 a través de Massacre Records. La canción que da título al disco ya se publicó como sencillo el 5 de marzo y cuenta con la participación de Ashok a la guitarra.

La banda ha continuado presentando material nuevo: el 16 de octubre apareció “Polaris”, con Chris Harms, vocalista de Lord of the Lost. El lanzamiento forma parte de la preparación del próximo álbum y confirma que Catalyst Crime mantiene su actividad mientras la pareja desarrolla otros trabajos musicales.

En la entrevista, Zoe cuenta que el solo de guitarra de “Acquired Immunity” no surgió como un favor improvisado por estar casada con Ashok. Según explica, ya le había pedido que participara cuando la canción se encontraba en fase de maqueta, aproximadamente dos años antes. Quería que su estilo narrativo con la guitarra encajara en el tema, y considera que el resultado elevó la composición.

La pareja también habla de seguir componiendo junta, aunque Ashok no vaya a incorporarse como miembro permanente de Catalyst Crime. La colaboración puede continuar sin que ambos tengan que compartir oficialmente una formación a tiempo completo.

El invitado más inesperado: Sir Patrick Scorp

La anécdota más insólita del episodio aparece cuando recuerdan el rodaje del videoclip de “Acquired Immunity”, filmado en el desierto de Arizona, cerca de Tucson, la ciudad natal de Zoe.

La producción contó con un escorpión vivo de la especie Hadrurus arizonensis, conocido como escorpión gigante del desierto de Arizona. En una de las tomas, la cantante tuvo que sostener al animal con sus propias manos. Durante el rodaje acabaron encariñándose con él y le pusieron un nombre digno de una estrella de rock: Sir Patrick Scorp.

La idea inicial era devolverlo a su entorno, pero finalmente decidieron quedárselo como mascota. Ashok explica que optaron por darle una vida protegida y que esperan que pueda vivir muchos años. Zoe bromea con que hasta necesita una pequeña chaqueta vaquera de batalla, como cualquier metalero que se precie.

La historia tiene un punto cómico, pero también está conectada con la intención visual del videoclip: mostrar la belleza del desierto sonorense y el paisaje que forma parte de la identidad de Zoe. El escorpión no fue un simple accesorio de rodaje; terminó convirtiéndose en uno de los recuerdos más peculiares de aquella producción.

Volver a disfrutar de la carretera

La conversación también deja espacio para hablar del futuro. Catalyst Crime pretende continuar girando y ya ha comenzado a trabajar en nuevo material más allá de Acquired Immunity. Ashok, por su parte, tiene varios compromisos de composición y arreglos, además de su trabajo en directo con Leaves’ Eyes durante la gira mencionada en el programa.

El mensaje que ambos trasladan es de continuidad. No presentan su salida de Cradle of Filth como el final de sus carreras, sino como un cambio de rumbo que les ha permitido centrarse en otras relaciones profesionales y en proyectos que desean desarrollar a su manera.

Su historia todavía tiene capítulos por escribir: el lanzamiento del nuevo álbum, más conciertos y nuevas colaboraciones. Y, por lo visto, también un pequeño escorpión que se ha instalado en su vida cotidiana.

A veces, cerrar una puerta no significa abandonar la música. Significa buscar otro escenario, elegir mejor con quién compartirlo y recuperar las ganas de tocar. Incluso si, de paso, acabas adoptando a un escorpión con nombre de caballero.

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Fuentes consultadas

• REIGNING TV — Episode #23: Catalyst Crime
  https://youtu.be/T2cne5F6gqU

• Massacre Records — Noticias oficiales de Catalyst Crime
  https://massacre-records.com/

• Massacre Records — Calendario de lanzamientos
  https://massacre-records.com/releaseschedule/

• Ghost Cult Magazine — Entrevista a Zoe Federoff y Marek Šmerda, 17 de abril de 2026
  https://ghostcultmag.com/exclusive-interview-zoe-marie-federoff-smerda-and-marek-ashok-smerda-ex-cradle-of-filth-on-catalyst-crime-touring-with-leaves-eyes-and-more/

• GRIMM Gent — Información sobre “Acquired Immunity”
  https://www.grimmgent.com/catalyst-crime-unleash-new-single-acquired-immunity/

• Registro judicial federal — Smerda et al. v. Oracle Management Incorporated et al.
  https://dockets.justia.com/docket/arizona/azdce/4%3A2025cv00542/1460756

AUDREY HORNE CONTRA LA MÚSICA DE USAR Y TIRAR: «ACHILLES» REIVINDICA LOS DISCOS CON ALMA Y DISPARA CONTRA LA SOCIEDAD DIVIDIDA

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AUDREY HORNE — EN DIRECTO
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Toschie explica por qué el grupo noruego sigue componiendo álbumes como obras completas, defiende el valor de escuchar sin prisas y convierte la canción que abre su octavo trabajo en una reflexión sobre el peligro de vivir enfrentados.

Hay una diferencia entre escuchar música y consumir canciones como si fueran productos desechables. Audrey Horne quiere seguir defendiendo esa frontera. Mientras buena parte de la industria se adapta a un mundo de listas de reproducción, atención fugaz y temas que compiten por unos segundos de interés, la banda noruega continúa pensando sus álbumes como historias con principio, desarrollo y desenlace.

Así lo explica Toschie, vocalista del grupo, en una entrevista centrada en Achilles, el octavo trabajo de estudio de Audrey Horne, publicado el 4 de septiembre de 2026 a través de Napalm Records. La conversación no se limita a repasar canciones: deja al descubierto una manera de entender el rock que se resiste a sacrificar la identidad artística por las exigencias del mercado.

UN ÁLBUM NO ES UNA LISTA DE CANCIONES PEGADAS

Para Audrey Horne, ordenar un disco no consiste en colocar once temas uno detrás de otro y dar el trabajo por terminado. Toschie describe un proceso en el que cada composición debe encontrar su lugar y contribuir al recorrido emocional del conjunto.

La banda empieza incluso por imaginar el álbum en vinilo. Decide primero qué canción abre el trabajo, cuál lo cierra, dónde termina la primera cara y con qué tema arranca la segunda. Solo cuando esas piezas encajan empieza a construir el resto del recorrido. Y si el resultado no funciona, cambia el orden hasta que la secuencia cobra sentido.

La comparación que utiliza el cantante resulta reveladora: un álbum debería parecerse a un libro dividido en capítulos. No basta con reunir buenas canciones; también importa cómo dialogan entre ellas, cuándo sube la intensidad y dónde necesita respirar el oyente.

Esa filosofía choca con la presión comercial de colocar los temas más pegadizos al principio para evitar que el público abandone la escucha. Toschie recuerda que las discográficas y los equipos de gestión llegaron a insistir en esa estrategia. La banda, sin embargo, prefirió mantenerse fiel a su propia visión.

Su postura es directa: Audrey Horne compone para quienes quieren escuchar sus discos, no para perseguir a quienes quizá nunca conecten con ellos.

«ACHILLES»: UN RIFF QUE TERMINÓ DECIDIENDO LA APERTURA

La canción titular nació a partir de una idea de guitarra. Cuando Toschie escuchó aquel riff, le recordó a «Only You», del álbum Music from “The Elder” de KISS, aunque reconoce que la composición de Audrey Horne desarrolla una atmósfera, un tempo y una dirección propios.

A partir de esa chispa comenzó a construir las líneas melódicas. Después, junto a los dos guitarristas, el grupo dio forma a una primera maqueta. La reacción fue inmediata: aquello tenía que abrir el álbum, independientemente de las canciones que escribieran después.

La decisión también apunta al directo. Para Toschie, si una composición funciona como apertura de un disco, puede tener la energía necesaria para inaugurar un concierto. No parece una casualidad: el tema está construido para entrar con fuerza y presentar desde el primer instante la personalidad de Achilles.

Pero el título esconde algo más que músculo guitarrero.

EL ENEMIGO NO SIEMPRE ESTÁ AL OTRO LADO

El mensaje de «Achilles» gira alrededor de una sociedad cada vez más polarizada, donde las diferencias pueden convertirse rápidamente en trincheras. Toschie cuestiona esa lógica de bandos irreconciliables y plantea una pregunta incómoda: ¿cómo se supone que van a cambiar las cosas si nadie está dispuesto a hablar con quien piensa de otra manera?

Durante la entrevista, el cantante reflexiona sobre la reacción visceral que provocan las noticias, los conflictos internacionales y las posiciones políticas enfrentadas. Reconoce que existen motivos para la indignación y que hay comportamientos que no se deben aceptar, pero distingue entre condenar acciones y cerrar cualquier posibilidad de diálogo.

Su argumento no consiste en fingir que todas las posturas son iguales ni en exigir que alguien renuncie a sus convicciones. Defiende que escuchar, discutir y tratar de convencer al otro puede abrir caminos que el enfrentamiento permanente deja bloqueados.

También recuerda las discusiones que mantenía con su padre, con quien discrepaba sobre cuestiones políticas y sociales. Ahora echa de menos aquellas conversaciones porque, pese a las diferencias, todavía existía la posibilidad de acercarse, discutir y reconsiderar argumentos.

Esa experiencia personal ayuda a entender el fondo de la canción: la división no se supera levantando muros cada vez más altos, sino buscando formas de relacionarse sin convertir automáticamente al discrepante en un enemigo.

En tiempos en los que una opinión puede bastar para romper cualquier puente, Audrey Horne propone algo menos espectacular que el insulto y bastante más difícil de practicar: mantener abierta la conversación.

CINCO MÚSICOS, NO CINCO EGOS

La misma filosofía aparece cuando Toschie habla del proceso creativo. Audrey Horne puede tardar alrededor de año y medio en desarrollar un álbum, porque algunas composiciones salen deprisa y otras necesitan numerosas revisiones. El grupo escribe, deja reposar el material, se ocupa de otros proyectos y vuelve a escucharlo después de un tiempo.

Ese intervalo no es tiempo perdido. Para el cantante, las ideas pueden madurar en el subconsciente mientras dejan de estar sometidas a la presión de resolverlo todo inmediatamente.

También defiende la capacidad de cambiar de opinión. A veces llega al estudio convencido de que una canción debe avanzar en una dirección concreta. Si sus compañeros proponen otra alternativa y, después de probarla, el resultado funciona mejor, está dispuesto a reconocerlo.

No entiende esa flexibilidad como una derrota personal, sino como una de las ventajas de formar parte de una banda. La música no pertenece exclusivamente a quien tuvo la primera idea: crece cuando los demás aportan algo que su creador no había visto.

La filosofía se extiende a su trabajo como tatuador e ilustrador. Toschie disfruta dibujando junto a otros artistas y acepta sugerencias que pueden mejorar un diseño. Para él, la colaboración no amenaza la identidad propia; puede fortalecerla.

EL ROCK TAMBIÉN NECESITA PACIENCIA

En la conversación aparece otra diferencia entre su generación y los hábitos actuales de escucha. Toschie recuerda una época en la que descubrir un grupo implicaba leer los créditos de un disco, investigar quién había tocado en él, intercambiar cintas con amigos y ahorrar para comprar un álbum.

La música llevaba consigo un mundo de conexiones. Un nombre en la contraportada podía conducir a otra banda, otro guitarrista o una nueva escena musical. La curiosidad se alimentaba de tiempo y de atención.

El cantante observa que hoy es frecuente que alguien se identifique con una canción concreta sin conocer necesariamente el resto de la obra de su intérprete. No lo plantea como una condena absoluta de las nuevas generaciones: admite que la percepción de que la música actual es peor puede mezclarse con la nostalgia de quienes crecieron con otros referentes.

La cuestión no es prohibir las listas de reproducción ni idealizar el pasado. Es preguntarse qué perdemos cuando dejamos de escuchar con profundidad.

Audrey Horne responde a esa pregunta con su propia práctica: construir discos con una lógica interna, dar tiempo a las composiciones y aceptar que no todo tiene que enganchar al oyente en los primeros segundos.

ONCE CANCIONES Y UNA BANDA QUE QUIERE SEGUIR AVANZANDO

Publicado por Napalm Records, Achilles reúne once temas que alternan hard rock de gran energía con pasajes melódicos y progresivos. La formación está integrada por Toschie a la voz, Arve «Ice Dale» Isdal y Thomas Tofthagen a las guitarras, Espen Lien al bajo y Kjetil Greve a la batería.

Entre los cortes destacados figuran «In the Eye of the Hurricane», «Vampires», «God Damn Beautiful», «Insanity» y «New Star Falling». El álbum también refleja el interés del grupo por combinar su herencia de rock clásico con composiciones que miran hacia territorios distintos.

La banda ya ha iniciado su gira europea de octubre y, según explica Toschie, quiere continuar tocando en salas y festivales mientras prepara nuevo material. Durante las sesiones de Achilles quedaron fuera canciones que no encajaban tan bien en la secuencia definitiva, aunque el grupo no las considera necesariamente malas. Parte de ese repertorio podría alimentar el siguiente ciclo creativo.

El objetivo es intentar acortar la distancia entre discos, que durante los últimos años ha rondado los cuatro años. No hay una promesa cerrada, pero sí ganas de aprovechar las ideas que siguen esperando su oportunidad.

LA VICTORIA NO ES GRITAR MÁS FUERTE

Lo interesante de Achilles no es que Audrey Horne pretenda inventar el rock desde cero. Es que, mientras mantiene viva una tradición de guitarras contundentes, melodías reconocibles y composiciones trabajadas, reivindica una forma de crear que no se somete por completo a la prisa.

Su defensa del álbum como una obra completa y el mensaje de la canción titular nacen de una misma convicción: las cosas importantes necesitan contexto. Una canción no siempre se comprende escuchando unos segundos; una persona no se reduce a una opinión; una banda no alcanza su mejor resultado cuando cada músico intenta imponer su ego.

En un mundo empeñado en dividirlo todo en bandos, éxitos fugaces y opiniones instantáneas, Audrey Horne prefiere construir algo que resista una escucha completa.

Porque no todo lo que merece la pena cabe en un estribillo de quince segundos. Y no todas las batallas se ganan convirtiendo al otro en enemigo.

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Fuentes consultadas

• Entrevista completa con Audrey Horne en YouTube

• Napalm Records — información oficial de Achilles y listado de canciones

• Metalcry — lanzamiento de Achilles y significado de la canción titular

• Everblack Media — entrevista con Toschie sobre Achilles y la trayectoria del grupo

STEVE STEVENS: PACO DE LUCÍA LE CAMBIÓ LA VIDA Y LE RECORDÓ POR QUÉ TOCABA LA GUITARRA

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Steve Stevens

GUITARRA · ROCK · IDENTIDAD SONORA

Fotografía: Steve Stevens con guitarra Ciari.

Autor: Steve Stevens Guitar · Trabajo propio · Licencia CC0 1.0.

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El guitarrista de Billy Idol repasa su revolución musical, el secreto detrás de algunos de los riffs más reconocibles del rock y la lección que aprendió al descubrir que la técnica, por sí sola, nunca es suficiente.

Steve Stevens lleva décadas haciendo que su guitarra sea imposible de confundir. El ataque de «Rebel Yell», la atmósfera de «Eyes Without a Face» y la electricidad de «Flesh for Fantasy» forman parte de una identidad musical que ayudó a convertir a Billy Idol en uno de los nombres esenciales del rock de los años ochenta. Pero detrás de esos sonidos hay una historia mucho más amplia que la de un guitarrista capaz de ejecutar solos incendiarios.

En una nueva conversación con el pódcast The Guitar Hang, conducido por John Stanorp, Stevens abre las puertas de su universo creativo y deja una de las reflexiones más interesantes de toda la entrevista: hubo un momento en el que necesitó detenerse, mirar más allá del volumen y la velocidad y preguntarse qué buscaba realmente cuando cogía una guitarra.

La respuesta llegó, en buena medida, de la mano de Paco de Lucía.

PACO DE LUCÍA Y EL DÍA EN QUE EL VIRTUOSISMO DEJÓ DE SER SUFICIENTE

La relación de Stevens con el flamenco comenzó mucho antes de que ese lenguaje musical se convirtiera en una parte reconocible de su trayectoria personal. Durante su infancia recibió clases de un guitarrista que le descubrió un mundo muy distinto del que encontraba en el rock convencional. Aquella experiencia despertó su curiosidad por una música en la que la velocidad, la precisión y la expresividad convivían de una forma extraordinaria.

Sin embargo, fue ver actuar a Paco de Lucía lo que terminó de sacudir sus convicciones.

Stevens recuerda especialmente el impacto de asistir a uno de sus conciertos después de una etapa de excesos y saturación profesional. Había trabajado con Vince Neil, había salido de gira junto a Van Halen y sentía que había llegado a un límite: no podía tocar más rápido, subir más el volumen ni llevar más lejos aquella espiral de rock and roll.

Lo que presenció aquella noche le hizo comprender que la destreza instrumental podía alcanzar niveles extraordinarios sin perder su capacidad de emocionar y entretener. No se trataba únicamente de escuchar a un músico técnicamente excepcional, sino de contemplar a un artista capaz de establecer una conexión visceral con el público.

Aquella experiencia le devolvió una pregunta fundamental: ¿por qué había empezado a tocar la guitarra?

La respuesta no consistía en acumular más equipo, multiplicar los efectos ni demostrar hasta dónde podían llegar sus dedos. Consistía en recuperar la fascinación que había sentido cuando era adolescente y descubría a sus héroes musicales.

De esa sacudida nació Flamenco A Go-Go, su álbum instrumental de 1999, una obra que mezcla la guitarra española con el rock, la electrónica y otras texturas contemporáneas. No fue una renuncia a su identidad eléctrica, sino una demostración de que un músico puede ampliar sus fronteras sin perder su personalidad.

BILLY IDOL Y UNA ALIANZA QUE SOBREVIVIÓ A LAS MODAS

La entrevista también permite entender mejor por qué la asociación entre Stevens y Billy Idol ha resistido durante décadas.

Cuando ambos comenzaron a trabajar juntos, Idol buscaba algo más que un guitarrista capaz de reproducir la energía del punk. Necesitaba a alguien con recursos suficientes para moverse entre estilos, construir arreglos, crear ambientes y encontrar soluciones musicales diferentes para cada canción.

Stevens explica que nunca se consideró simplemente un guitarrista punk. Su formación abarcaba el folk, el blues, el jazz, el rock progresivo y numerosos recursos técnicos que podían ponerse al servicio de una composición. Esa amplitud terminó convirtiéndose en una ventaja decisiva.

La clave estaba en comprender que una canción no necesita demostrar constantemente lo que sabe hacer un instrumentista. A veces exige una descarga abrasiva; otras, un detalle melódico, una textura inesperada o un silencio bien colocado.

El guitarrista insiste en una idea que atraviesa toda la conversación: su trabajo consiste en ayudar a contar la historia que Billy quiere transmitir. Si un arreglo invade la voz, hay que cambiarlo. Si una parte espectacular perjudica la canción, debe quedar fuera.

Esa filosofía ayuda a explicar la personalidad de temas como «Rebel Yell», donde la guitarra no se limita a ocupar espacio, sino que dialoga con la voz, el bajo y la batería para construir una identidad sonora reconocible.

No es tocar menos por falta de recursos. Es saber exactamente cuándo utilizarlos.

EL SECRETO DE UN SONIDO ENORME: DEJAR ESPACIO A LOS DEMÁS

Stevens dedica una parte especialmente interesante de la charla a la grabación de guitarras y a la importancia de escuchar lo que sucede alrededor del propio instrumento.

Su planteamiento desmonta una obsesión habitual entre guitarristas: creer que más distorsión, más efectos o más volumen equivalen automáticamente a un sonido mejor.

Según explica, una guitarra puede sonar más grande cuando se reduce la saturación y se deja espacio para que el bajo, la batería y la voz ocupen sus respectivos lugares. El resultado depende de cómo se combinan las piezas, no de cuánto intenta imponerse cada una.

Al recordar las sesiones de Rebel Yell, destaca el aprendizaje que obtuvo observando a los ingenieros Michael Frondelli y Dave Wittman. Pasó tiempo en el estudio preguntando por micrófonos, técnicas de grabación y decisiones que permitían trasladar al disco la sensación de escuchar una guitarra en la habitación.

También recuerda el uso de un armonizador de fabricación francesa para aportar un ligero brillo a las guitarras rítmicas, sin caer en un efecto de chorus demasiado evidente. Eran pequeños detalles que contribuían a definir una personalidad sonora sin convertir la tecnología en protagonista.

Su conclusión es especialmente valiosa para cualquier músico que aspire a desarrollar una voz propia: el equipo debe servir a la música, no convertirse en un fin en sí mismo.

DE LA MÚSICA CLÁSICA AL DESIERTO: DE DÓNDE NACEN LAS IDEAS

La creatividad de Stevens tampoco se alimenta exclusivamente de discos de rock o de largas sesiones con la guitarra.

En la conversación explica que escucha música clásica para estudiar la forma en que se construyen los arreglos y cómo distintas líneas instrumentales pueden funcionar de manera independiente sin perder coherencia. También encuentra inspiración en las bandas sonoras cinematográficas, donde la composición debe transmitir imágenes, tensión y emociones.

Esa mentalidad ayuda a comprender por qué su trabajo con Billy Idol va mucho más allá de los solos: cada parte instrumental puede desempeñar una función narrativa dentro de una canción.

Pero una de las imágenes más reveladoras aparece cuando habla del desierto que rodea Las Vegas. Stevens cuenta que visita antiguos petroglifos acompañado de un amigo que conoce su historia. A veces lleva su guitarra y toca en ese entorno, donde la dimensión del paisaje le ayuda a sentirse pequeño y a limpiar la mente del ruido cotidiano.

También menciona su colaboración con refugios de animales y la satisfacción de encontrar inspiración en gestos tan sencillos como ver a alguien adoptar su primer gato.

Son detalles que dibujan a un músico que, después de décadas de escenarios, estudios y giras, sigue buscando estímulos fuera del circuito habitual del rock.

UNA CARRERA QUE NO SE EXPLICA SOLO CON BILLY IDOL

El nombre de Stevens está ligado a algunos de los momentos más reconocibles del rock de los ochenta, pero su trayectoria incluye mucho más.

Su interpretación junto a Harold Faltermeyer en «Top Gun Anthem» le valió un Grammy en 1987 en la categoría de mejor interpretación instrumental pop. También participó en «Dirty Diana», de Michael Jackson, y desarrolló proyectos propios como Atomic Playboys, además de publicar trabajos instrumentales que exploran territorios alejados de la fórmula tradicional del rock.

Su biografía oficial recoge igualmente colaboraciones con artistas como Robert Palmer, Joni Mitchell y Vince Neil, una muestra de la amplitud de su recorrido musical.

En 2026, su legado recibió un reconocimiento histórico: Steve Stevens figura junto a Billy Idol entre los incorporados al Rock & Roll Hall of Fame. La distinción reconoce una alianza artística que contribuyó a definir una parte esencial del sonido y la imagen del rock popular de los años ochenta.

Pero el aspecto más revelador de esta entrevista no está en los premios ni en la lista de nombres con los que ha trabajado. Está en la manera en que Stevens describe su relación con la música después de tantos años.

No quiere limitarse a repetir lo que funcionó. Quiere conservar la emoción de aquel adolescente que acudía a conciertos para descubrir sonidos nuevos, aprender de otros músicos y regresar a casa con ganas de tocar.

EL MÚSICO QUE SIGUE BUSCANDO

Hay guitarristas que construyen su reputación alrededor de la velocidad. Otros lo hacen mediante un sonido inconfundible, una técnica revolucionaria o una colección de canciones que terminan perteneciendo a varias generaciones.

Steve Stevens ha conseguido combinar buena parte de esos elementos, pero su conversación con John Stanorp deja una lección todavía más importante: la personalidad artística no consiste en demostrarlo todo, sino en descubrir qué merece la pena expresar.

Paco de Lucía no le enseñó a convertirse en un guitarrista flamenco. Le recordó que la música podía volver a sorprenderlo y que todavía tenía territorios por explorar.

Esa es, quizá, la razón por la que el guitarrista de Billy Idol sigue siendo algo más que el hombre detrás de unos riffs legendarios. Su historia demuestra que una carrera larga no se sostiene únicamente repitiendo una fórmula ganadora, sino manteniendo viva la curiosidad que permitió encontrarla.

La técnica puede impresionar. El sonido puede identificarte. Pero es la emoción la que consigue que alguien quiera volver a escucharte.

VÍDEO: STEVE STEVENS EN THE GUITAR HANG PODCAST

Entrevista completa: Steve Stevens: Billy Idol, Paco de Lucía’s Influence, Rock & Roll Hall of Fame & Guitar Legends.

https://youtu.be/vad4nrMVyfs

Fuentes consultadas

• The Guitar Hang Podcast — entrevista completa con Steve Stevens

• Steve Stevens — biografía oficial y trayectoria musical

• Rock & Roll Hall of Fame — Billy Idol y Steve Stevens, incorporación en 2026

• GRAMMY.com — premio Grammy por «Top Gun Anthem» en 1987

• Apple Music — Flamenco A Go-Go (1999)

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JUNGLE ROT DESATA SU PODREDUMBRE EN NUEVA YORK: 11 TEMAS, CERO TREGUA Y UNA DESCARGA DE DEATH METAL EN DIRECTO

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APOCALYPTIC ULTRA // JUNGLE ROT

Jungle Rot en directo · Party.San Metal Open Air 2019.
Fotografía de Stefan Bollmann.
Ver fotografía original y créditos en Wikimedia Commons.
Licencia: Attribution. Imagen de 2019; no corresponde al concierto de Nueva York.

La banda estadounidense pone a circular el concierto completo grabado en Nueva York el 14 de septiembre de 2026. Once canciones, una realización de Nameless Cult Productions y un repertorio que golpea con «Apocalyptic Dawn», «Maniacal», «Suffer in Silence» y «Psychotic Cremation».

JUNGLE ROT no necesita disfrazar su propuesta ni rebajar la violencia de sus riffs para dejar huella. Su terreno es el death metal directo, pesado y construido para sacudir al público desde las primeras notas. Y ahora hay una oportunidad de comprobarlo de principio a fin: el concierto completo que la formación ofreció en Nueva York el pasado 14 de septiembre ya puede verse en YouTube.

La grabación lleva la firma de Nameless Cult Productions, responsable de la filmación y la edición, mientras que B. Batiste figura a cargo de la mezcla de audio. No es un simple montaje de fragmentos dispersos: el vídeo reúne una actuación completa y permite recorrer once canciones sin perder el hilo de la descarga.

STHDMETAL LEGENDARY APOCALYPTIC ULTRA // LIVE EXTREME

JUNGLE ROT — LIVE IN NEW YORK CITY

14 SEPTEMBER 2026 · FULL SET · DEATH METAL WITHOUT MERCY

VER VÍDEO ORIGINAL EN YOUTUBE

STHDMETAL // THE ANGEL OF NOISE

ONCE CANCIONES PARA DEJAR EL CUELLO HECHO POLVO

El repertorio abre con «Apocalyptic Dawn», una declaración de intenciones que conduce a «Stay Dead» y «A Burning Cinder». Después llegan «Maniacal» y «Doomsday», antes de que «Beyond the Grave» mantenga la maquinaria en marcha.

La segunda mitad continúa con «Worst Case Scenario», «Face Down», «Suffer in Silence» y «Population Suicide». El cierre queda en manos de «Psychotic Cremation», último golpe de una selección que apuesta por la contundencia y por la identidad más reconocible del grupo.

La lista tiene otro atractivo: permite comprobar cómo se sostiene el repertorio cuando las canciones pasan de los discos al escenario. Aquí no hablamos únicamente de títulos encadenados en una plataforma musical, sino de una actuación filmada en un recinto neoyorquino, con sonido trabajado para que el público pueda seguir el concierto desde casa.

UNA NOCHE EN LA GIRA JUNTO A VADER

La fecha del 14 de septiembre se enmarcó en la gira norteamericana Reign Forever In Kingdom Of Blood, encabezada por VADER y con JUNGLE ROT en el puesto de acompañamiento principal. El cartel también incluía a FLESHCRAWL y TRASH PANDA.

El recorrido atravesó distintas ciudades de Estados Unidos y Canadá durante septiembre, con una combinación de veteranos del metal extremo y formaciones encargadas de calentar el terreno. Nueva York fue una de las paradas de ese itinerario.

La grabación publicada por Nameless Cult Productions conserva una parte de aquella ruta y ofrece algo especialmente valioso para quienes no estuvieron allí: la posibilidad de escuchar el set entero, en lugar de conformarse con vídeos breves grabados desde distintos puntos del público.

«CRUEL FACE OF WAR»: MATERIAL NUEVO EN EL REPERTORIO DE 2026

La actuación llega, además, en el año de publicación de «Cruel Face of War», el duodécimo álbum de estudio de JUNGLE ROT. El trabajo apareció en plataformas digitales el 8 de mayo de 2026 y forma parte de la nueva etapa discográfica de una banda que lleva décadas defendiendo una mezcla de death metal clásico, riffs de groove pesado y aceleraciones de raíz thrash.

El nuevo disco incluye «Apocalyptic Dawn» y «Maniacal», dos de las canciones que aparecen en la grabación neoyorquina. Su presencia conecta el concierto con el material más reciente, aunque el repertorio también recupera temas conocidos del catálogo anterior.

La banda no necesita convertir cada actuación en una exhibición técnica interminable: su fuerza está en el golpe del riff, el peso de la base rítmica y una forma de entender el death metal que prioriza el impacto. Para quien busque una actuación sin adornos innecesarios, este documento ofrece más de cuarenta minutos de música extrema interpretada sobre un escenario.

DALE AL PLAY Y QUE HABLE EL RUIDO

El vídeo completo está disponible aquí:

JUNGLE ROT — Live in New York City — September 14, 2026 — FULL SET

https://youtu.be/p2HkK0Z8JN8

La filmación y edición corren a cargo de Nameless Cult Productions, con mezcla de audio de B. Batiste. Los créditos y los enlaces de los responsables aparecen en la descripción original del vídeo.

No hace falta venderlo como una revolución del género. La noticia es más sencilla y más interesante: una actuación completa de JUNGLE ROT, con once canciones y una producción audiovisual identificada, ya está al alcance de cualquiera que quiera dedicarle el tiempo que merece un concierto entero.

FUENTES Y CRÉDITOS

• Nameless Cult Productions — JUNGLE ROT: Live in New York City, 14 de septiembre de 2026 (concierto completo): https://youtu.be/p2HkK0Z8JN8

• Nameless Cult Productions — web oficial: https://nameless-cult.com/

• JUNGLE ROT — canales oficiales y enlaces: https://linktr.ee/junglerot

• The PRP — anuncio de la gira norteamericana con Vader, Fleshcrawl y Trash Panda: https://www.theprp.com/2026/07/10/news/vader-jungle-rot-fleshcrawl-trash-panda-fall-north-american-tour-booked/

• Apple Music — Cruel Face of War (álbum de 2026): https://music.apple.com/us/album/cruel-face-of-war/1876610260

Créditos audiovisuales del concierto: filmación y edición por Nameless Cult Productions; mezcla de audio por B. Batiste.

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ECUADOR: UN CRUCIFIJO GIGANTE MATA A UN SACERDOTE EN PLENA MISA… MINUTOS DESPUÉS DE HABLAR SOBRE LA MUERTE

La tragedia quedó grabada durante una retransmisión en directo desde una iglesia de Guayaquil. Patricio Sánchez Molinari reflexionaba sobre la fugacidad de la vida cuando una enorme cruz de madera se desprendió detrás del altar y cayó sobre él.

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TRAGEDIA DURANTE UNA MISA EN ECUADOR

FOX NEWS VIDEO · GUAYAQUIL

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Hay accidentes que paralizan una celebración en cuestión de segundos. Lo ocurrido en Guayaquil, Ecuador, el sábado 17 de octubre, dejó a una comunidad religiosa conmocionada y convirtió una misa retransmitida por internet en el registro de una tragedia inesperada.

El sacerdote Patricio Alfredo Sánchez Molinari, de 52 años, celebraba la eucaristía en la iglesia Nuestra Señora del Perpetuo Socorro cuando un gran crucifijo de madera, instalado detrás del altar, se desprendió y lo golpeó en la cabeza. El impacto resultó mortal.

UNA TRANSMISIÓN EN DIRECTO REGISTRÓ EL ACCIDENTE

Las imágenes difundidas por distintos medios muestran al religioso frente a los asistentes cuando la estructura cae repentinamente sobre él. Sánchez Molinari no parece advertir el peligro que tiene a su espalda.

La reacción dentro del templo es inmediata. Se escuchan gritos y peticiones desesperadas de ayuda mientras varios feligreses se acercan para auxiliarlo. Durante esos instantes, la retransmisión continúa registrando la angustia de quienes presenciaron el accidente.

La grabación original circuló por las redes sociales y fue recogida posteriormente por medios internacionales, entre ellos Fox News. La causa por la que el crucifijo se desprendió no había sido aclarada en las informaciones publicadas hasta el momento.

HABÍA HABLADO DE LA MUERTE POCO ANTES

El detalle más estremecedor de esta historia se encuentra en las palabras que el sacerdote había pronunciado durante su homilía, minutos antes del accidente.

Sánchez Molinari reflexionó sobre la mortalidad y la importancia de dedicar tiempo a Dios y a las personas queridas. Su mensaje recordaba que la vida es limitada y que las prioridades no deberían quedar sepultadas bajo las obligaciones y las distracciones cotidianas.

«Un día todos los que estamos aquí también vamos a morir», expresó durante la celebración, según la transcripción difundida por medios ecuatorianos.

La coincidencia entre aquella reflexión y lo que sucedió poco después ha dado una dimensión especialmente dolorosa a la noticia. No fue una predicción ni existe motivo para interpretarla como tal: fue una reflexión religiosa sobre la fragilidad humana que, de forma trágica e imprevisible, quedó asociada a sus últimos minutos.

LA IGLESIA CONFIRMÓ SU FALLECIMIENTO

La Arquidiócesis de Guayaquil confirmó la muerte del sacerdote y expresó sus condolencias a sus familiares, amigos y compañeros de comunidad. Sánchez Molinari pertenecía a la Congregación del Santísimo Redentor, conocida como los redentoristas, y ejercía como párroco de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro.

Anteriormente había desarrollado su labor pastoral en otras comunidades ecuatorianas, entre ellas la parroquia San Lorenzo de Vinces. Su fallecimiento provocó mensajes de pesar entre personas que conocieron su trabajo religioso.

Por el momento, las informaciones publicadas no han establecido qué provocó la caída de la estructura ni si existía algún problema con sus anclajes. Sin una explicación oficial, atribuir el accidente a una negligencia o a un fallo concreto sería adelantarse a los hechos.

UN FINAL QUE NADIE PODÍA ESPERAR

La muerte de Patricio Sánchez Molinari deja una escena difícil de asimilar: una celebración religiosa interrumpida por un accidente súbito, una comunidad intentando auxiliar a su sacerdote y miles de personas conociendo después lo ocurrido a través de una grabación.

Su último mensaje adquiere ahora una resonancia dolorosa, pero la tragedia no necesita adornos ni interpretaciones extraordinarias para mostrar su dureza. Basta con los hechos: un hombre dedicado a su ministerio murió mientras celebraba misa y la transmisión que debía acercar aquella ceremonia a quienes la seguían desde sus casas terminó documentando una pérdida irreparable.

FUENTES Y DOCUMENTACIÓN

• Fox News — Vídeo del accidente durante la misa: https://www.foxnews.com/video/6407056275112

• Primicias (Ecuador) — Información sobre el sacerdote Patricio Sánchez Molinari y su último mensaje: https://www.primicias.ec/sociedad/sacerdote-patricio-sanchez-muerte-video-ultimo-mensaje-iglesia-catolica-perpetuo-socorro-guayaquil-ecuador-135198/

• Ecuavisa — Información sobre el accidente ocurrido en Guayaquil: https://www.ecuavisa.com/guayaquil/video-sacerdote-muere-plena-misa-guayaquil-cruz-altar-20261018-0001.html

• Associated Press (AP) — Información sobre el fallecimiento y la confirmación de la Iglesia: https://apnews.com/article/b9824d71127805ffc31fb6ba45c79050

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FORBIDDEN LE PLANTA CARA A LA ERA DEL CLIC FÁCIL: UN DISCO DE 67 MINUTOS, IMPERFECCIONES REALES Y CERO GANAS DE OBEDECER

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FORBIDDEN

THE NEW ALBUM · 2026

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Craig Locicero y Chris Kontos explican la filosofía de un regreso que apuesta por la personalidad, las canciones largas y la libertad creativa frente a una industria obsesionada con la inmediatez.

¿Cómo se combate un mundo que, según la provocadora pregunta que recibió Craig Locicero, apenas concede siete segundos de atención? La respuesta del guitarrista de FORBIDDEN fue tan directa como desafiante: publicando un disco de 67 minutos.

No es una ocurrencia aislada. Esa frase resume el espíritu de una conversación en la que Locicero y el batería Chris Kontos desvelan la mentalidad que hay detrás de «Forbidden», el nuevo álbum homónimo con el que la formación de thrash metal de la Bay Area se dispone a romper un silencio discográfico de 16 años. El lanzamiento está previsto para el 23 de octubre de 2026 a través de BLKIIBLK.

La banda no ha querido limitarse a recuperar una fórmula conocida ni a entregar una colección de canciones diseñada para satisfacer las exigencias de consumo rápido. Su intención es otra: recuperar la sensación de estar escuchando a músicos tocando juntos, con sus decisiones, sus matices y esas pequeñas imperfecciones que pueden convertir una grabación en algo irrepetible.

UNA GUERRA CONTRA LA PERFECCIÓN ARTIFICIAL

Uno de los momentos más reveladores de la entrevista aparece cuando Locicero explica su preocupación por los detalles que pueden desaparecer durante la producción. El guitarrista recuerda el trabajo dedicado a seleccionar los platos de batería y construir determinados matices sonoros para descubrir después que algunos apenas se percibían en la mezcla final.

Para él, esos detalles no son decoración prescindible. Forman parte de la identidad del álbum.

La crítica se extiende a una forma de trabajar en la que la tecnología permite corregir prácticamente cualquier interpretación. Locicero no rechaza las herramientas modernas, pero cuestiona que se conviertan en una excusa para eliminar todo aquello que haga reconocible a un músico.

La diferencia es fundamental: utilizar la tecnología para construir una canción no es lo mismo que reconstruirla tantas veces que termine perdiendo su carácter.

«No hay errores», viene a explicar cuando habla de esas pequeñas imperfecciones que decidieron conservar. Hay accidentes afortunados, detalles humanos y decisiones que aportan textura. Lo que podría parecer un defecto desde una perspectiva obsesionada con la limpieza absoluta puede ser precisamente lo que mantiene viva una interpretación.

La referencia a los grandes discos de la historia del rock tampoco es casual. Locicero defiende que su personalidad no procede exclusivamente de las composiciones, sino también de la forma en que fueron interpretadas y registradas.

Para FORBIDDEN, una grabación no tiene que sonar clínicamente perfecta: tiene que sonar a FORBIDDEN.

UN ÁLBUM PENSADO COMO UN VIAJE, NO COMO UNA LISTA DE CANCIONES

La ambición del nuevo trabajo también se aprecia en su estructura. Durante la conversación, Locicero explica que el repertorio se organizó en cuatro bloques para que el oyente pudiera asimilarlo como una obra extensa, con diferentes ambientes y conexiones internas.

La distribución que describe es de tres canciones, otras tres, otras tres y un último bloque de dos temas. La intención es ofrecer puntos de entrada y descanso dentro de una experiencia que no se conforma con encadenar canciones sin relación entre sí.

Las primeras partes se mueven, según explica, por territorios relacionados con el conflicto y la destrucción. Después aparecen cuestiones psicológicas, ideológicas y filosóficas. La estructura terminó revelando conexiones temáticas que no necesariamente habían sido trazadas de antemano.

Entre los asuntos que menciona figuran la geometría sagrada, los hongos, el destino del universo y la naturaleza humana. También habla de cómo determinados acontecimientos históricos pueden cambiar de perspectiva cuando quienes fueron perseguidos terminan ejerciendo el poder sobre otros.

El objetivo no consiste en entregar un discurso cerrado que dicte al público qué debe pensar. Locicero prefiere que las letras permitan distintas interpretaciones y que cada oyente encuentre sus propias conexiones.

En el plano político, su intención declarada es evitar que las canciones se conviertan en portavoces de una determinada afiliación. Si el álbum toma partido por algo, explica, es por los derechos humanos y por una reflexión sobre el comportamiento humano, no por dividir al público entre dos bandos.

Esa amplitud temática ayuda a entender por qué el grupo no quiere encerrar el resultado en la etiqueta más estrecha de thrash metal.

«FLOWER OF LIFE»: NUEVE MINUTOS Y MEDIO CONTRA LA DICTADURA DE LOS NÚMEROS

Si hay una canción que representa esa voluntad de asumir riesgos, es «Flower Of Life».

Locicero revela que el tema llegó a crecer hasta aproximadamente nueve minutos y medio. Su construcción exigió desarrollar distintas secciones, incorporar nuevas ideas y permitir que la composición encontrara un desenlace que no estaba completamente definido desde el principio.

En la conversación cuenta cómo fueron apareciendo nuevas capas, pasajes de piano y aportaciones instrumentales hasta que el final adquirió una dimensión que justificaba su posición como cierre del álbum.

Sin embargo, la duración también planteó una cuestión comercial. Según relata, hubo preocupación por la posibilidad de perjudicar las cifras de reproducción si esa pieza se publicaba como primer sencillo.

La decisión fue priorizar otro tema más directo para presentar el disco y reservar la extensa composición para un momento en el que el público ya tuviera una primera impresión del nuevo material.

La lógica es comprensible desde el punto de vista promocional, pero la postura del guitarrista resulta significativa: no está dispuesto a recortar una idea únicamente porque su duración pueda incomodar a los algoritmos.

El álbum también incluye «Sol Grave», otra pieza que forma parte de ese tramo final concebido como un viaje musical más amplio. La conversación deja claro que la intención no es alargar canciones artificialmente, sino permitir que cada una alcance la dimensión que sus autores consideran necesaria.

NORMAN SKINNER ABRE PUERTAS QUE LA BANDA NO HABÍA EXPLORADO

La transformación creativa no depende exclusivamente de la duración o la producción. También está relacionada con las posibilidades vocales del nuevo cantante, Norman Skinner.

Locicero explica que la incorporación de una voz capaz de desplazarse entre registros agresivos y pasajes melódicos amplía el campo de posibilidades de la banda. En lugar de tener que limitar cada composición a un repertorio vocal determinado, los músicos pueden explorar ambientes muy distintos.

La colaboración ha cambiado incluso la manera de trabajar con las letras.

El guitarrista cuenta que inicialmente daba por hecho que seguiría encargándose de buena parte de las melodías y los textos, como había sucedido en etapas anteriores. Sin embargo, al enviarle material a Skinner, descubrió que el cantante no solo podía interpretar las ideas existentes: también tenía propuestas propias que encajaban con la dirección del grupo.

Ese descubrimiento modificó el reparto creativo y permitió que el vocalista se implicara de forma más profunda en la identidad del álbum.

La banda no está presentando simplemente una nueva voz sobre una estructura antigua. Está comprobando hasta dónde puede llegar una formación que combina la experiencia acumulada con músicos capaces de aportar otras perspectivas.

CHRIS KONTOS Y EL VALOR DE TOCAR COMO UNA BANDA

La presencia de Chris Kontos en esta conversación también sirve para entender la importancia que ambos conceden a la química entre músicos.

La entrevista describe un proceso en el que las ideas se desarrollaron mediante conversaciones prolongadas, maquetas y una preparación que permitió llegar al estudio con una visión compartida. El trabajo de Jeremy Von Epp y del ingeniero y coproductor Zack Ohren también resulta importante para que las composiciones alcancen su forma definitiva.

Locicero destaca especialmente la capacidad de Von Epp para comprender sus ideas y contribuir a completarlas sin convertir cada intercambio creativo en una disputa de egos. Resume esa filosofía con una idea esencial: ponerse al servicio de la canción.

No se trata de demostrar quién toca más rápido, quién acumula más protagonismo o quién impone su criterio. Se trata de que cada aportación ayude a que la pieza funcione.

Esa manera de entender el trabajo colectivo explica la insistencia de FORBIDDEN en conservar interpretaciones naturales y evitar que el proceso de producción termine sustituyendo la interacción entre los músicos.

«DEAR GOD» Y LA HISTORIA QUE TERMINÓ DANDO LA RAZÓN A SUS AUTORES

Otro de los momentos más curiosos de la conversación gira alrededor de «Dear God», la canción de XTC que Locicero quería versionar.

El guitarrista explica que investigó la historia del tema y encontró un recorrido que le resultó especialmente significativo: una composición que inicialmente generó dudas terminó adquiriendo una relevancia que sus responsables no habían previsto de la misma manera.

La versión de FORBIDDEN se incluirá como pista adicional en la edición japonesa, según explican en la entrevista, y no formará parte de todas las ediciones del álbum.

La elección encaja con la visión artística que atraviesa toda la conversación. Locicero no parece interesado en seleccionar una versión únicamente por su popularidad o por su encaje comercial. Le importa el significado de la canción y la posibilidad de reinterpretarla desde su propia sensibilidad.

En un disco que aborda la conducta humana, las creencias y las contradicciones, esa elección funciona como otra pieza de un conjunto que busca ir más allá de las convenciones del género.

EL REGRESO NO QUIERE VIVIR DE LA NOSTALGIA

La conversación deja una idea clara: FORBIDDEN no pretende reproducir exactamente lo que hacía décadas atrás. Sus integrantes cuentan con una experiencia distinta y una perspectiva que no tenían cuando comenzaron a escribir sus primeros discos.

Esa madurez se traduce en una mayor libertad para explorar estructuras extensas, desarrollar ideas filosóficas y permitir que las composiciones respiren. También les permite aceptar que no todo el público recibirá el resultado de la misma manera.

El grupo ha decidido que esa posibilidad no sea un motivo para recortar sus ambiciones.

El nuevo álbum llegará el 23 de octubre y estará acompañado por la gira estadounidense «Chaos By Design», junto a HEATHEN y VOID. No obstante, hay una actualización importante para quienes piensen asistir: la banda ha anunciado que el bajista Matt Camacho y el propio Chris Kontos no podrán participar en ese tramo por motivos personales. Sus sustitutos temporales serán Avery Thurman y Eli Lucas, respectivamente. La banda ha señalado que ambos músicos prevén regresar en 2027.

El regreso discográfico, por tanto, llega acompañado de cambios y circunstancias que van más allá de la música, pero el mensaje artístico que Locicero y Kontos transmiten en esta entrevista es inequívoco.

Mientras buena parte de la industria persigue canciones cada vez más inmediatas, FORBIDDEN reivindica el valor de escuchar con tiempo, conservar la personalidad de una interpretación y permitir que una composición crezca hasta donde sus autores consideren necesario.

Puede que un disco de más de una hora no sea la respuesta comercial más cómoda. Precisamente por eso, la frase de Locicero funciona como declaración de intenciones: si el mundo solo concede siete segundos, FORBIDDEN no piensa construir su música para obedecerle.

FUENTES:

• Entrevista a Craig Locicero y Chris Kontos: https://youtu.be/EtEc70r8EI8

• Blabbermouth — Sustituciones temporales para la gira estadounidense de Forbidden en 2026: https://blabbermouth.net/news/forbidden-bassist-matt-camacho-and-drummer-chris-kontos-to-sit-out-fall-2026-us-tour-temporary-replacements-announced

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